La entrega se hizo en el marco de la exposición “Todo se sabe”, organizada por la Fundación Gabo en homenaje a la vida y legado del Nobel de Literatura. De acuerdo con la Biblioteca Nacional, los guiones serán catalogados, resguardados y puestos a disposición para consulta libre, lo que permitirá a investigadores, estudiantes, creadores y lectores acceder a este material como parte del patrimonio documental del país.

Según Francisco Ramos, vicepresidente de contenidos para Latinoamérica de Netflix, esta entrega reconoce a Cien años de soledad como una obra no solo literaria, sino también audiovisual, “hecha mayoritariamente por colombianos y colombianas”. En sus palabras, el objetivo es que la serie se convierta en “un bien simbólico, educativo y cultural al servicio del legado de Gabriel García Márquez y de la memoria colectiva del país”.

La iniciativa fue desarrollada en conjunto con la Fundación Gabo, entidad que ha acompañado de cerca el desarrollo de la serie y que, según sus voceros, ve en este gesto una forma de proteger el valor simbólico del proceso creativo. La plataforma, por su parte, afirma que la entrega de los guiones hace parte de su compromiso con el acceso al conocimiento y con el reconocimiento del trabajo detrás de las producciones audiovisuales.

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Al evento asistieron los guionistas Camila Brugés, Natalia Santa y Albatros González, además de representantes del Ministerio de las Culturas, la Fundación Gabo, la CAF – Banco de Desarrollo de América Latina y el Caribe, y figuras del sector cultural y académico del país.

La Biblioteca Nacional confirmó que los documentos podrán ser consultados de manera presencial por cualquier ciudadano interesado, una vez finalice el proceso de catalogación. También se contempla que, en el futuro, se facilite el acceso digital a los guiones a través de las plataformas de consulta de la entidad.

Con esta acción, Netflix da un paso inusual entre las plataformas de streaming, al abrir parte de su archivo creativo y ponerlo al servicio de instituciones públicas. Según la Fundación Gabo, este tipo de decisiones contribuyen a fortalecer el vínculo entre la narrativa contemporánea y el derecho ciudadano a acceder a las historias que construyen la identidad nacional.

Imagen: Netflix

Francesca Gardiner, reconocida por su trabajo en His Dark Materials y Succession, será la showrunner y guionista principal de la serie. Mark Mylod, quien también formó parte del equipo creativo de Succession, dirigirá varios episodios y se desempeñará como productor ejecutivo. La serie propone una adaptación fiel de los siete libros originales, con cada temporada dedicada a un volumen, y contará con la participación de J.K. Rowling como productora ejecutiva.

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Junto a los protagonistas, el reparto incorpora a figuras reconocidas del cine y la televisión. John Lithgow interpretará a Albus Dumbledore, mientras que Janet McTeer asumirá el rol de Minerva McGonagall. Paapa Essiedu dará vida a Severus Snape, Nick Frost será Rubeus Hagrid, Luke Thallon encarnará a Quirinus Quirrell y Paul Whitehouse se pondrá en la piel de Argus Filch.

La serie se filmará en los estudios de Leavesden, el lugar original de rodaje de las películas, y se espera que se estrene en 2026. Esta nueva adaptación busca ofrecer una exploración más profunda del mundo mágico, presentando detalles y personajes que no fueron ampliamente desarrollados en las películas anteriores.

Con un enfoque renovado y un elenco fresco, la serie de ‘Harry Potter’ de HBO promete reintroducir la magia de Hogwarts a una nueva generación de espectadores, manteniendo la esencia que ha cautivado a millones alrededor del mundo.

Imagen: HBO editada con IA / ChatGPT

“Medusa” es un thriller de 12 episodios que narra la historia de Bárbara Hidalgo, interpretada por Juana Acosta, una exitosa empresaria de la costa atlántica colombiana. A punto de asumir el liderazgo del conglomerado familiar “Medusa”, Bárbara sufre un accidente en altamar el día de su posesión. Dada por muerta, la investigación concluye que su cuerpo fue reclamado por el mar. Sin embargo, Bárbara regresa, descubriendo que fue víctima de un atentado fallido. Con la ayuda del investigador Danger Carmelo, encarnado por Manolo Cardona, se embarca en la misión de desenmascarar al verdadero culpable.

El elenco también cuenta con la participación de actores reconocidos como Sebastián Martínez, Carlos Torres, Mabel Moreno y Diego Trujillo, quienes dan vida a los miembros de la influyente familia Hidalgo. La serie fue filmada en diversas locaciones de Barranquilla, Santa Marta y Bogotá, capturando la esencia de la costa colombiana. 

La controversia legal

La trama de “Medusa” ha suscitado especulaciones sobre su posible inspiración en familias reales de Barranquilla. Aunque la serie no menciona nombres reales, el abogado Abelardo de la Espriella ha manifestado que la producción podría dañar la reputación de una prominente familia de la ciudad (todo indica que habla de los Char). En un video publicado en sus redes sociales, De la Espriella afirmó:

“Logré cancelar la serie ‘Medusa’ de Netflix. No voy a permitir bajo ninguna circunstancia que se mancille el nombre, el honor y todo lo que ha hecho una importante familia de esta ciudad, en manos de la gente de Netflix”. 

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Según De la Espriella, ha conseguido que se retiren las vallas publicitarias de la serie en diferentes zonas del país y planea tomar medidas similares con los contenidos promocionales en redes sociales. Estas acciones han generado un intenso debate sobre la libertad creativa y el derecho al buen nombre.

La situación ha polarizado a la opinión pública. Mientras algunos defienden la libertad artística y consideran que la serie es una obra de ficción sin alusiones directas, otros apoyan la postura de De la Espriella, argumentando que producciones como “Medusa” pueden influir negativamente en la percepción pública de ciertas familias o grupos.

En plataformas como Twitter e Instagram, el hashtag #MedusaNetflix ha sido tendencia, con usuarios discutiendo sobre los límites entre la ficción y la realidad, y el impacto de las producciones audiovisuales en la sociedad.

Hasta el momento, Netflix no ha emitido un comunicado oficial respecto a las declaraciones de Abelardo de la Espriella. La plataforma continúa con la promoción de “Medusa”, destacando su carácter ficticio y su enfoque en temas universales como el poder, la traición y la búsqueda de justicia.

Imagen: Netflix

El concepto que revolucionó el entretenimiento

Estrenada en 2021, El Juego del Calamar atrapó al mundo entero con su premisa: un grupo de personas económicamente desesperadas compitiendo en juegos infantiles con consecuencias mortales, todo bajo la promesa de ganar un millonario premio en efectivo. Sin embargo, lo que realmente elevó a esta serie fue su capacidad para combinar acción, suspenso y crítica social.

El corazón de la trama radica en Seong Gi-hun (interpretado por Lee Jung-jae), un hombre con problemas financieros que entra al peligroso juego junto a otros 455 participantes. A lo largo de los nueve episodios, los espectadores son testigos de alianzas, traiciones y la lucha por la supervivencia, lo que culmina en un giro final que dejó a todos atónitos: el anciano Oh Il-nam (Jugador 001) era, en realidad, el arquitecto detrás del juego.

Claves de la primera temporada

• Los juegos mortales: desde el Luz roja, luz verde hasta el cruel desafío del puente de cristal, cada prueba fue diseñada para explotar las vulnerabilidades humanas. Estos momentos no solo generaron tensión, sino que también se convirtieron en fenómenos culturales con millones de memes y análisis en redes sociales.
• La máscara del VIP: los organizadores del juego y sus espectadores (los VIPs) destacaron la crudeza de la historia. Estas figuras representan a una élite que, por diversión, manipula y juega con las vidas de los demás.
• El desenlace abierto: tras ganar el juego, Gi-hun se encuentra perdido emocionalmente y al borde de tomar una nueva decisión radical: enfrentarse al sistema que lo atrapó, en lugar de huir con el dinero. Este final dejó la puerta abierta para explorar más sobre los organizadores y los futuros competidores.

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Expectativas para la segunda temporada

La nueva entrega promete expandir el universo que conocimos en la primera temporada. Sabemos que Gi-hun estará de regreso, y con él, la posibilidad de descubrir más sobre los orígenes del juego, los VIPs y las intenciones ocultas detrás de esta sangrienta maquinaria. También se espera la introducción de nuevos personajes y pruebas aún más desafiantes.

Según los creadores, la temporada contará con un total de seis episodios, cada uno repleto de nuevos giros argumentales. Además, el director Hwang Dong-hyuk ha prometido mantener la esencia crítica que convirtió a la serie en un fenómeno global.

Más allá de sus escenas impactantes, El Juego del Calamar nos enfrenta a preguntas incómodas sobre las desigualdades del mundo actual. Su narrativa es un espejo de las dinámicas de poder y opresión, haciendo que los espectadores reflexionen sobre el precio de la ambición y la humanidad perdida en el proceso.

Si aún no has visto la primera temporada o necesitas un repaso antes de la segunda, este es el momento perfecto para sumergirte nuevamente en el mundo de El Juego del Calamar. 

Imagen: netflix

La noticia fue confirmada por el mismo Ayo Davis, presidente de Disney Branded Television a través de un comunicado. De acuerdo con las declaraciones, el proyecto no será un simple reboot, sino que explorará qué ha pasado con los personajes años después del final de la serie en 2006. Esto significa que los fans podrán descubrir cómo evolucionaron las vidas de los Wilkerson después de más de una década.  

El creador original, Linwood Boomer, está involucrado en el desarrollo de este gran (pero no tan esperado) regreso, lo que asegura que la esencia de la serie se mantendrá intacta. Jane Kaczmarek (Lois), Bryan Cranston (Hal) y Frankie Muniz (Malcolm) repetirán sus papeles en una serie de cuatro episodios.

Y es que, desde su estreno en el año 2000, Malcolm in the Middle se convirtió en un fenómeno cultural. La mezcla de comedia absurda, comentarios sociales y situaciones familiares realistas la hizo destacar en la televisión de su época. A lo largo de sus siete temporadas, la serie acumuló premios y elogios, incluidos siete Emmys, y consolidó a Bryan Cranston como uno de los actores más versátiles de su generación, mucho antes de su icónico papel en Breaking Bad.  

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El final de la serie dejó un vacío en muchos de sus seguidores, pero también abrió la puerta para imaginar qué pasaría con los personajes. ¿Malcolm habrá cumplido su destino de liderar el mundo, tal como Lois predijo? ¿Reese sigue metiéndose en problemas? ¿Dewey finalmente encontró su lugar como el más creativo de la familia?  

Un revival para todas las generaciones  

Este regreso no solo despierta nostalgia en quienes crecieron con la serie, sino que también representa una oportunidad para presentar su humor y mensajes a una nueva audiencia. En una era donde los revivals y reboots dominan la industria del entretenimiento, Disney+ parece haber encontrado una joya que combina la nostalgia con la oportunidad de explorar nuevas historias.  

Aunque aún no hay fecha oficial de estreno, las expectativas son altas; los usuarios recurrieron a redes sociales para comentar su temor de que este revival termine dañando la serie. Por ahora, queda esperar más detalles sobre el elenco y la trama. Una cosa es segura: el caos y las risas de los Wilkerson están más cerca de volver a nuestros hogares.

Imagen: Malcolm in the middle

“This Is Us” es una de esas series que logró engancharme desde el primer episodio, y que uno no quiere dejar de ver hasta terminar. Sin ser una crítica experta, la recomiendo sin dudarlo, ya que, a través de la historia de una familia tradicional, aborda muchos temas sociales profundos. Creo que el director logra capturar la esencia de la vida familiar y emocional con gran sensibilidad, haciendo que cada episodio se sienta tanto real como conmovedor.

La serie explora las relaciones familiares y cómo influyen en nuestras vidas, abordando temas como el racismo, la salud mental, la obesidad y el duelo. Muestra cómo las experiencias de los personajes, como la adopción o la lucha con la ansiedad, impactan sus relaciones y su día a día. También toca las dificultades en las relaciones de pareja, la búsqueda de identidad y el proceso de autodescubrimiento, además de abordar el envejecimiento y la responsabilidad de cuidar a los padres mayores.

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Hablando sobre la actuación, creo que es uno de los puntos más positivos, sus actores logran interpretar los personajes de manera que se sientan que son reales. Milo Ventimiglia, interpreta a Jack Pearson logra mostrar la vulnerabilidad de su personaje. Mandy Moore, que personifica a Rebecca Pearson, la madre, logra transmitir la fuerza de su personalidad y al mismo tiempo su vulnerabilidad. Los demás actores logran representar a través de sus personajes temas muy complejos logrando que te impacten emocionalmente.

No dejes de ver “This Is Us” porque estoy segura que te atrapa desde el primer episodio con su historia conmovedora y realista sobre la familia, el amor y los desafíos de la vida. A través de personajes bien desarrollados y diálogos profundos, aborda temas sociales y emocionales de todos los seres humanos. La serie está muy bien calificada tanto por críticos como por el público, quienes destacan su capacidad para emocionar y conectar. Reconocida por una buena dirección y por la autenticidad con la que trata estos temas, se ha convertido en una de las producciones más queridas y valoradas de los últimos años. Puedes verla en plataformas como NBC o Disney+.

Imagen: This is us

El tráiler de menos de dos minutos combina imágenes oníricas, paisajes colombianos y momentos clave que los lectores reconocerán al instante. Desde la fundación de Macondo por José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán, hasta las diferentes batallas que libró Aureliano, el tráiler insinúa que la serie abordará tanto los momentos más icónicos de la novela como los temas universales que la atraviesan: la soledad, el tiempo cíclico y el peso de la memoria familiar.  

