La serie es uno de esos miembros del pabellón dorado de la TV. Así que, en este primer jueves de noviembre, cuando les duelen los huesos por el frío y los treintañeros estamos mirando muebles en descuento, decidimos dedicar este #TBT a recordar el show con 4 datos clave de ‘Yo Amo a Paquita Gallego’.

¿Recuerdan el Canal A?

¿Quieren darse cuenta de qué tan vieja es ‘Yo Amo a Paquita Gallego’? La telenovela originalmente fue transmitida en el Canal A. Para aquellos con mala memoria, se trató de una de las primeras cadenas de televisión abierta colombiana, en los días en los que los canales privados todavía no habían llegado a la televisión nacional.

Producida por RTI Televisión, ‘Yo Amo a Paquita Gallego’ tuvo un total de 150 episodios, con capítulos diarios que fueron emitidos desde 1998 a 1999.

Paquita Gallego era bastante… bastante oscura

Es posible que la mayoría de ustedes ni siquiera recuerde bien de qué trataba ‘Yo Amo a Paquita Gallego’… pero les podemos asegurar que se trata de una historia mucho más oscura que lo que sugiere la canción de la novela.

La historia inicia con Javier Hidalgo (Luis Mesa) y Soledad Gallego (Marcela Carvajal), una pareja de enamorados que planean casarse. Esto es hasta que tres hombres violan a Soledad y la dejan embarazada. Javier cree que ella le fue infiel y Soledad se aísla en su casa, culpando a su hija, a la que llama Paquita, por haber perdido al amor de su vida.

Años después Javier se ha casado con otra mujer y tiene un hijo llamado Andrés. Él se enamora de Paquita y decide declarársele pintando por todo el pueblo en el que vive murales que leen “yo amo a Paquita Gallego”. El gesto cursi termina por mover a su padre a reencontrarse con Soledad y descubrir la verdad sobre su violación e incluso preparar el camino para regresar con ella… hasta que él muere en un accidente de avión. De pena pura Soledad se suicida y Paquita queda sin hogar.

Ah sí… y esto es tan solo el prólogo de la historia. Y dicen que la TV de hoy es oscura.

Más que una Novela… un show por temporadas

Lo curioso de Paquita Gallego es que su historia parece estar más cercana a una serie americana moderna que a una de las telenovelas a las que estamos acostumbrados. Por ejemplo, su historia no solo cuenta con un prólogo, sino que además está dividida en cinco partes que cuentan con sus propios ‘villanos’ que representan peligros para su protagonista.

No solo esto, sino que como mencionamos antes la historia tocaba ciertos temas ‘tabú’ de la época, siendo algunos de los más importantes el de la violencia sexual, el abandono infantil, el suicidio, etc. Aunque algunas partes de la novela quizás no han envejecido tan bien, sigue siendo una historia sorpresivamente moderna.

El tema de inicio

Quizás esta es una de las principales razones por las que los 30 nos están pegando en la memoria, pero todavía nos acordamos de ‘Yo Amo a Paquita Galllego’: su tema de inicio. La canción (que pueden recordar en este enlace). Al igual que muchos de los temas de la época el tema de inicio de la novela es interpretado por Andrés Juan, que interpreta al protagonista de la telenovela. La canción fue creada de manera exclusiva para la Telenovela

Imágenes: Archivo y captura de pantalla

Así que en este jueves de nostalgia decidimos recordar el show con algunos datos clave de Chaotic y, una sorpresa: un lugar secreto (y legal) donde puedes ver la serie en español. 

1: ¿Un isekai con cartas?

La premisa de Chaotic era algo diferente a la de otros juegos de cartas. Al igual que en Yu-Gi-Oh se centra en un juego llamado Chaotic, pero en este caso resulta que el mundo en el que están inspiradas sus criaturas es real y el protagonista ‘viaja’ a él. En esta dimensión puede competir con otras personas que han sido ‘seleccionadas’ gracias a su habilidad con el juego, al mismo tiempo que interactua con los personajes legendarios de este mundo.

¡Ah! Y un último elemento que hacía del show diferente es que para poder utilizar una carta debías escanear al personaje/monstruo en cuestión. Esto hacía que ciertas cartas fueran raras precisamente porque el personaje era más difícil de rastrear. ¡Y luego puedes transformarte en estas criaturas para luchar! Es una extraña mezcla entre Yu-Gi-Oh!, Pokémon Snap y Digimon Frontier.

2: El Chaotic de verdad

Al igual que muchas series de la época, la idea de Chaotic era el crear una historia a partir de un juguete real (Pokémon, Yu-Gi-Oh!, Transformers) en este caso el juego de cartas ‘Chaotic’ de origen danés… aunque modificando al mismo tiempo el TCG y el show para hacer ambos productos mucho más atractivos. 

La principal diferencia de Chaotic con otros juegos estaba en que cada una de sus cartas tenía una combinación de estadisticas diferentes. Al momento en el que se imprimian se creaban ‘sets’ de cartas y de manera aleatoría se cambiban las caracteristicas. Esto quería decir que dos personas podían tener la misma carta de ‘monstruo’, pero ambas cartas no tenían el mismo poder o velocidad. Un concepto bastante único en su momento.

De hecho, y para dar algo de crédito al show, la serie intentó representar las mecánicas del juego lo mejor y más cercano posible. Si omiten la parte en la que los personajes se transforman en monstruos, entrega el sistema de estadísticas que usan, las rarezas de cada carta y el hecho de que son ‘únicas’ junto con una explicación más o menos real del sistema de combate.

3: ¿Recuerdan Flash? Regreso en forma de caricatura

La primera temporada es particularmente memorable debido a que originalmente se animó utilizando flash. Esto le daba una apariencia única y algo ‘brusca’ a los personajes y mundo, pero al mismo tiempo separaba el show del resto de caricaturas.

La temporada 2 y 3, por otro lado, realizaron un cambio a la animación tradicional buscando un look más ‘anime’ que se alineara con los shows más populares de la época.

4: Un divorcio que llevó a la cancelación del show

De manera curiosa, la serie no fue cancelada porque fuera poco popular. Si bien nunca alcanzó el nivel de popularidad que otros de sus pares la serie animada cumplió con uno de sus propósitos: popularizar el juego lo suficiente para que más personas lo compraran.

La verdad es que en este momento la franquicia estaba pasando por un divorcio entre 4Kids, la empresa que tenía la licencia del show, y TC Digital, la empresa que tenía los derechos del juego de cartas. Esto se dio a través de una serie de demandas que buscaban obtener la ‘custodia’ de Chaotic… que terminó por apagar la llama lo suficiente para que terminara en el olvido.

5: Planes para revivir la serie… que no parecen llegar a ningún lado

Desde hace años se está hablando de revivir la serie de Chaotic y traer el juego de cartas de regreso… pero todos estos comentarios están más en el plano de promesas, no de anuncios oficiales. Se habla de un show que sirva como plataforma para continuar el juego de cartas, al mismo tiempo que seguirá la historia donde quedó su tercera temporada… pero no hay nada concreto. Ningún estudio o empresa de juegos que esté comprometida con el retorno de Chaotic.

Y lo cierto es que parece poco probable, al menos mirando cómo el campo de los CCG (los juegos de cartas digitales) se han tomado el mundo con títulos como Hearthstone o incluso TCG tradicionales como Magic the Gathering entrando en el segmento. Lo más único de Chaotic ahora es algo común y el juego no solo tiene que competir con los clásicos, sino con un mercado saturado.

6 – ¡Ver Chaotic en español gratis y en línea!

No… no los vamos a mandar a un enlace spam. Las dos primeras temporadas de ‘Chaotic’, que fueron las que se alcanzaron a doblar para Latinoamérica están disponibles por Internet a través de Pluto TV, un servicio de TV por demanda. Puedes verlas en este enlace.

Por supuesto, tienes cortes comerciales obligatorios y debes desactivar tu bloqueador de anuncios… pero al menos es una alternativa legal para ver el show, en caso que sientas algo de nostalgia.

Imágenes: TC Digital y capturas de pantalla

Así que para todos aquellos que extrañan el medio día con ‘Batracios’ y series familiares… que tenían más bien chistes para adultos les traemos 7 datos clave para recordar Tentaciones.