La atmósfera visual se siente cargada de simbolismo, destacando elementos como mariposas amarillas y los efectos del paso del tiempo en Macondo. Aunque el avance no revela mucho sobre la narrativa específica que adoptará la serie, logra transmitir la riqueza y el tono mítico que caracterizan a la obra original, donde ver a un sacerdote levitando no es extraño. 

Cien años de soledad es una obra compleja, tanto por su estructura narrativa no lineal como por el realismo mágico que adopta. Uno de los mayores retos para esta adaptación será mantener la esencia de la novela sin sacrificar su profundidad literaria.  

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Por otro lado, la riqueza de los personajes y sus múltiples generaciones plantean interrogantes sobre cómo manejará la serie el árbol genealógico de los Buendía, un elemento que a menudo confunde a los lectores por la repetición de nombres y la complejidad de las relaciones familiares.  

Expectativa entre los fanáticos  

Desde su publicación en 1967, Cien años de soledad ha sido considerada inadaptable debido a su estructura y su lenguaje poético. Este nuevo tráiler demuestra que Netflix ha apostado por mantener una fidelidad visual y temática, pero la verdadera prueba será si logra capturar la esencia emocional y filosófica que ha hecho de la novela un clásico universal.  

Además, la serie representa un hito importante para la representación cultural, pues será la primera vez que esta obra maestra llega al formato audiovisual con el respaldo de la familia García Márquez, quienes han insistido en que la producción se realice en español y con un elenco latinoamericano.  

La primera parte de Cien años de soledad llegará a Netflix el próximo 11 de diciembre.

Imágenes: Netflix

Cuando se destapó el escándalo de Puff Daddy por presunto abuso, acoso y tráfico sexual, crimen organizado, manipulación emocional, entre otros cargos más que se le atribuyen al rapero, Netflix y 50 Cent anunciaron su asociación. La plataforma de streaming anunció que estaban trabajando en una serie sobre el caso Diddy con 50 Cent como director. Sin embargo, TMZ Executive Producer se les adelantó. 

La productora liderada por el productor de televisión Harvey Levin lanzó el documental “TMZ Presents: The Downfall of Diddy” en abril de este año, antes de que arrestaran al productor. El documental examina las acusaciones y demandas por abuso sexual contra el rapero y productor Sean “Diddy” Combs, incluyendo una demanda de tráfico sexual federal.

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¿Dónde verlo? 

El documental está disponible para los suscriptores de Apple TV+ y de manera gratuita en Tubi TV. Pero, por desgracia, si estás en Latinoamérica, no podrás verlo, pues “TMZ Presents: The Downfall of Diddy” está disponible en esas plataformas pero en Estados Unidos y algunos países europeos. 

Si quieres verlo estando en este lado del mundo, deberás instalar una VPN de Estados Unidos VPN (Red Privada Virtual) para enmascarar tu dirección IP con una que provenga de los Estados Unidos. De esta forma podrás ver el documental por alguna de las dos plataformas, Apple TV+ o Tubi TV. 

Seguramente varias productoras más, así como Netflix, estén pensando en desarrollar sus propios documentales, series, películas o cualquier producción acerca de Diddy, pues ha sido uno de los escándalos más oscuros de los últimos tiempos. Además, no solo el rapero está involucrado, varios famosos alrededor del mundo están apareciendo en el listado de presuntos victimarios.

Imagen: TMZ presents

La diversidad cultural y geográfica de Colombia, plasmada en una de sus obras literarias más importantes, llegará a las pantallas del mundo, con una producción de la más alta calidad.

Celebrando sus cien años de publicada, La Vorágine, escrita por José Eustasio Rivera,  será adaptada por los canales regionales del país, para contribuir al fortalecimiento de la industria audiovisual regional y la televisión pública, generando empleo y fomentando la economía local.

“Estoy muy contento de anunciarle al país esta producción de alta calidad, que tendrá una inversión de $10.000 millones del Ministerio TIC a través de los ocho canales públicos de la televisión colombiana, liderados por Telecafé”, señaló el ministro TIC, Mauricio Lizcano.

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El gobierno colombiano producirá esta gran obra en formato audiovisual, basada en uno de los más importantes textos del siglo pasado; un relato inolvidable de amor, intima y violencia en las caucheras de nuestra Amazonía.

“Con esto queremos sumarnos a la celebración de su centenario, y ayudar a que las nuevas generaciones y el mundo entero la conozca, pues le apuntamos a que llegue a las plataformas internacionales y todos la puedan conocer. Queremos que las grandes producciones no solo sean del sector privado, tenemos mucho talento local y es una gran idea que construimos con todos los gerentes de los canales regionales”.

La Vorágine narra el recorrido y las desventuras de Arturo Cova por los Llanos Orientales y la selva amazónica, en medio de la pasión y venganza, durante la fiebre del caucho de comienzos del siglo pasado.

La serie, que tendrá ocho capítulos de 45 minutos y dos especiales de 24 minutos, está pensada para ser competitiva a nivel nacional e internacional, y atractiva para plataformas de streaming.

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Su reparto está conformado por los actores Juan Pablo Urrego, Nicole Santamaría, Laura Junco, Viviana Serna, Ricardo Henao y Tatiana Ariza. La gerente de Telecafé, Amanda Jaimes, destacó la planeación que se realizó entre los canales regionales para planear, escoger y desarrollar qué obra sería la adecuada para este proyecto.

“La familia Telecafé está de fiesta con la adaptación de La Vorágine en su centenario, y en el marco de los 32 años del canal. Desde marzo, cuando el Ministro habló de un producto hecho por la televisión pública, empezamos todos los canales, de forma disciplinada, a analizar bien este proyecto, pues queremos trabajar de la mano y divulgar a través de los ocho canales un producto que, estamos seguros, llegará a las grandes pantallas y tendrá muchos premios”, afirmó.

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El proyecto iniciará en 2025, y es liderado por Telecafé en conjunto con los ocho canales públicos regionales de Colombia. Tiene una inversión del Ministerio TIC por $10.000 millones para su producción, reforzando el compromiso del Gobierno con el fortalecimiento de la Industria Audiovisual Regional, generando impacto económico y cultural significativo en los territorios.

La serie de La Vorágine reúne a los canales regionales del país para crear un contenido competitivo a nivel internacional, reflejando la riqueza natural y literaria de Colombia. Será, además, una oportunidad de celebrar el centenario de una obra maestra de la literatura colombiana, con el objetivo de preservar y promover la cultura nacional, y ratificar que el Ministerio TIC también es televisión.

Imagen: Señal Colombia

‘La chica de nieve’ es la miniserie española que estrena Netflix este viernes 27 de enero, basada en una novela que ha vendido más de 1.700.000 ejemplares desde su lanzamiento en 2020.

La historia transcurre en Málaga durante la cabalgata de los Reyes Magos. Un momento de celebración se tiñe de miedo para la familia Martín, cuando su hija Amaya desaparece entre la multitud. Miren, una periodista en prácticas, comienza una investigación paralela a la de Millán, una inspectora, que despertará aspectos de su pasado que habría deseado olvidar.

Otro periodista, Eduardo, ayuda a Miren en una búsqueda casi obsesiva. ¿Dónde está Amaya Martín? “El mejor atributo de un periodista de investigación es la tenacidad, las ganas de poner las cosas en su sitio por muy difíciles que parezcan”, es la primera frase que se escucha de Eduardo, durante el tráiler.

La adaptación cinematográfica de esta historia está a cargo de Jesús Mesas y Javier Andrés Roig (Deudas, Estoy vivo) y dirigida por David Ulloa (La caza. Monteperdido) y Laura Alvea (Ánimas).

Atípica Films produce estos seis episodios protagonizados por Milena Smit (Madres paralelas, No matarás). En el reparto también se encuentran José Coronado (El inocente, El cuerpo), Aixa Villagrán (Vida perfecta, Loco por ella), Tristán Ulloa (Fariña, Pudor), Loreto Mauleón (Patria, Los renglones torcidos de Dios), Julián Villagrán (Extraterrestre), Raúl Prieto (Antidisturbios), Cecilia Freire (Velvet) y Marco Cáceres, entre otros.

Imagen: Netflix

Parte de la vida de Naranjo, que también narra 35 años de la historia del conflicto colombiano, se cuentan en la serie de Fox ‘El general Naranjo’, que tuvo una primera temporada exitosa y que regresa con una segunda temporada cuyo primer episodio revive los momentos finales de otro de los momentos más recordados y doloroso de la historia del país: la toma del Palacio de Justicia en 1985.

El primer capítulo de esta segunda temporada llega cargado de emotividad y dolor, porque no solo trae de vuelta a los muertos y desaparecidos de ese trágico momento, sino que también nos permite presenciar de cerca una dolorosa pérdida que causó la toma para el general Naranjo, quien fuera reconocido por la Asociación Internacional de Policías como el mejor policía del mundo.

Un fin de semana para maratonear la historia colombiana

En esta nueva temporada, conformada por 24 capítulos de una hora, se explorará una época conocida como ‘los años del terror’, repasando varios hechos sucedidos en Colombia y conocidos mundialmente. Todos los capítulos estarán disponibles en la app de Fox desde este viernes 15 de noviembre para los suscriptores de Fox Premium y en Fox Premium Series se transmitirá un episodio nuevo cada viernes a las 9:50 p.m.

‘El general Naranjo’, que cuenta con talento Latinoamericano y colombiano como Chrsitian Meier, Julián Román, Diego Cadavid, Juan Pablo Shuk, Mauro Mauad, Jason Chad, Juliana Galvis y Laura Ramos, es una adaptación del libro ‘El general de las mil batallas’, de Julio Sánchez Cristo, y ya tiene confirmada una tercera temporada.

Imágenes: Fox.

Por suerte, los dioses de Netflix no escucharon y anunciaron en marzo que efectivamente habría una segunda temporada, para resolver algunas dudas que quedaron al final de la primera, como ¿por qué Caldera volvió a llamar a Yei Yei? ¿El guerrillero desmovilizado volverá a trabajar con Giselle? ¿Hacia dónde huyó Apache? ¿Por qué Caldera está interesado en la candidatura de la fiscal Daniela León (Cristina Umaña)? ¿Quiénes son los personajes que mandan a Caldera?

Ténganse todos que el Pisa Suave Yei Yei tiene una nueva misión

Las respuestas llegarán pronto, el próximo 8 de noviembre, como lo señala el final del tráiler que Netflix publicó este martes 22 de octubre. En el video podemos darle un vistazo a lo que veremos en esta nueva temporada, en la que parece que el nuevo trabajo de Yei Yei será proteger precisamente a Daniela León para que llegue a la presidencia.

Entonces, en un par de semanas podremos ver los nuevos 10 episodios de ‘Distrito Salvaje’ para seguir siendo testigos de las aventuras del Pisa Suave, que nos seguirá mostrando sus habilidades para la lucha con y sin armas.

Sin embargo, no todo son buenas noticias y, como diría el gran Héctor Lavoe, todo tiene su final: Netflix anunció, por medio de un comunicado, que esta segunda temporada será la última de ‘Distrito Salvaje’. Así que no nos queda más que disfrutar de estos últimos 10 episodios, aunque esperamos que los dioses de Netflix recapaciten y nos regalen una tercera temporada… luego discutimos sobre la cuarta, la quinta, la sexta…

Imágenes: Netflix.

Todos saben que la tercera parte no fue precisamente un jardín de rosas para los protagonistas de esta historia de drama y misterio, basada en los populares cómics ‘Archie’, creados por John L. Goldwater en 1941. Por un lado, Archie tuvo que pasar un tiempo en prisión, acusado de conspiración por Hiram. Betty, por su lado, descubrió que tras The Farm estaba Edgar Evernever con rituales de hipnosis y un negocio de tráfico de órganos.

Además, todos debieron lidiar con el misterio del Rey de las Gárgolas, que, tras varias pistas falsas, resultó ser un engaño articulado por Penélope Blossom, lo que incluyó la suplantación de su hijo Jason para hacer creer que no estaba muerto y era el líder enmascarado del grupo.

Este resumen nos deja ver que la juventud de Archie, Betty, Jughead y Verónica ha sido una completa pesadilla, debido a que constantemente se ven envueltos en intrigas y secretos que ponen su vida en riesgo por la maquinación de terceros, que buscan un beneficio personal. Sin embargo, también en parte es culpa de ellos, por ir más allá de donde es aconsejable, husmear en territorios peligrosos y prohibidos o por cometer algunas imprudencias propias de su edad.

En la cuarta temporada todo se puede poner más feo

Ahora, para esta cuarta temporada, que se estrena este miércoles 9 de octubre, a partir de la medianoche en Warner Channel, las cosas no van a mejorar y Riverdale no se convertirá en un paraíso para cumplir los deseos de Archie de disfrutar sin contratiempos del último año de la secundaria con sus amigos.

Eso lo sabemos por la inquietante escena final de la tercera temporada, que nos mostró a Archie, Betty y Verónica reunidos alrededor de una pira, con sus cuerpos ensangrentados y la orden de Betty de quemar sus ropas, incluido el gorro del ausente Jughead, bajo el juramento de nunca hablar de lo que acababa de ocurrir. Esto abrió, por otro lado, la puerta a varias especulaciones, pero la verdad solo la conoceremos a partir de este miércoles.

Imágenes: Warner Channel.

En estos nuevos episodios veremos qué pasa con la familia Pearsons luego del final de la tercera temporada, que nos dejó cerca de lo que parece una nueva tragedia y con muchas dudas por resolver, gracias al particular estilo de la serie que se presta para darnos un vistazo del futuro con retazos que llevan al espectador a intentar armar el rompecabezas con hipótesis, impulsadas por la propia serie, de cómo se desarrolló la historia, pero que después termina siendo diferente.

No hay spoiler tan agrio que impida ver la cuarta temporada

Es por eso que los fanáticos esperan con ansias estos nuevos capítulos, que en el presente nos hablarán de cómo será la vida de Randall y Beth ahora que se mudan a Filadelfia, cómo será la crianza de Jack, el hijo prematuro de Toby y Kate, que llevó a Rebecca y a Miguel a mudarse a Los Ángeles, y, finalmente, cómo afrontará Kevin su rompimiento con Zoe y su conexión con Nikki.

En el futuro, donde están la mayoría de las dudas y, por ende, donde tenemos la alerta de spoiler más grande, sabemos qué le está pasando a Rebecca, qué pasó con Kate y Toby, por qué Kevin tiene un hijo y una casa inmensa y, finalmente, que es la duda más grande, qué pasa con Rebecca, por qué Nikki está allí y dónde está Miguel.

En cuanto al pasado, la gran novedad es que podremos ver a los Tres Grandes (Kevin, Kate y Randall) como preescolares por primera vez en lo que va de la serie. Esto sin contar con los nuevos personajes, historias y secretos que desvela el tráiler.

Estos nuevos episodios se comenzarán a transmitir, en simultáneo con Estados Unidos, a partir de este martes 24 de septiembre a las 8:00 p.m., por Fox Premium Series y la app de Fox. Los siguientes episodios se emitirán todos los martes a la misma hora.

Imágenes: Fox.

La protagonista de esta historia es Helena Poveda, una detective de la Fiscalía que llega a la selva para investigar una serie de extraños asesinatos, mientras se conecta con su pasado a través de Ushe, una indígena mística que, junto a Yua, son conocidos como ‘los Eternos’. En esa selva se mezcla lo ancestral con lo moderno, lo indígena con lo occidental, lo religioso con lo místico. Parte de esa dicotomía la representa Raquel, una misionera que deja permear sus creencias religiosas de las de los indígenas, para combinar ambas en una sola.

La selva es una mujer

Hablamos precisamente con las tres mujeres que interpretan a Helena, Ushe y Raquel, las actrices Juana del Río, Ángela Cano y Marcela Mar, respectivamente. Como se puede ver, en ‘Frontera verde’ la mujer es esencial y poderosa. El elemento femenino es importante, precisamente porque, según las palabras de Laura Mora, una de las directoras, la selva es mujer.

Eso es algo en lo que está de acuerdo Ángela Cano, que dice “para mí el elemento femenino más representativo es la misma selva, es la misma manigua. Es esa fuerza femenina que habita en todos y que el mundo está reclamando. Tal vez pensar el asunto en masculino nos aleja un poco del mundo y, tal vez, en femenino recupera otra vez esa conexión”.

Juana del Río, por su parte, indicó que “lo femenino se expresa de muchas maneras” y añade que lo importante, más que hablar de la lucha de la mujer, es “conectarse con la raíz, porque los personajes femeninos de esta serie se salen un poco de los límites, físicamente, estéticamente, en la estructura de los personajes. Esta es una serie de mujeres con un poder más visceral, que es una cosa que viene más de adentro, que es más como lo que significa la selva”.

Una diosa indígena se construye desde lo indígena

Como queda claro por las palabras de Del Río, los personajes que interpretan ellas tres son mujeres fuertes y poderosas. Sin embargo, para construir personajes con esa complejidad, es necesario tomar una muestra, un referente, y partir de allí.

Sobre el referente para construir a Ushe, Cano afirma que, aunque se planteó investigar sobre culturas indígenas que le permitieran construirla, se dio cuenta de que iba a grabar en el Amazonas, donde estaban precisamente esas comunidades.

“Tenía la fuente directa ahí, entonces fue compartir mucho con Miguel [Dionisio Ramos, quien interpreta a Yua], mi compañero de escena, que fue fundamental, porque me compartía todas las curiosidades que no se encuentran en Internet o en algún libro”, explica la actriz.

“Más que querer representar o imitar a un ser indígena, es una energía que se transmite. De hecho, todo el Amazonas es algo que no podría poner en palabras. No sabía si lo iba a poder entender. Cuando leía al personaje, me enamoró de inmediato, pero no podía visualizar a Ushe, porque, sí, es una indígena, pero también es una fuerza mística, casi metafísica. Entonces, yo decía ¿cómo uno representa a un dios? ¿Qué referente de Ushe podía tener? Más bien los busqué allá mismo”, agrega Cano sobre la construcción de su personaje.

“Un referente que me sirvió mucho fue Carla. Una actriz que iba a interpretar a Ushe, pero quedó con un personaje dentro de las misioneras. Me imagino que el proceso para ella fue al contrario: venir de este pensamiento mágico y entrar a un pensamiento cristiano. Entonces, de ella me pegué, fueron conversar mucho con ella, me enseñó también a hablar tikuna, ensayaba los textos con ella y la observaba”.

Helena y Juana, la representación de la fuerza innata femenina

Del Río también habló de la construcción de su personaje, Helena. “Yo venía de unos procesos muy distintos, de una academia, de una cosa muy de estructura. Entonces yo me senté, hice el arco, busqué referentes. Y, después de hablar con Jack [Jacques Toulemonde], con Ciro [Guerra] y con Laura [Mora], entendí que lo que necesitaban, y la razón por la cual yo estaba acá haciendo a Helena, era porque vieron en mí la fuerza que necesitaba el personaje. Más allá de eso no necesitaban ningún referente, ninguna construcción, ningún nada. Me pidieron que no hiciera a un personaje. Lo cual, para mí, fue muy complicado de entender en ese momento. Estar ensayando y que te digan: ‘no actúes’, cuesta”.

“Pero, cuando pasé eso, entendí que lo que buscaban era la visualización. Me dijeron: ‘mira, hay personajes parecidos en fuerza, no en la construcción del personaje, sino en la fuerza del personaje. Mira ‘Kill Bill’ o mira a Emily Blunt cuando hace de policía. Mira a estos grandes personajes femeninos, contundentes, pero no es que lo tomes de referencia para ti, sino para que sepas cuál es el tipo de fuerza, que es una fuerza que va hasta en contra de ella misma para lograr lo que está buscando’. Entonces, era ver las escenas pensando en cuál era el objetivo de Helena y cuál es la fuerza que la va a llevar allá y qué puedo hacer yo para ayudarla en ese proceso. Entonces, fue una construcción bien distinta a lo que yo estaba acostumbrada”, explica la actriz.

La energía de los actores naturales o, mejor dicho, no profesionales

En una serie como esta o en películas como ‘El abrazo de la serpiente’, precisamente de Ciro Guerra, se habla de actores naturales para referirse a aquellos actores que no tienen formación histriónica, pero representan un papel desde su conocimiento del mundo.

Sobre esto, Marcela Mar, desde su vasta experiencia en la actuación, explicó que “es un término mal acuñado porque yo creo que todas las actuaciones deben ser naturales. Yo pienso que hay actores profesionales, que tienen una formación, y hay actores no profesionales, que no han pasado por una academia, o que están por primera vez bajo la dirección de algún creador”.

Luego, sobre los actores naturales o, en sus términos, no profesionales, que trabajaron en ‘Frontera verde’, Marcela Mar señaló: “Para mí fue muy interesante esa conjunción de esos elementos y fue muy divertido, hizo muy dinámico el trabajo. Aparte porque era la visión de tres directores distintos, con diferentes miradas, pero que habían logrado una sinergia muy interesante dentro del proyecto y, al momento de componer las escenas con actores no profesionales, con un entrenador que está en la escena, que le está facilitando a ese actor no profesional lo que está pasando, y a la vez el director llevando la voz líder, era muy interesante esa energía que se creaba en el set”.

El reto de acercarse a lo indígena

El contexto indígena en el que se desenvuelve ‘Frontera verde’ también representaba un reto importante para estas actrices, porque significaba salir de una zona de confort, de sus conocimientos previos, para acercarse a sus creencias y aprender de ellas, con el respeto y la ausencia de prejuicios que eso implica, para poder dar la mirada profunda al misticismo indígena que intenta lograr la serie, sin perder de vista precisamente su experiencia y entendimiento de la labor actoral. Pero, precisamente son los propios indígenas los que permiten un acercamiento más profundo a sus propios conocimientos.

A propósito de esto, Juana del Río cuenta que “esta es una serie que uno tiene que asumir o no. Porque toca temas que no son cotidianos. Tú lees el guion y son temas místicos, de fantasía y de magia. Entonces, o tú asumes o no”.

“Uno de mis mayores temores sí era enfrentarme a actores no profesionales porque no sabía muy bien cómo era el proceso de construir una escena, el proceso de ensayar una escena. Además porque uno tiene que llegar con indígenas con un respeto. Yo en mi vida soy absolutamente vulgar. Yo entiendo que estoy entrando a un lugar que no me pertenece, entonces no puedo llegar de repente con todo lo que traigo porque puede resultar ofensivo o puede caer mal”, cuenta la actriz.

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“Entonces, trataba de llegar lo más limpia posible de todo y también descubrí en el proceso que hay que dejarse llevar por ellos y lo disfruté profundamente, porque, si hay algo que tienen todos los actores de esta serie es que lo halan a uno, hay una cosa que hala desde adentro, que yo creo que es bastante difícil de lograr, y eso era a lo que le tenía más miedo y resultó estando muy bien”, añade.

“Sí, es una combinación muy buena la que lograron todas las personas que conforman la serie. Haber tenido esa idea de conjugar ese talento fue muy bien porque hay una verdad increíble, que es lo que trae a la escena un actor no profesional, que pertenece a un entorno, al cual nosotros, como blancos o como actores profesionales o como occidentales, estamos llegando a invadir y a habitar”, agrega Marcela Mar a la intervención de Del Río.

“Ese diálogo que se genera con ellos es muy bonito porque ellos traen esa verdad, pero creo que también el trabajo de los actores profesionales trae una verdad y una profundidad que da la academia, que da el trabajo que hacemos, que es repetido, que es continuo y al cual estamos sometidas permanentemente, porque el trabajo de un actor profesionales es trabajar con diferentes directores y entender su lenguaje, adaptarse a él y ser instrumento para contar una historia”, puntualiza Mar.

“Uno llega con mucho miedo, con mucha prevención, cubierto con repelente, con sombrero, con termo y al mes uno está en shorts y en chancla caminando por la selva porque pierde ese montón de cosas que le da la ciudad, que son unas muy pesadas y difíciles de quitar y, cuando uno las quita, ya no puede volver”, agrega finalmente Del Río.

El acercamiento a lo indígena desde lo ritual

Ese acercamiento y respeto a las creencias indígenas también requieren acercarse a sus rituales y aprender de ellos, para comprender mejor sus creencias y estar más unidas al misticismo y la magia que quiere contar y mostrar ‘Frontera salvaje’ desde sus personajes. Al fin y al cabo esta es una serie con un tinte espiritual, del que los personajes debían estar empapados. De hecho, en muchas escenas asistimos, como espectadores, a algunos de esos rituales.

Ellas nos cuentan algunos de los rituales que hicieron o de los que hicieron parte, tanto como parte de la actuación, la narración o de la construcción de los personajes, sino como una reconciliación con la energía espiritual que querían retratar en la serie, no solo en lo referente a lo indígena, sino también a lo católico, que también se toca en ‘Frontera verde’.

Sobre esto, Marcela Mar cuenta que, para su personaje, realizó un ritual porque estaban grabando en “un lugar sagrado, una iglesia de verdad. Estábamos jugando con temas místicos, con creencias muy potentes, muy poderosas. Entonces quería pedirle permiso en primer lugar a Dios, que es mi ser superior, y a una iconografía de seres de luz con estas mujeres, en esa energía tan fuerte que se movía ahí”.

Este primer relato lleva a que las otras actrices recuerden anécdotas de la grabación de la serie, que también da cuenta del inmenso componente espiritual que encierra ‘Frontera verde’. Por ejemplo Ángela Cano narra: “En una escena yo estaba encerrada con otros indígenas en la maloka y había varios abuelos. Entonces, llegó el director y dijo ‘ustedes van a sentir que están acá y los van a matar ¿qué estarían haciendo?’ y ellos respondieron ‘cantando, pidiéndole a nuestros espíritus ancestrales’, eso me pareció hermoso. La abuela empezó a cantar, y esos cantos son como lamentos, como llantos. Luego cortaron y ella siguió llorando y contó que: ‘es que mis ancestros sí estuvieron encerrados y a mis ancestros sí los mataron”.

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Luego, Juana de Río recuerda que en un momento de la serie hay un entierro de alguien y una de las mujeres de la comunidad comenzó a hacer un canto fúnebre “y se puso muy mal. Yo estaba al lado, la estaba viendo y me empecé a preocupar porque en serio la vi muy mal y ese era su último día de rodaje. Entonces, nos contó: ‘es que a mi hermana la mataron y yo no la pude enterrar, nunca le pude cantar y aquí estoy cantándole'”.

“El concepto que ellos tienen del bien y del mal es diferente. No es como uno lo ve, que separa el bien del mal, como ese pensamiento binario, sino que ellos se permiten devenir en presentes distintos, como ese conocimiento que tienen ellos de los rituales, que uno cree que tiene que ir a buscar el ritual, pero es que el ritual está dentro de ti. Uno cree que tiene que tener un taita para que le dirija cómo le vas a pedir permiso a la selva y, si te pones a ver, la magia también es algo que nosotros llevamos adentro y es un poder mental. Para mí todos los días en la serie eran como un ritual, todos manejaban un ritual para algo”, puntualiza Ángela Cano.

Y, aunque ellas nos contaron más anécdotas que nos hacen saber que la selva amazónica está llena de magia y mística, muchas de las cuales se pueden ver en ‘Frontera verde’, que está disponible en Netflix y con la que, además, nos podemos acercar y conectar, en cierta medida, con la selva, ya este artículo se ha alargado demasiado, así que es hora de darle punto final y despedirnos (buena suerte y hasta luego).

Imágenes: Netflix.

La emoción no surgió por el papel de Malek como el faraón Akhmenrah en ‘Una noche en el museo’ o por Finn en ‘Need For Speed’, sino por trabajos como el de Louis Dega en ‘Papillon’ y, especialmente, por interpretar a Elliot Alderson en la serie ‘Mr. Robot’, que comenzó a transmitirse en 2015.

“Cuando creé por primera vez el mundo de ‘Mr. Robot’, pensé que sería una serie de televisión de nich, con un pequeño seguimiento de culto. En los últimos tres años se ha convertido en mucho más y me honra mucho el reconocimiento hacia el programa, el elenco y el increíble equipo que trabaja incansablemente para ayudarme a dar vida a esta visión”, dijo Sam Esmail, creador y guionista de la serie, en una entrevista para The Hollywood Reporter, a propósito del éxito de ‘Mr. Robot’, que ha ganado varios premios, incluido un Globo de Oro por Mejor serie dramática.

La popularidad de la serie ha hecho que los fanáticos esperen con ansias la cuarta temporada, que marcará el final de la historia de Elliot y que los fanáticos han estado esperando desde el 13 de diciembre de 2017, cuando se emitió el último episodio de la tercera temporada.

Y llega el final de la historia de Elliot

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It’s our last chance to save the world, friend. The Final Season of #MrRobot premieres 10.6 on @USA_Network. . . . . #fsociety #WeArefsociety #RamiMalek #Rami #Elliot #ElliotAlderson #tv #television #tvshow #USANetwork #thriller #drama #tech #technology #hacking #red #hoodie #TheFinalSeason

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Aunque seguramente hay personas que quisieran ver más temporadas en el futuro de ‘Mr. Robot’, Esmail cree que este es el momento justo para dar un cierre: “con la llegada de la próxima temporada de ‘Mr. Robot’, he decidido que la conclusión finalmente está aquí. Todos en el equipo creativo, incluidas las personas increíbles de USA y UCP, no querían decir adiós, pero respetamos mucho la historia de Elliot y hubiera sido injusto alargarla”, explica el creador de la serie a The Hollywood Reporter.

Luego, Esmail agrega: “Por lo tanto, la cuarta temporada servirá como el capítulo final de la historia del ‘Mr. Robot’. A los fanáticos de la serie: gracias por los últimos tres años. No puedo esperar para compartir esta emocionante temporada final con ustedes”.

Lee más sobre ‘Mr. Robot’ en este enlace.

Sobre esa temporada final se conocen pocos detalles. En principio se hablaba de que tendría solo ocho capítulos. Luego, distintos medios, como el mismo The Hollywood Reporter, señalaron que serían 12 episodios. Pero, finalmente, como se puede leer en Imdb, sabemos que tendrá 13 capítulos.

Sobre lo que se contará en esta última temporada tampoco hay demasiados detalles, aunque Rami Malek le dijo a Entertainment Weekly, al respecto del cierre de la historia, que “es muy impactante, emocional y creo que es una forma muy bien pensada para terminar esta historia y esta serie. Es notable”.

Un tráiler caótico y navideño

Ahora, gracias al tráiler que se publicó en la cuenta oficial de la serie en YouTube, podemos ver que esta última temporada se ambientará en diciembre, en Nueva York, en la víspera de una caótica Navidad de 2015, ambientada por la canción ‘Silent Night’ de Myuu.

Ese caos en la sociedad proviene de las acciones de Elliot y con el grupo de hacktivistas fsociety, al que se unió gracias a Mr. Robot (Christian Slater): el hackeo masivo del 9 de mayor (5/9), que paralizó la economía de Estados Unidos. A pesar de que en la tercera temporada Elliot se esforzó por revertir el desorden causado por el hackeo 5/9 y volver a estabilizarlo todo, en esta cuarta temporada tanto él como los miembros de la fsociety deberán afrontar las consecuencias. Por eso, al principio del tráiler, Elliot dice: “debemos volver al trabajo”.

Luego podemos escuchar a Mr. Robot diciéndole a Elliot: “Si sigues por este camino, nunca se terminará. Siempre habrá otra cosa. Otro símbolo para destruir, más gente para salvar. Esta es una guerra sin fin. Lo que estás a punto de hacer es cruzar una línea”, a lo que Elliot responde: “Es un poco tarde para eso, ¿no crees?”.

Parece una clara referencia a las consecuencias que hay después de que Elliot enviara el correo para revertir el 5/9, pero ¿habrá algo más en las palabras de Mr. Robot? Es algo que solo sabremos el 6 de octubre, cuando se estrene la temporada final de la serie.

Imágenes: USA Network y Mr. Robot (vía: Instagram). 

Un ejemplo de ello es ‘The Umbrella Academy’, la serie de Netflix de 10 episodios, que fue estrenada en febrero de este año y que se basa en una serie limitada de cómics escritos por Gerard Way, dibujados por Gabriel Ba y editados por Dark Horse. Este drama nos cuenta la historia de siete seres con superpoderes que fueron reclutados por un adinerado hombre cuando nacieron, en extrañas circunstancias: en un mismo día 43 mujeres, sin signos previos de embarazo, dieron a luz a estos humanos con poderes especiales. Luego de mucho tiempo, se reúnen para investigar la muerte de su padre y, de paso, enfrentarse al apocalípsis, haciendo frente a sus conflictos personales y familiares.

Quizá en este tiempo la película de 2009 ‘Watchmen’, basada en los cómics escritos por Alan Moore para DC entre 1986 y 1987, gozaría de mucha más fama y éxito que el que obtuvo en ese entonces. Pero lo sabremos en octubre, cuando HBO estrene la serie. Por si no lo recuerdan, ‘Watchmen’ explora el mundo de los superhéroes desde una perspectiva política y detectivesca de tono noir, con misterios por resolver y un ambiente que lleva a los héroes a actuar fuera de la ley.

¿Cómo sería el mundo realmente con superhéroes?

Otro ejemplo es el que nos convoca en este artículo: la serie que estrenó Amazon Prime Video a finales de julio, ‘The Boys’, una serie basada en los cómics escritos por Garth Ennis, dibujados por Darick Robertson y editados a partir de 2006 por Wildstorm, que luego pasó a ser propiedad de DC. Rápidamente se convirtió en un gran éxito, con el mejor estreno de la plataforma en toda su historia y millones de usuarios tan enganchados que ya están esperando la segunda temporada.

La razón del éxito es simple: en una suerte de parodia a personajes como ‘Superman’, ‘La mujer maravilla’ y Acuaman’, esta serie nos permite ver cómo sería realmente un mundo actual en el que los superhéroes existieran. Para empezar, piensa en lo siguiente: los superhéroes humanos de los cómics y las películas no dejan de ser humanos, con sus vicios, problemas, sentimientos, errores y conflictos. Sin embargo, hasta ahora eran modelos a seguir, por lo que las historietas, series animadas y películas los mostraban como seres generalmente intachables, que solo buscan hacer el bien y salvar a la humanidad, incluso arriesgando su propia integridad.

Lee más sobbre Amazon Prime Video en este enlace.

Pero, ¿realmente sería así? ¿Si mañana te das cuenta de que tienes superpoderes en verdad sales por la noche a hacer el bien con una máscara? No, seguramente buscarás reconocimiento, fama y riqueza, porque no hay superpoder que le gane a eso, y creerás que todos los demás son inferiores, el poder te sobrepasará y comenzarás a abusar de él, a sacarle provecho, sin dejar de sentir que lo que haces está bien o guardando las apariencias de que así es, porque no puedes perder popularidad. Pero no es por maldad, no es que te hayas convertido en un villano, es que así es la naturaleza humana.

¿No me crees? Es algo que pasa en la vida real: una persona con un ascenso en el trabajo o una mejora salarial cambia y, generalmente, no para bien. Alguien que era tu amigo y compañero de trabajo, con el que tomabas algunas cervezas y hablabas tonterías por horas, cuando se convirtió en tu jefe se volvió un ser insoportable, que te critica por todo, ya no sale contigo e intenta hacerte notar que está por encima tuyo casi todo el tiempo.

Los superhéroes serían superestrellas

Así es el mundo en ‘The Boys’. Los superhéroes son todo lo humano que se pueden ser: son celebridades (como los influencers) que se la pasan más tiempo haciendo películas y dinero para la empresa para la que trabajan, Vought, que salvando el mundo y haciendo el bien.

Hay que pensar en los superhéroes de ‘The Boys’ como en deportistas, que cumplen con sus labores en la cancha, pero también deben hacer eventos promocionales, marketing y, para mantenerse, muchos de ellos recurren al doping. Porque sí, en esta serie también se habla de drogadicción entre superhéroes y otros secretos oscuros, que los llevan a cometer errores del tamaño fatal que tiene sus superpoderes. Entonces, cuando alguno de esos errores se conoce por la opinión pública, es momento de salvar su carrera. Acá a los superhéroes no les interesa mucho salvar el mundo, son productos de marketing que deben mantener su imagen y su fama.

Lee más sobre superhéroes en este enlace.

I’m proud to be part of the VCU (The Vought Cinematic Universe). #TheBoysTV comes out on Amazon Prime on Friday. pic.twitter.com/RLxDGwscVo

— Seth Rogen (@Sethrogen) July 24, 2019

Aunque la mayoría de la gente común se deja engañar, hay algunos que que se ven abrumados y afectados por la realidad de los superhéroes y sus excesos. Gente que busca venganza porque estos seres superpoderosos causaron la muerte de un ser querido o usaron su fama para dañar un hogar, entre otras cosas. Y, entonces, nos damos cuenta de que para combatirlos hay que caer en sus excesos. Acá no parece haber gente buena y mala, sino gente normal, que comete errores y se deja llevar por sus pasiones.

También hay gente con superpoderes que ha soñado una vida ideal siendo parte del grupo de héroes más famoso, Los Siete, para salvar el mundo, pero se encuentra con que todo es una farsa, que esos seres que todos idolatran son personas avariciosas, enfermas sexuales, inseguras y esclavos de un sistema capitalista que los pone como un producto.

Y hay segunda temporada

A small token for #TheBoysTV fans. World’s first pic of #Season2. As you can see, we’re up to our old tricks. If you haven’t seen, JOIN US. Streaming now on @PrimeVideo @TheBoysTV #TheBoys #SPN #SPNFamily #Timeless pic.twitter.com/3z29mVBfNl

— Eric Kripke (@therealKripke) August 10, 2019

En esta serie todo ese relato de cómo sería el mundo si existieran los superhéroes se maneja con el grado necesario de crudeza, violencia y comedia negra (que hace reír, y mucho) como para ganar la popularidad y buenas críticas que tiene. No hay intentos por reblandecer la historia o hacerla más comestible. Si van a mostrar una realidad como esta, con todos sus matices, hay que hacerlo manchando el televisor de sangre y convirtiendo algunas cosas crueles en un asunto tan absurdo que da risa.

Pero esta primera temporada solo fue el abrebocas. Todavía quedan muchas historias abiertas, mucho por resolver, mucho por contar y mucho para desarrollar, que nos tiene intrigados y con ganas de ver más, incluso para aquellos que leyeron los cómics y encontraron que no han aparecido algunos personajes y que la historia tiene una leve, aunque importante, diferencia, que no contaré para no spoilear, aunque bien puedo nombrarla en otro artículo.

Por suerte, Amazon confirmó ya una segunda temporada y, por lo que han publicado los actores en sus cuentas de Instagram, va a ser mucho más sangrienta que la actual, e incluso se espera que aparezcan algunos de los personajes que todavía no se han explorado de los cómics o que solo han tenido cameos, como Terror, el perro de Billy Butcher (Karl Urban).

Sin embargo, es muy poco probable que veamos extraterrestres o dioses mitológicos, a pesar de que aparecen en los cómics, según lo que podemos ver en las declaraciones a Entertainment Weekly de Eric Kripke, que desarrolló la serie de Amazon Prime Video. Así que nuestro consejo es: vean ‘The Boys’ y esperemos todos juntos la segunda temporada.

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Imágenes: Imdb.

Esta es una miniserie de ocho episodios, de entre 40 y 50 minutos, que cuenta la historia de una joven detective, Helena Poveda (Juana del Río), quien llega a la Amazonía para investigar, junto a su compañero Reynaldo (Nelson Camayo) la muerte extraña de unas misioneras en la frontera entre Brasil y Colombia, lo que nos lleva a explorar la selva amazónica desde géneros diferentes a lo que hemos conocido hasta ahora: el thriller y el cine negro, con la visión de tres directores reconocidos, Ciro Guerra (‘El abrazo de la serpiente’), Laura Mora (‘Matar a Jesús’) y Jacques Toulemonde (‘Anna’), con quienes tuvimos el placer de charlar sobre la serie con tal amplitud que lo que dicen en el texto es diferente a lo que dicen en este video:

Un Amazonas de cine noir

A propósito precisamente del thriller y el cine negro, Ciro Guerra contó: “Es curioso porque en la época formativa de nuestra cinefilia el thriller era un género dominante. Realmente, era muy visible en las pantallas y ciertamente es un género que ha sido un poco desplazado por las películas de superhéroes y por cierto mainstream que se ha vuelto muy fuerte, pero lo interesante, cuando uno empieza a indagar en la historia, va a llegar al cine negro, que realmente es una exploración muy interesante del alma humana, de las oscuridades, de las complejidades, de las dualidades del alma humana, de sus contradicciones”.

Luego, el también productor ejecutivo de ‘Frontera verde’ indica: “El cine negro es un género que te permite una gran hondura psicológica y que permite llevar al espectador a lugares de incomodidad y de descolocamiento del mundo muy interesantes. Obedece también a sociedades que han vivido traumas potentes y la realidad que vivimos en Colombia tiene todos los elementos que se narraron en esos géneros. Ha habido muchos intentos en Colombia de adaptar esos géneros a nuestra realidad, pero lo interesante para nosotros nos es tratar de traer el género y hacerlo a nuestro modo, sino de cómo reinventar el género, cómo, desde lo que tenemos acá, envenenarlo”.

Lee más sobre ‘Frontera verde’ en este enlace.

Guerra continúa: “Digamos que la Amazonía hoy en día es un escenario de noir muy evidente, esta frontera donde se mueven todos estos tráficos y tránsitos, desde tráfico de madera, hasta tráfico de animales, de personas, de órganos, de drogas, de armas… más las tensiones entre los países, más la frontera de la sociedad occidental, más la frontera de conocimiento tradicional. Entonces, es un escenario que nos permitía jugar con los elementos del thriller, pero también subvertirlo y llevarlo más allá, llevarlo a un lugar donde el espectador realmente se pregunte sobre dónde está, sobre su mundo, sobre su manera de entender el mundo”. 

Laura Mora añade: “El Noir también es un género donde las reglas, los códigos y la gramática son muy claros y exigentes. Entonces, subvertirlo también implicaba unos riesgos, pero era imposible no hacerlo frente al lugar donde estábamos, porque ese lugar subvierte también las tradiciones occidentales. De todo lo que habla el noir, que también es un mundo un poco en decadencia, las instituciones que van volviéndose más líquidas y más corruptas. La Amazonía actual y la frontera no solo tienen eso, sino que el Amazonas es un lugar al que todo el mundo ha ido a sacar algo, donde se ha ido a extraer algo, a arrancar o a convertir a alguien en algo. Entonces, tenía como esa oscuridad que es muy importante en el tono de la serie, pero también en el tono noir”.

La selva en ‘Frontera verde’ es guionista

Como queda claro por sus palabras, la selva amazónica es muy importante en el relato de ‘Frontera verde’, no solo porque tiene todos los elementos para crear una producción misteriosa, que comparte muchos elementos con el cine negro, sino también para la forma en la que se iba a contar el relato y para la construcción de los personajes.

“La serie habla de esta trascendencia: cuál es nuestra posición en el mundo frente a esta selva, como que estos Eternos, si siguieran, van a llegar a convertirse en árboles y hay gente en India que ya se está alimentando básicamente del sol y el camino que seguiría sería precisamente convertirnos en parte de esta selva, que es un poco la exploración que se hace a través de los diferentes personajes, de cómo se van acercando a este mundo, a esta evolución o a la selva, desde un punto de vista más occidental, donde la vamos a convertir, o, al contrario, donde la vamos a extraer o los que ya están tratando de volverse parte de ella”, dice Toulemonde.

La selva también es directora de arte

Luego, agrega Mora: “si uno no se deja afectar profundamente y le da la oportunidad a las historias y al relato de que se engrandezcan con esas verdades, lo que estás creando es una farsa impostada. El relato obviamente se engrandeció y se volvió más complejo al estar allí y entender ese río que cambia, esa selva que habla, esa comunión tan profunda que hay entre la gente que la ha habitado y la conoce, la ha sabido respetar y la ha sabido habitar sin destruirla, versus nosotros, un poco esta extranjería, que llega a ese lugar”.

“Cuando estás acá [en la ciudad] y estás hablando de la selva, la selva es muy distinta en todos los lugares, pero Ciro ya había tenido la experiencia de lo que implica estar a merced de ella y uno acá imagina cosas, pero cuando estás allá entendés que la selva se lo traga a uno, es como que caminas cinco pasos y de repente no te ves, estás camuflado y qué implica eso en el relato, qué implica para esos personajes, cómo son uno con esa selva. Entonces, si uno no se deja afectar y se deja enseñar, lo que está haciendo es impostar”, agrega Mora.

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Luego, la directora afirma que “cuando uno entra a habitar la selva, uno es supertorpe. Uno se da cuenta de cuán torpe es. Estamos acostumbrados a una solidez, que en la selva ya no tenés. Y nosotros incluso lo hablamos con Juana [la actriz que interpreta a Helena] en un principio sobre cómo era que su personaje llegaba por primera vez a la selva, cómo iba caminando cada vez de manera más cómoda en la selva, versus los personajes indígenas, que la selva es su casa, que caminan descalzos y corren descalzos, se conectan con el agua y tocar un tronco es una manera de sentir un montón de cosas y creo que ahí hay una diferencia radical en cómo el cuerpo se entiende frente a ese paisaje que se habita”.

Además, la selva es protagonista

Pero la selva también es un personaje, como lo explica Toulemonde: “la selva misma es un cuerpo también, cuando miras el Amazonas desde arriba y ves esos brazos, son las mismas nervaduras que tienen las ramas o que tienen las venas, y eso era también una pista formal que estábamos buscando a través de las diferentes cicatrices que tienen cada uno de estos personajes, que fue todo un tema de reflexión” y agrega Guerra: “Y también está el corazón, cómo el corazón es donde confluyen todas estas venas y cómo la Amazonía también se convierte en ese corazón”.

Incluso la selva y sus misterios también les impuso formas de contar la historia desde las decisiones fotográficas: “Ciro siempre habló, desde un principio, cuando comenzamos a imponer esas lógicas del relato que no se podían romper, como, no sé, la cámara nunca iba a ser cámara al hombro, siempre iba a estar en el steady o iba a ser una cámara quieta. Pero, cuando esa cámara se movía, Ciro también hablaba de una especie como de espíritu que transita y que lleva, que es etéreo, pero que está ahí. Creo que eso, cuando estás en la selva, adquiere una lógica impresionante. Como que esa cámara para mí adquiría una lógica de que siempre hay algo ahí, hay algo mucho más allá de lo que ves, muchísimo más profundo”.

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La magia y los misterios de la selva también marcan un punto de partida importante para crear una historia como estas, que nos habla, una vez más, del realismo mágico de nuestros país, que es más real de lo que se piensa, como lo explica Guerra:

“Todo lo que se ve en la serie, incluso lo más fantástico y lo más mágico, está basado en algo real. No hay cosas sacadas de la manga. Cosas que pueden parecer locas en el transcurso de lo que van a ver todo está tomado de algo real. Si hoy van a la Amazonía, ahí van a encontrarlo. Desde la historia de las misioneras hasta la historia de los no contactados o de los Eternos”.

Imágenes: Netflix

Hacer ‘El cristal encantado’ costó 25 millones de dólares, que para la época y una película de este tipo parecía un exceso, pero, pese a ser una extraña aventura épica y fantástica de marionetas, al público le pareció fascinante y fue un éxito en taquilla que alcanzó a recaudar 40 millones de dólares y pronto se convirtió en una película de culto del género fantástico.

Magia, fantasía y títeres, al mejor estilo de los 80

Ahora, 37 años después, Netflix decidió realizar un homenaje al trabajo del difunto Henson, que falleció el 16 de mayo de 1990, a los 53 años de edad, por una neumonía causada por el síndrome de shock tóxico. Para ello, la plataforma de streaming realizó una serie precuela de ‘El cristal encantado’, que en su primera temporada contará con 10 episodios de una hora y lleva por nombre ‘The Dark Crystal: Age of Resistance’ (‘El cristal encantado: la era de la resistencia’)

En mayo nos presentaron el primer teaser de la serie, que nos mostraba un poco de la historia y nos dejaba ver que el estilo de la serie es muy similar al de la película de 1982, con el uso de títeres, como en la cinta original, aunque con ayuda de la tecnología moderna de efectos visuales.

El teaser también es un viaje al pasado por la avenida de la nostalgia, no solo porque recuerda al filme original, sino también porque muchas producciones de los 80 y 90 tenían un aspecto similar.

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Gracias a ese video pudimos saber que Thra, la tierra en donde se desenvuelve la historia, está en peligro por el Oscurecimiento. Entonces, tres gelflings (seres similares a los elfos, que lucen precisamente como Yoda, tienen tres dedos largos, un pulgar y, en el caso de las hembras, alas en forma de mariposa), llamados Rian, Brea y Deet, deberán embarcarse en una misión épica para encender la chispa de la rebelión y salvar a Thra del horroroso secreto que esconde el poder de los skeksis, los personajes antagónicos, seres que lucen como una mezcla de reptil, ave rapaz y dragón, con cuatro brazos… y no digo más para no spoilear.

Ahora nos llega un nuevo tráiler, que nos deja ver un poco más de lo que será esta aventura épica de marionetas, llena de seres mágicos, que se estrena el próximo 30 de agosto. Pero, para llegar con toda la información completa y aguantar la espera, después de ver el tráiler, que pondremos a continuación, puedes ir a ver la película original de 1982, ‘El cristal encantad0’, que está disponible en el catálogo de Netflix.

Imágenes: Netflix

El caos se toma ‘Watchmen’

Diez años después, HBO nos mostró un tráiler con el que nos daban la buena noticia de que podríamos ver más de ‘Watchmen’, con una serie dirigida por Damon Lindelof, que  quiere tomar una ruta diferente al contar el futuro de este mundo, separándose de lo que hizo ‘Doomsday Clock’ (‘Reloj del juicio final’), que fue publicada en 2017, escrita por Geoff Johns y dibujada por Gary Frank y Brad Anderson.

https://youtu.be/LcxPWjkmBnU

Ese primer tráiler nos mostró un mundo posapocalíptico y algo caótico, en el que todos parecen pelear con todos y la policía, que también usa máscaras, está en contra de los superhéroes, que tienen el apoyo de algunos ciudadanos, como un grupo de personas que usan la máscara de Roscharch, cuyo líder dice “somos nadie, somos todos y somos invisibles”, mientras suena un reloj de fondo.

Luego, en la Comic Con de San Diego, conocimos un segundo tráiler que nos confirmaba que la guerra es entre cualquier enmascarado y la policía, con sus máscaras amarillas. Lo que reforzaba la sinopsis en la que se señala que se trata de una historia alternativa, en la que los superhéroes son tratados como forajidos.

https://youtu.be/WHpm9FgZS4c

Viejos conocidos están de vuelta

En los dos tráilers vemos algunas referencias necesarias a la película. Por ejemplo, el ganador del Óscar Jeremy Irons hará el papel de un envejecido Ozymandias. Además, se muestran anuncios publicitarios de un documental llamado ‘American Hero Story: Minutemen’. En algunas de esas publicidades vemos a Hodeed Justice, el primer vigilante enmascarado de ‘Watchmen’, miembro original del primer grupo de superhéroes de ese universo, Minutemen.

Lee más sobre ‘Watchmen’ en este enlace.

También vemos la aparición del Owlship, la nave de Nite Owl, que vimos en la película de 2009 y que anticiparía el regreso del superhéroe, al que parecemos ver en una de las escenas del último tráiler. Además, hay muchas referencias al Doctor Manhattan, que se había autoexiliado y, por lo que nos dice el tráiler, estaba en Marte, aunque al final del video vemos a un hombre con manos azules que recoge una máscara, también azul (evidentemente del Doctor Manhattan), que claramente nos dice que veremos su regreso a la Tierra en la serie.

En los tráilers también vemos a la ganadora del Óscar Regina King, que será la protagonista de la serie, interpretando a Angela Abar, la detective principal de The Tulsa Force, esposa y madre de tres hijos. Ella también usa su propia máscara, como podemos ver en los tráilers y, aun mejor, en las fotos que reveló HBO de la grabación y algunos detrás de cámaras de la serie, en la que también actúan Yahya Abdul- Mateen II, Tim Blake Nelson, Andrew Howard, Frances Fisher y Louis Gossett Jr., entre otros. La serie se estrenará en octubre y sus primeras imágenes las puedes ver a continuación:

Imágenes: HBO.

Aunque no se llevó la estatuilla de la Academia como Mejor película de habla no inglesa, el nombre de Ciro Guerra quedó escrito con letras doradas en los libros de historia colombianos. El filme ganó un premio Ariel a Mejor película iberoamericana, premio que volvió a conseguir este año con ‘Pájaros de verano’, la película que, con hermosas imágenes y simbolismos, nos muestra la Guajira y nos habla de la bonanza marimbera, con la actuación de Natalia Reyes, a quien pronto veremos protagonizando ‘Terminator: Dark Fate’.

El nuevo proyecto de Guerra es ‘Frontera verde’, una miniserie para Netflix en la que comparte dirección con Jaques Toulemonde y Laura Mora. La grabación se llevó a cabo en Leticia, más específicamente en la selva del Amazonas, en la frontera entre Brasil y Colombia.

Una serie indígena detectivesca con un tinte oscuro

Esta serie, que consta de ocho episodios, de 40 minutos, y se estrena el próximo 16 de agosto, mezcla el estilo y las temáticas indígenas que aborda Guerra con el género detectivesco, para contar la historia de Helena, una joven detective que, en compañía de un policía indígena llamado Reynaldo, investiga una serie de extraños asesinatos a los miembros de un grupo de misioneros.

En el transcurso de su investigación, Helena y Reynaldo descubren que la selva esconde algunos misterios más oscuros que esos crímenes, con un secreto milenario y quienes lo protegen, Yua y Ushe, una pareja de indígenas llamados ‘los Eternos’, que se encargan de resguardar la sabiduría de la jungla y luchan en contra de un extranjero, Joseph, que cree que la población indígena esconde un secreto incalculable, como indica la sinopsis oficial.

Lee más sobre Netflix en este enlace.

Este lunes, Netflix reveló algunas imágenes de la serie, que hemos estado compartiendo a lo largo de este artículo y en las que podemos ver una cara conocida por ‘El abrazo de la serpiente’: Antonio Bolívar, el indígena witoto que interpretó a Karamakate viejo y se convirtió en un símbolo del filme.

En el reparto también están Juana Del Río (Helena), Ángela Cano (Ushe), Miguel Ramos (Yua), Nelson Camayo (Reynaldo Bueno), Bruno Clairefond (Joseph), Andrés Crespo (Efrain Márquez), Marcela Mar (Raquel) y Mónica Lopera (Aura).

Con estas imágenes, Netflix también compartió el primer tráiler de la serie, que puedes ver a continuación:

Imágenes: Netflix.

Sin embargo, en ‘La casa de papel’ La Resistencia también ha levantado su voz sobre otros temas de interés social, como el feminismo y la homosexualidad, aunque de manera un poco más sutil y tácita que los políticos y económicos. Uno de ellos es más visible en las dos primeras partes, y el otro es mucho más relevante en la tercera. Pero, para hablar de ellos, vamos a tener que contar hechos que quizá, si no estás al día con la serie, te puedan arruinar algunas sorpresas. Por eso, ponemos una alerta de spoiler, a partir de la cual sigues bajo tu propio riesgo.

Nairobi, la figura feminista en ‘La casa de papel’

Una de las figuras que más encarna el feminismo en ‘La casa de papel’ es Nairobi. Ella es una mujer fuerte, enfocada y sin pelos en la boca, que lidera, aconseja y mantiene unido al grupo, lo más que puede. En las primeras dos partes tiene un relevante momento en el que queda claro su esencia feminista: se opone a las maneras en las que Berlín está llevando a cabo el liderazgo del atraco en un momento de crisis y toma el poder, con una frase que se convirtió en un ícono de la serie: “¡empieza el matriarcado!”, como respuesta a un diálogo que tiene con Berlín, en el que él le dice que “esto es un patriarcado”.

Aunque el ‘matriarcado’ no dura mucho y Nairobi debe regresarle el poder a Berlín, nos encontramos ante un ejemplo del discurso feminista dentro de La Resistencia. En la tercera parte, el discurso feminista tiene otro momento, cuando Denver, preocupado por el bienestar de Estocolmo, trata de disuadirla para que no haga parte del golpe. En ese momento, Nairobi trata de defender a Estocolmo y menciona de nuevo el patriarcado, diciendo “hasta el coño del patriarcado”, pero es detenido por Palermo con una jocosa frase, digna de su personaje, que puedes escuchar a continuación:

https://youtu.be/sABS_94HPIs

Lee más sobre ‘La casa de papel’ en este enlace.

De hecho, Palermo, que se ha mostrado claramente machista y un poco misógino en muchos de sus discursos, es un foco en el que se expresa el mensaje de la serie sobre el feminismo, que se refuerza con una presencia más activa de mujeres. Antes solo eran dos miembros femeninos en La Resistencia: Nairobi y Tokio, ahora las acompañan Lisboa y Estocolmo. Por otro lado, la principal rival es una mujer, la inspectora Sierra (como lo fue Lisboa en la primera parte, cuando la conocimos con Raquel Murillo) y está la figura misteriosa de Tatiana, que parece que cobrará relevancia en la cuarta parte.

Al respecto nos habla Alba Flores, actriz que interpreta a Nairobi y que cree que el feminismo está marcado en los propios personajes femeninos: “los personajes que se han construido, tanto Estocolmo, Lisboa, como Tokio y Nairobi, son mujeres muy fuertes, que tienen unas necesidades personales claras, más allá de ningún hombre o no alrededor de los hombres”, dice Flores.

“Eso hace que ya haya algo feminista en su esencia, pero no hay una trama feminista dentro de ‘La casa de papel’. La hubo momentáneamente [con el tema del matriarcado], fue una pincelada, pero yo creo que la apuesta ha sido que se relate una cosa que tiene que ver más con el grupo, con la fuerza del grupo y también con el pulso al sistema”, indica Flores, aclarando que el tema del feminismo no es lo principal en la serie.

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El homosexualidad, otro tema dentro de La Resistencia en ‘La casa de papel’

Curiosamente, Palermo, que en esta temporada se muestra como una figura machista, también representa una figura homosexual, aunque un poco paradójica por su forma de pensar sobre el sexo y el amor, que es más pragmática que sentimental y que, aunque tiene lógica, no es políticamente correcta, lo que lo convierte en un personaje polémico por sí mismo.

La otra figura homosexual de la serie también se sale de toda lógica, porque es el gigante eslavo Helsinki, que ya había expresado su gusto por los hombres desde las dos primeras partes, pero que en esta tercera es más claro, al tener una relación con Palermo, que es muy bien manejada en el guion, porque nos permite explorar de manera más profunda los dos personajes, demostrando que Helsinki es un hombre de buen corazón y Palermo es… bueno, es Palermo…

https://youtu.be/BY1Z0QXy20U

Pero, además, el guion también maneja con sutileza esta relación, sin caer en escenas que podrían herir susceptibilidades y causar más polémica de la que genera el solo hecho de tocar abiertamente el tema de la homosexualidad, que todavía es un tabú entre muchas parte de la sociedad (aunque no debería serlo), puede causar.

Al preguntarles a los actores precisamente sobre la polémica que podría generar esta relación entre Palermo y Helsinki, se desató una pequeña discusión entre ellos. Alba Flores contestó, sin dudar, que causaría muchísima polémica; entonces, Álvaro Morte (el Profesor), indicó que le gustaría que una relación entre dos hombres no genere ningún tipo de polémica.

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Palermo y Helsinki se descojonan de tan buena acogida de la #lcdp3 Gracias a todos!!! Palermo and Helsinki cannot belive that #lcdp3 is a such success Thanx everyone!!! #laresistencia #bumbumciao #bellaciao

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Sin embargo, Flores interrumpe a Morte diciendo: “no es porque sean dos hombres, es porque es Palermo”, haciendo referencia a la extraña y paradójica personalidad del hombre interpretado por el argentino Rodrigo de la Serna, que, como ya dijimos, lo hace polémico por sí mismo, más allá de la relación que tiene con Helsinki, como lo señala Morte en la entrevista.

A propósito, Darko Peric, que interpreta a Helsinki, nos contó: “yo he hablado esto con Rodrigo de la Serna, que es un gran actor, una gran persona y un gran argentino, y yo soy de Serbia, que no son justamente los dos países más open mind, y, entonces, siempre de broma le digo: ‘ostias, tío, nos ha tocado una…’. ¡Claro! Es que un macho balcánico y otro macho argentino, y de repente tenemos esta relación. Para mí es un reto fantástico, yo de verdad estoy superagradecido”.

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Imágenes: Darko Peric (vía: Instagram).

La plataforma de streaming tomó los primeros nueve episodios, de 70 minutos de duración, y los convirtió en 13, de entre 40 y 50 minutos, para transmitirlos a todo el mundo a partir del 25 de diciembre del 2017. Luego, el 6 de abril del 2018, estrenó la segunda parte, pasando de seis a nueve capítulos, también de entre 40 y 50 minutos de duración.

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De esta forma, Netflix la convirtió en un fenómeno global, con miles de fanáticos en todo el mundo, incluso en España. Ahora es considerada la serie española más exitosa de todos los tiempos y la serie de habla no inglesa más vista en la plataforma de streaming.

Por esa razón, el 18 de abril del 2018, para alegría de los fans, Netflix anunció que la serie había sido renovada para una tercera parte. A pocos días del estreno de los ocho episodios nuevos, que llegaron a la plataforma de streaming el 19 de julio del 2019, se anunció que estaban grabando la cuarta parte. 

“No hay diferencia entre actuar para uno o actuar para un millón”

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Hablamos con los actores, que nos contaron cómo se siente volver a interpretar sus personajes, ahora que saben que no los verán solo en España, sino en todo el mundo, en donde hay miles de personas que los aclaman y los quieren. Ahora son miles de ojos que, tras una máscara de Dalí, como la que ellos usan en la serie, esperan para volver a verlos y para aclamar sus nombres de ciudad.

Alba Flores, que interpreta a Nairobi, dice que “para muchos de nosotros no hay tanta diferencia entre actuar para uno o actuar para un millón, porque uno tiene que seguir dándolo todo, contando la historia y comprometido con lo que está contando. Cuando uno tiene ese compromiso, que te mire más gente lo único que hace es reafirmarte que algo de lo que estás haciendo va bien”.

Una jauría de fans abrumadora

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Álvaro Morte, que le da vida al Profesor, califica el hecho como algo impresionante: “Tú estás en el salón de tu casa y, de repente, ves que en Instagram te sigue gente de aquí y de allá, y toda la repercusión que hay. Pero, que tú vivas en tus carnes, que estés paseando por las calles de Bangkok y te esté parando gente, no solamente tailandesa sino de todas partes del mundo que están ahí, es una cosa absolutamente abrumadora”, dice el actor.

“Nosotros, Pedro Alonso (Berlín) y yo, estuvimos grabando en Florencia, y en redes sociales se vio un video que colgamos de toda la jauría tremenda, toda la revolución aquella que se dio en aquella plaza con todos los fans”, cuenta Morte sobre un momento alucinante del rodaje de la tercera parte de la serie.

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Finalizar así un día de rodaje en #Florencia con @pedroalonsoochoro @jesus_colmenar y todo el equipazo de @lacasadepapel Mítica pura por todos los flancos y en todos los sentidos. Fans italianos que se quedan todo el día pasando un frío aterrador y alentándonos con su cariño. GRAZIE BELLA ITALIA!!!!! #bellaciao

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“Pero sí que tengo que decir que todos ellos nos muestran muchísimo cariño. No sé qué le pasará a Enrique Arce (Arturito), pero a nosotros nos tratan de manera buena y valorando mucho el trabajo que hacemos”, añade el hombre detrás de el Profesor.

Un fenómeno que trasciende fronteras de todo tipo

Y, entonces, Darko Peric, que interpreta a Hesiniki, recuerda algo que lo conmueve de toda esta popularidad de ‘La casa de papel’: “Yo vivo y trabajo en España desde hace 15 años”, dice el actor que le da vida a Helsinki, para luego agregar, evidentemente emocionado, que “por esta serie, que se ha hecho tan popular a nivel internacional, de repente empiezo a recibir mensajes de gente de mi país, de gente de todos estos países que quedaron después de la guerra en Yugoslavia, y esto te puedo decir que a mí me ha emocionado tanto, que me escriban albaneses, croatas, bosnios, y todos diciendo lo mismo: ‘Qué orgullosos estamos de que uno de los nuestros haya conseguido algo así’. Esto te conmueve tanto, tanto”.

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El Profe y Helsi mandan saludos a toda #laresistencia Sois los mejores!!! Hasta la victoria siempre!!! #lcdp3 #bestgangever

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Durante el relato de Peric, Morte, evidentemente sorprendido y emocionado, deja escapar un “¡qué bonito!”, que nos deja ver la profundidad en lo que dice Peric y la importancia que ha cobrado ‘La casa de papel’.

Luego, el actor que interpreta al Profesor añade: “Hay una cosa preciosa y es que, más allá de que te llegue alguien diciendo ‘me gusta tu papel, me gusta la serie’, a mí mucha gente me ha parado para darme las gracias por todo lo que han vivido junto a sus familias viendo la serie y los debates que se han generado después en sus casas”.

Esto solo demuestra que La Resistencia ha logrado su cometido, que ahora son una legión de miles, de millones de personas, que siguen la serie. Se ponen las máscaras de Dalí, piensan en un nombre de ciudad que llevarían si fueran parte activa de la banda y están dispuestos a reír, angustiarse y llorar con cada cosa que les pasa al Profesor, a Nairobi, a Helsinki, a Palermo, a Estocolmo, a Lisboa, a Denver, a Bogotá, a Río, a Tokio e, incluso, a Berlín, a Oslo, a Moscú y al pequeño Cincinatti.

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Breaking news… The gang is back and we're looking for trouble!!! #lacasadepapel #laresistencia #obellaciao @vancouvermedia_ @lacasadepapel @netflixes

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Imágenes: Darko Peric (vía: Instagram).

Cuando la termines, puedes tomar tu control y cambiarte a TNT Series, en donde, también este lunes 22 de julio, se estrena la miniserie de seis episodios ‘I Am the Night’, un drama inspirado en el libro ‘One Day She’ll Darken: The Mysterious Beginnings of Fauna Hodel’, escrito por Fauna Hodel a manera de autobiografía.

Aunque la adaptación audiovisual no es exactamente igual a lo que se relata en el libro y, por tanto a la historia real, la serie ‘I Am the Night’ cuenta la historia de Fauna Hodel cuando era adolescente y vivía en Reno, Nevada (Estados Unidos), entre la década de los 50 y los 60. Esta mujer interracial, llamada Pat, tiene una madre afroamericana y un padre blanco que nunca conoció.

Un drama con tintes de cine negro

A los 16 años de edad, ella afronta una relación conflictiva con su madre, que es alcohólica, y los prejuicios de sus compañeros de clase por su color de piel. Y por esa época, Pat (interpretada por India Eisley, a la que conocemos por ‘Underworld: Awakening’ y por la serie ‘The Secret Life of the American Teenager’) descubre una partida de nacimiento gracias a la cual se da cuenta de que es adoptada, que su nombre real es Fauna Hodel, que su madre biológica es una mujer blanca llamada Tamar Hodel y que su padre es un hombre afrodescendiente del que no tiene mayores datos.

A partir de entonces comienza una carrera por descubrir los secretos de su pasado. Así conoce a Jay Singletary, un reportero arruinado, al que lo persiguen los fantasmas de un caso que significó su desacreditación y, por tanto, el final de su carrera. Singletary es interpretado por Chris Pine (‘Wonder Woman’ y ‘Star Trek).

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Gracias a su investigación, descubren que el abuelo de Fauna es George Hodel (Jefferson Mays), un ginecólogo respetado, que colecciona arte y posee una gran inteligencia, pero que también está involucrado con algunos de los escándalos más oscuros de Hollywood. Estos incluyen el asesinato de Elizabeth Short, conocida como La Dalila Negra, uno de los crímenes sin resolver más conocidos en la historia estadounidense.

‘I Am the Night’, que es dirigida por Patty Jenkins (directora de ‘Monster’, ‘Wonder Woman’ y ‘Wonder Woman 1984’), comienza a transmitirse el lunes 22 de julio a las 10:30 p.m. por TNT Series. Los cinco episodios restantes se podrán ver por ese mismo canal, a la misma hora, todos los lunes.

Imágenes: TNT Series.

Ya que estamos todos los que vamos al día con la serie de Netflix, sabremos que al final de la segunda temporada Berlín se sacrificó para que sus compañeros pudieran escapar de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre con el botín. Vimos cómo el personaje interpretado por Pedro Alonso recibía varios balazos en el pecho mientras se enfrentaba a la Policía.

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Los tráilers de la tercera parte de ‘La casa de papel’ hicieron que muchos pensaran que llevaba un chaleco puesto y había sobrevivido. Sin embargo, quedaba la incógnita de cómo había escapado de las autoridades para reunirse con el Profesor. Pero, cuando vimos la tercera parte, que se estrenó el pasado 19 de julio, descubrimos que la verdad era otra.

En verdad, Berlín no sobrevivió y en los nuevos episodios solo aparece en flashbacks en los que, acompañado de Palermo, le enseña al Profesor su plan para realizar un golpe a la reserva nacional del Banco de España, que es precisamente el que llevan a cabo en esta tercera parte para rescatar a Río, que había sido capturado por las autoridades y estaba siendo torturado.

Esto pudo ser una decepción para los fanáticos, que esperaban verlo vivo. Sin embargo, algunos actores de ‘La casa de papel’, con los que tuvimos la oportunidad de charlar, tienen otra opinión al respecto.

Alba Flores, que le da vida a Nairobi, afirmó que “estar muerto nunca le ha sentado a alguien tan bien”. Luego, Darko Peric, que interpreta a Helsinki, señaló que “está tan bien dosificada la presencia de Berlín que yo creo que a la gente le va a gustar”. Ahora te preguntamos a ti ¿qué tal te pareció el regreso de Berlín?

¿Quién es Bogotá?

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Esta vez, no es por el dinero. Es por la familia. Nos vemos el 19 de julio.⁣ ⁣ This time, it’s not about money. It’s about family. See you on July 19th.⁣ ⁣ Dessa vez não se trata de dinheiro – e sim de família. Nos vemos o dia 19 de julho. ⁣ #lcdp3

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Otra de las novedades de esta temporada, y una de las más llamativas para nuestro país, es la presencia de un nuevo personaje llamado Bogotá. Pudimos ver que se trata de un personaje importante para el nuevo golpe, porque es el encargado de abrir la bóveda en donde está el oro y de llevar a cabo su correcta fundición, como un reemplazo de Moscú, que era quien realizaba esa clase de trabajos.

Hovic Keuchkerian, el actor que lo interpreta, nos habló un poco de la selección de su nombre de ciudad: “el nombre de Bogotá es porque me tocó. Se le ocurrió, supongo que a Álex Pina [creador, productor y guionista de la serie] y a Jesús Colmenar [productor de la serie y director de varios capítulos]”.

“Supongo que en algún momento de la elipsis el Profesor me pondría el nombre de Bogotá, cuando da la bienvenida a la banda que se ve al final del episodio uno, si no me equivoco”, añadió Keuchkerian.

“El equipo me ha recibido maravillosamente bien, estoy supercontenteo, me siento privilegiado de formar parte de este proyecto”, concluyó finalmente el actor español, nacido en Líbano, que también es poeta, comediante, escritor y exboxeador.

Imágenes: Netflix.

Se trata de ‘Gone’, una serie de drama policial. Aunque su origen es alemán, francés y estadounidense, se estrenó originalmente en Australia el 13 de noviembre de 2017. Llegó a Francia el 23 de enero de 2018. Un día después comenzó a transmitirse en Alemania. El 19 de mayo de 2018 llegó a Reino Unido. En Estados Unidos, por su parte, se estrenó el 16 de enero de 2019. Ahora, este 22 de julio, llega a Latinoamérica para ser transmitida en Fox Premium Series.

La Sherlock de los casos de secuestro

‘Gone’ sigue la historia de la sobreviviente de un famoso caso de secuestro infantil, llamada Kit ‘Kick’ Lanigan, un personaje interpretado por Leven Rambin (‘Grey’s Anatomy’, ‘Los juegos del hambre’ y ‘Terminator: The Sarah Connor Chronicles’). Luego de lo que le sucedió, comienza a entrenar en artes marciales y el uso de armas de fuego con el fin de no volver a ser una víctima.

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Entonces, ella es reclutada por el agente del FBI Frank Novak (Chris North, conocido por ‘Sex and the City’ y ‘La ley y el orden’) para que forme parte de un equipo especial dedicado a resolver casos de secuestro y personas desaparecidas.

Luego de ser convencida por Novak, ‘Kick’ encuentra su vocación en ese equipo, del que se vuelve una pieza fundamental, por ser la única capaz de entender la mente de un depredador. Así resuelve casos junto al exoficial de Inteligencia John Bishop, interpretado por Danny Pino (‘La ley y el orden: unidad de víctimas especiales’ y ‘Cold Case’).

Imágenes: Fox.

Como ya sabemos todos los que vimos los nuevos episodios, está de más decir que Billy Hargrove, al que vimos por primera vez en la segunda temporada, es uno de los personajes más importantes en la tercera. No solo es la figura antagónica más destacada, después, claro, del Azotamentes, sino que su emotivo final, en el que se redime y pasa en pocos segundos de villano a héroe, sacrificándose para salvar a Eleven, hizo que doliera verlo morir.

Billy tiene su corazoncito

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Recordemos: Eleven usa sus poderes para ubicarlo, sabiendo que tenía una conexión con el Azotamentes. En ese proceso, se mete en los recuerdos más profundos de Billy y, gracias a eso, podemos conocer las razones que lo llevaron a convertirse en un tipo rudo y violento, que seduce a las mujeres mayores de Hawking, y no muestra ni un ápice de piedad a la hora de amenazar a Max, amedrentar a sus amigos y golpear a Steve o a cualquier otro.

El recuerdo que encuentra Eleven se centra en un infantil y sonriente Billy, que surfea en la playa y está apegado a su madre biológica, a la que le tiene un claro y profundo cariño. Pero también muestra mucho más de la verdad sobre su padre, Neil Hargrove, de quien ya sabíamos antes que era un sujeto abusivo, que no dudaba en humillar, amenazar y ofender a su propio hijo.

Lee más sobre Stranger Things en este enlace.

Gracias a estos recuerdos, sabemos que Neil además, era un tipo extremadamente celoso, que golpeaba a la madre de Billy, lo que la llevó a abandonar su hogar y obligó a Billy a convertir su dolor en violencia.

Mucho después de eso, en el último episodio, Billy, dominado por el Azotamentes, sostiene a Eleven para que el espeluznante ente del Upside Down termine tragándosela o convirtiéndola en uno de sus lacayos. Sin embargo, en un momento de lucidez, Eleven (el personaje interpretado por Millie Bobby Brown) busca en la bondad oculta de Billy, y le recuerda a su madre y aquel momento feliz en la playa, con muchos detalles.

Luego de recobrar la razón, Billy se enfrenta al Azotamentes, que acaba por acribillarlo con sus tentáculos, ante la lacrimosa y angustiada mirada de Max, su hermanastro, en uno de los momentos más emotivos y dolorosos de esta temporada de ‘Stranger Things’, porque se entremezcla con la aparente muerte de Hopper (ahora que regreso sobre la escena, en la parte en la que la máquina es destruida, no veo a Hopper a su lado en ningún momento; puede ser una falla o realmente, como han indicado las teorías, está vivo).

Una idea loca para humanizar a Billy

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Parte de ese dolor es gracias a Dacre Montgomery, el actor que le da vida al hermanastro de Max. En una entrevista para TV Insider, contó que habló con los hermanos Duffer dos o tres meses antes de que comenzaran a escribir el guion de los nuevos episodios, para que le dieran un arco argumental mucho más profundo a su personaje, y que lo humanizara.

“Quería aprender más sobre la madre biológica de Billy […] les traje [a los hermanos Duffer] una historia un poco loca de su pasado, y la incluyeron. Forma parte de ese final de redención que creo que tiene mi personaje esta temporada. Esto muestra lo colaborativos que son; ellos te escuchan. Trato de traer diez ideas locas cada vez que llego al set de grabación. Siempre me dicen que son demasiado locas, y siempre toman algo”, dijo Montgomery.

El actor agrega, cuando le preguntan sobre las cosas que más quiere que vean los fanáticos sobre Billy, que “es precisamente esa lucha entre lo que sucede fuera de él y lo que hay dentro de él. La oportunidad que me dieron los creadores emplea un arco en la historia muy diverso para mi personaje”.

La conexión de Billy con Eleven

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Por otro lado, el actor, en una entrevista para Vulture, calificó la escena de la playa como desgarradora. Además, contó lo agotador y desafiante que fue grabar esta temporada y lo involucrados que estuvieron él y Millie Bobby Brown para hacer sus escenas juntos, con fuertes trabajos de preparación que demuestran el profesionalismo de los dos jóvenes actores.

“En la mayoría de las escenas la estoy persiguiendo [a Bobby Brown], en lugar de trabajar directamente con ella, pero incluso así fue un significativo desafío mental. Millie y yo dimos el 200 por ciento en cada escena que hicimos juntos. Fue fácil encontrar en el otro ese nivel de pasión en el momento. Mientras grabábamos la escena final, nos gritábamos entre tomas para calentarnos mutuamente, solo tratábamos de estar emocionalmente conectados todo el tiempo”, dijo el actor, que agregó: “Nos gritábamos uno al otro hasta llorar. ¡El máximo profesionalismo!”.

“Estábamos dando y recibiendo todas esas emociones, y fue así durante toda la temporada. Y ambos nos consolamos después de cada uno de esos momentos. Le aseguraba a ella que estamos a salvo, que todo va a estar bien, y que no le voy a hacer daño realmente”, añadió Montgomery.

Billy no necesita doble ni pelo propio

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En esa misma entrevista, Montgomery afirma que no usó dobles de acción para las escenas violentas, sino que las hizo él mismo. “Realmente disfruto haciendo mis propias acrobacias. Estoy en una edad en la que estoy en buena forma y no hay mucho riesgo para la salud de la gente de la aseguradora de Netflix. Eso es parte del sueño: ¡hacer mis propios trucos! Crecí admirando las coreografías de los dobles, así que quería aprender cómo era posible hacerlas, ya que esta temporada tiene mucha más acción que las anteriores”, puntualizó el actor.

Finalmente, y como dato curioso, Montgomery confesó que el pelo de Billy no era suyo, sino una peluca, y asegura que trató de humanizar a su personaje tanto como pudo para que los fans lo recuerden con cariño por el sacrificio que hizo al final. Yo ya lo llevo en el corazón luego de conocer su verdad y ver que agotó lo último de su energía para no dejar que El muriera. ¡Gracias, Billy!

Imágenes: Netflix.

Si hasta ahora te enteras de que hay una escena poscréditos, abre Netflix, pon el último episodio, ve hasta el final y espera o, bien, sigue leyendo, que te tenemos el video de la escena más adelante. Si todavía no has visto la temporada, ¿qué estás esperando? Como sea, pondremos una alerta de spoiler a continuación, para no dañarles la sorpresa.

Asumo que ya estamos todos los que vimos la escena poscréditos y los que la quieren ver en el video publicado unos párrafos más abajo, o sea, los que ya vimos la tercera temporada, así que comencemos de una vez: el último de los ocho nuevos episodios de ‘Stranger Things’ fue un duro golpe. Vimos morir a Billy, sacrificándose para salvar a Eleven (en una rápida metamorfosis de villano a héroe), y también asistimos a la aparente muerte de Jim Hopper, que se sacrificó para salvarlos a todos, cuando Joyce, por petición del propio sheriff, destruyó la máquina que abría el portal al Upside Down en las instalaciones subterráneas rusas, bajo el centro comercial Starcourt.

Luego de tres meses de esos hechos, acudimos a una serie de tristes despedidas porque los Byers, con Eleven incluida, se iban de Hawkins. Mientras todavía estábamos lagrimeando por la emotiva carta de Hopper a Eleven en esas escenas (“por favor, si no te importa, por el bien de tu pobre y viejo padre, deja la puerta abierta 10 centímetros”), los Duffer dejaron la puerta abierta (mucho menos de 10 centímetros, apenas un resquicio) a la esperanza de que todavía el sheriff esté vivo, gracias a la escena que aparece entre los créditos.

“No, el estadounidense no”

En esas imágenes viajamos a unas instalaciones, ubicadas en Kamchatka, Rusia. Dos guardias soviéticos caminan por un pasillo que tiene varias puertas a un lado. Cuando uno de los soldados se intenta acercar a una de ellas, el otro le dice: “no, el estadounidense no” (quédense con esa frase, más adelante volveremos a ella).

Entonces, pasan a la siguiente puerta y entran a un calabozo de donde extraen a un ruso, al que llevan a rastras (gritando y pateando, por favor) a una jaula. Luego de que los militares accionan una palanca, sale un viejo conocido: el mismísimo Demogorgon, que no veíamos desde la primera temporada, o podría ser uno de sus hermanos, porque se supone que Eleven destruyó al que conocíamos. Finalmente, el monstruo abre sus fauces en forma de flor, muestra sus dientes y convierte al pobre prisionero, que grita horrorizado, en su cena.

Dejemos lo del americano y Hopper para el final, y concentrémonos por ahora en el Demogorgon. Lo primero que nos indica es que, como insinuamos en el párrafo anterior, no hay un solo Demogorgon, sino varios. Algo que ya podíamos anticipar por la aparición de los Demodogs en la segunda temporada.

La presencia del Demogorgon en manos de los rusos nos indica que tenían un plan B si fallaba lo de abrir el portal al Upside Down o, bien, que parte del plan era reunir un ejército de estos monstruos. Algo que también explica la utilidad de las jaulas de acero que vio Erica (la hermana de Lucas) en las instalaciones rusas bajo Starcourt (qué peligro llevar esos bichos en un avión). Podríamos pensar, incluso, que tienen más de un Demogorgon en su poder, pero eso no queda tan claro en la escena.

¿A quién tienen los rusos?

De vuelta a lo de “no, el estadounidense no”, la pregunta que surge, obviamente, es ¿a quién tienen encerrado allí? Hay varias teorías al respecto. Algunos creen que es el doctor Brenner, a quien Eleven llamaba papá y al que dábamos por muerto, luego de ser atacado por un Demogorgon en la primera temporada. Pero en la segunda, un exempleado de los laboratorios de Hawkins le revela a Eleven que Brenner sobrevivió y que le dirá dónde se encuentra, a cambio de que le perdone la vida, debido a que la poderosa niña lo quería matar por venganza.

Luego, en esa misma temporada, Kali (número 8) le causa una visión al personaje interpretado por Millie Bobby Brown, en la que ve al doctor Brenner, pero no sabemos nada de él desde entonces y en la tercera temporada no apareció; cabe recordar, además, que el poder de Kali es hacerle ver a la gente lo que ella quiere y no necesariamente la verdad. Se cree que los rusos quieren servirse de los conocimientos y experimentos hechos por el doctor Brenner para avanzar en sus planes, por eso lo tendrían encerrado.

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Otra teoría que se baraja tiene que ver precisamente con Kali. Como no sabemos nada de ese personaje desde que se separó de Eleven en la segunda temporada, se cree que ella es el estadounidense que tienen los rusos o alguno de los otros niños que hicieron parte de los experimentos de Brenner en el Laboratorio Nacional de Hawkins.

La teoría asegura que los rusos usarían los poderes de Kali o de alguno de esos jóvenes para controlar a los Demogorgon, al Azotamentes y a cualquier otra cosa que haya en el Upside Down. Tendría sentido si pensamos que quizá varios jóvenes poderosos unidos sea la única forma de vencer al Azotamentes y acabar de una vez por todas con el Upisde Down, aunque en este momento los poderes de Eleven se tomaron unas vacaciones.

Hopper, ¿eres tú?

Pero la teoría que más eco tiene es que Hopper de alguna manera se salvó, no se convirtió en polvo cuando explotó la máquina que abría el portal y los rusos se lo llevaron (al fin y al cabo nunca lo vimos desvanecerse, como sí pasó con los tres sujetos que llegaron al lugar justo en el momento de la explosión). Todos esperamos que esta sea la opción real, incluso los actores de ‘Stranger Things’.

En una entrevista para ET Online, Noah Schnapp (Will) dice: “espero que Hopper no se haya ido por completo, siento que volverá. No creo que se haya ido para siempre”. Para ese mismo medio también habló el mismo David Harbour (que interpreta a Hopper) al respecto de la escena poscréditos y dijo que también guarda una esperanza de que Hopper sea el estadounidense al que se refieren los rusos. “Nunca debemos perder la esperanza, pero Barb está muerta”, indica el actor.

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Luego, al barajar la idea de que Hopper esté vivo, dice: “parece bastante loco porque, sabes, esa máquina explotó y Hopper parecía estar atrapado allí. Miró alrededor un poco, pero parecía estar atrapado y la máquina explotó. Y luego pasamos a, ¿qué era? Comienza con una K o algo así, alguna ciudad rusa, ¿verdad? Donde hay algún estadounidense y otro prisionero. No lo sé, me parece extraño”.

Los periodistas le preguntan si ha hablado con los Duffer al respecto, y asegura que lo ha intentado, pero lo han estado evitando. “Sé tanto como tú”, dice, para luego agregar que vio el episodio final y le parece extraordinario porque Hopper actúa como la persona que debía ser “y luego está el misterio del final, pero realmente no sé qué va a pasar. Si saben algo de los hermanos Duffer, avísenme y hagan que me devuelvan las llamadas”, puntualiza.

Un mensaje para Joyce que algunos fans pueden escuchar

Pero, ya que hablamos de llamadas, hay una pista que rompe la cuarta pared y apunta a que la teoría de que Hopper está vivo y es el estadounidense del que hablan los rusos es la correcta. En uno de los capítulos de esta temporada, Hopper usa el teléfono de Murray Bauman (nombre clave: Águila Calva) para hacer una llamada a un extraño número con el fin de dejarle un mensaje al Doctor Owens y que este envíe refuerzos. Sin embargo, Joyce no está muy contenta con la forma en la que Hopper manejó la situación y vuelve a llamar al número secreto para, de forma más amenazante, indicar que el mensaje es urgente y que necesitan los refuerzos para ya mismo. Luego le deja al mensajero el número de la casa de Murray, en caso de que quisieran ponerse en contacto: 618-625-8313.

Alguien se puso en la tarea de llamar a ese número a ver qué pasaba y ¡vaya sorpresa! ¡El número funciona! Y, más sorprendente aún, al llamar, los espectadores se encuentran con un mensaje en la contestadora, grabado por el mismísimo Murray, como indica el portal Screen Rant. Aunque era obvio pensar que el número telefónico solo funcionaría en Estados Unidos, lo intentamos a ver si había algo, pero no, en Colombia está fuera de servicio.

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“Hola. Has llamado a la residencia de Murray Bauman. Mamá, si eres tú, por favor cuelga y llámame entre las 5:00 y las 6:00 p.m., como habíamos acordado antes, ¿ok?. Y, si eres Joyce… Joyce, muchas gracias por llamar, he estado intentando localizarte. Tengo una actualización. Se trata de… bueno, probablemente sea mejor si hablamos en persona. No es bueno ni malo, pero es algo”, dice Murray en la grabación que se encuentran los que llaman al número telefónico, de acuerdo con Spoiler Time.

Pero hay otra parte del mensaje, que parece romper la cuarta pared con un Mjolnir para hablarle directamente a los fanáticos que llaman, aunque de una forma un poco grosera, lo que también se puede interpretar como que Murray se dirige al gobierno estadounidense, a los rusos, a alguien con quien tiene una deuda, a alguien que odia o a todas las anteriores, incluyendo los fans:

“Si no eres ni Joyce ni mi madre, seguro que te sientes muy listo por haber conseguido mi número, ¿verdad? Pues tengo noticias para ti: no eres listo ni eres especial. No eres más que uno de los muchos cretinos petulantes que llaman a este número, y este mensaje es todo lo cerca que vas a estar de encontrarme, así que, cuando oigas el bip, hazme un favor, cuelga y no vuelvas a llamar. Eres un parásito. Gracias y que tengas un buen día”.

Los fanáticos interpretan esa “actualización” de la que habla Murray en su mensaje como la noticia para Joyce de que, precisamente, Hopper está vivo, pero en poder de los rusos. Tendremos que esperar a que llegue la cuarta temporada para saber cuál es la verdad o, bien, seguir llamando a ver si Murray nos da más pistas.

Imágenes: Netflix.

Gracias a la miniserie, el accidente se volvió tema de conversación una vez más, incluso entre los que nacieron mucho después de 1986 y apenas habían oído mencionar algo sobre Chernóbil en el colegio, en la universidad, en alguna conversación o en películas como ‘Duro de matar: un buen día para morir’.

Es tan poco el conocimiento real que hay sobre el accidente nuclear ocurrido el 26 de abril de 1986, que muchos pudieron pensar que ‘Chernobyl’ es pura ficción y poco de realidad. Eso es algo en lo que creen en Rusia, en donde están tan molestos con la miniserie que el Partido Comunista le pidió al gobierno de ese país que la prohibiera.

Además, solicitaron que se demande a Craig Mazin, creador de ‘Chernobyl’ y escritor de cada capítulo, y a Johan Renck, director de cada episodio, por usar la tragedia como una herramienta ideológica que, según ellos, citados por Hollywood Reporter, sataniza y desprestigia al pueblo y a los dirigentes soviéticos. Por eso, además, planearían hacer una película en la que culparían a la CIA por todo, basados en una teoría conspirativa muy elaborada, que explicó Alexei Muradov, director del filme, a The Moscow Times.

Las imágenes reales en ‘Chernobyl’

Todas las reacciones que causó en el gobierno ruso hablan muy bien de la alta calidad de ‘Chernobyl’, pero, por si no había suficientes pruebas, el usuario de YouTube Thomas Flight, que hace ensayos en videos de diferentes temas, se dio a la tarea de comparar las escenas de la miniserie con unas de un documental de 1986.

El resultado demuestra la impresionante fidelidad con la que copiaron las imágenes del documental en la miniserie, prestando atención a cada detalle, para fortalecer con una gran dosis de realidad las licencias narrativas que se tomaron para contar la historia del accidente nuclear.

Por ejemplo, se puede ver cómo emularon fielmente imágenes de mineros y voluntarios trabajando para quitar bloques o drenar agua, incluso en el documental se ve al auténtico Valeri Legásov, que en la miniserie es interpretado por Jared Harris, llegando en una automóvil a la zona del desastre nuclear, tal y como lo muestra ‘Chernobyl.

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En la descripción del video en YouTube, Flight tuvo que hacer una corrección en la que aclara que la visualización de la llamada que aparece en el segundo 0:27 no es una imagen real de Chernóbil, sino un video creado en 2013 por el ucraniano Andriy Pryymachenko, que incluso le escribió por Twitter a Craig Mazin para hablar sobre el hecho de que usaron esa grabación en la miniserie sin pedirle permiso. Según Fanpage.it, hay un error ortográfico cometido por Pryymachenko, que se replica en la serie y que sería la prueba del supuesto plagio.

Dear @clmazin thank you for a great show! I noticed that you used the video I created in Episode 1: https://t.co/z3lQ9kGrse
Nobody contacted me for permissions so I think it would be great if we talk 🙂
andriy.pryymachenko (at) https://t.co/LoArtMiJi7 https://t.co/XNgN9XKIbI pic.twitter.com/5mWUJk7YB1

— Andriy Pryymachenko (@Prim_ua) June 9, 2019

De hecho, Flight explica en su cuenta de Twitter que Pryymachenko estaría demandando a HBO por plagio e, incluso, hizo que YouTube bajara su video comparativo, acusándolo de infringir las leyes de derechos de autor. Todo esto, sin embargo, no le quita peso al buen trabajo detrás de la miniserie, que se demuestra con el video de Flight y que corrobora que su éxito es merecido.

https://twitter.com/thomasflight/status/1139901683792846849

Imágenes: HBO.

Una vez me consumí los 18 cortos (no los vi, los consumí, me los devoré), de entre 6 y 17 minutos, comencé a cruzar los dedos para que la serie antológica tuviera una segunda temporada, porque quedé con ganas de seguir viendo más y más animaciones de amor, muerte y tecnología. Y el día llegó: este lunes 10 de junio las cuentas de ‘Love, Death & Robots’, en Twitter e Instagram lo confirmaron.

https://twitter.com/LoveDeathRobotr/status/1138117486145167361

Lee más sobre ‘Love, Death & Robots’ en este enlace.

En su publicación de Twitter se puede ver un simple “two”, acompañado de los emoticones de corazón, calavera de muerte y robot, además del hashtag #LoveDeathandRobots. En Instagram, se limitaron a poner dos veces cada uno de los emoticones anteriormente mencionados.

Ambas publicaciones vienen acompañadas de un video collage, que muestra algunas escenas de los primeros 18 episodios, con los que forman el diálogo que termina con muchos personajes repitiendo la palabra dos, para que luego aparezca un volumen dos, con el número escrito en graffiti amarillo.

https://www.instagram.com/p/ByiNRzygqYy/?utm_source=ig_web_copy_link

‘Love, Death & Robots’ tendrá un toque femenino

La serie, creada por David Fincher (‘El curioso caso de Benjamin Button’) y Tim Miller (‘Deadpool’), esta vez estará a cargo de Jennifer Yuh Nelson, que será la directora supervisora de la segunda temporada y que dirigió ‘Kung Fu Panda 2’. Esta noticia llega gracias a la cuenta de Twitter, asociada a Netflix, See What’s Next.

"Love, Death and Robots" will be back! Jennifer Yuh Nelson has joined as supervising director for Volume 2 and will oversee all episodes pic.twitter.com/8OVStMbpeP

— See What's Next (@seewhatsnext) June 10, 2019

Algunos medios se atreven a asegurar que la inclusión de Yuh Nelson en el proyecto se debe a las críticas sobre machismo que tuvo ‘Love, Death y Robots’ en su primera temporada. Aunque es algo difícil de confirmar, como también es difícil saber si Miller y Fincher trabajarán activamente en los nuevos episodios, cuya fecha de estreno no se dio a conocer por ahora, pero desde ya la estoy esperando para conocer las nuevas historias y estilos de animación que nos mostrará ‘Love, Death & Robots’, que ojalá sean tan buenos o mejores que los de la primera temporada.

Imágenes: Capturas de pantalla.