1: ¿De qué iba Tentaciones?

Para aquellos con mala memoria, aquí una sinopsis: Serafín (Juan Diego Hoyos) es un ángel que cuida a los Iriarte/Rodríguez es una familia de clase media/alta. Pero cuando un demonio aparece para tentar a la familia él realiza una apuesta: si el demonio consigue hacer que la pareja de esposos se divorcie, entonces él tendrá que irse al infierno. La historia entonces se desarrolla con Serafín impidiendo cada semana un nuevo plan y evitando, por los pelos, una caída al infierno.

2: Una diabla nueva cada temporada

Tentaciones en teoría solo tuvo una temporada, pero la serie estuvo dividida en tres partes con diferentes cambios en su elenco. El más importante es el de una nueva diabla que llegaba para intentar romper el matrimonio de los Iriarte/Rodríguez.

La primera ‘diabla’ fue interpretada por Isabella Santodomingo y se llamaba Luz Bella. Su reemplazo (que era un ángel caído) fue Nórida Rodríguez como Salomé. El último demonio que tentó a la familia fue Luz Buenona interpretada por Rosmery Bohórquez.

3: También una esposa diferente

Las diablas no fueron las únicas que cambiaron con frecuencia en el show. Camila Iriarte Holguín de Rodríguez (la esposa de Rafael y una pediatra de alta clase) fue interpretada por tres actrices diferentes: Tania Fálquez, Margarita Durán y María Paulina de Zubiría. 

4: y… el esposo también cambió

Para ser una serie de tan solo 145 episodios Tentaciones tuvo muchos cambios en su elenco. El show inicialmente estaba protagonizado por Karl Troller como Rafael, pero el actor luego pasó a ser reemplazado por Juan Carlos Arango (que es quién es más recordado por el rol). Por cierto, en el show el cambio hizo parte de un plan para ver si Camila se divorciaba de alguien menos… ‘agraciado’. 

5: Tentaciones tuvo un remake… al que le fue terrible

Mucho, mucho, mucho menos memorable es el remake de 2006 llamado ‘Divinas tentaciones’, protagonizado por Inés Oviedo y Mauricio Vélez que fracasó de manera espectacular. De hecho, al show le fue tan mal que es casi imposible cualquier rastro de su existencia en la Internet… este Serafin sí que cayó muy rápido.

¿Quizás una muestra de que quizás la nostalgia no puede funcionar con este tipo de historias?

6: El tema de inicio

Y por supuesto… estaba el tema de inicio que se grabó con el sabor del almuerzo en la cabeza de toda una generación. La versión que escuchamos es una interpretación de la canción ‘El Diablo En Mi’, del cantante italiano Zucchero. El tema que acompañó el show para Colombia fue interpretadó por Karl Troller (que, como mencionamos antes, fue el actor de Rafael al inicio de ‘Tentaciones’).

Imágenes: Montaje ENTER.CO y Caracol

A principios de los años 2000, cuando los celulares a penas estaban empezando a surgir, llegó al mercado los teléfonos “Blackberry”. El atractivo principal de estos celulares era su “Blackberry Messages” (BBM), un sistema de mensajería con el que podían chatear todos aquellos que contaran con uno de estos teléfonos móviles. Tan solo tenías que pedir su PIN, un corto número y listo, ya estaban conectados para enviarse mensajes. Este sistema de mensajería es similar a iMessages, la mensajería instantánea de Apple.

Fue en 1999 cuando Research in Motion (RIM) bajo el nombre de “Blackberry” lanzó al mercado el primer dispositivo denominado ‘Blackberry 850’. Sin embargo, este no era un celular como tal, era más un “buscapersonas” bidireccional que se asemejaba a los clásicos ‘beepers’. La diferencia es que permitía el acceso a correo electrónico y el calendario, por lo que era un dispositivo principalmente dirigido a empresarios.

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Con el paso de los años, Blackberry continuó renovándose con diferentes tipos de teclado, incluyendo sistemas que soportaban aplicaciones, pasando de la pantalla monocromática a una con color, etc. Aunque en un principio, los dispositivos estaban dirigidos a los empresarios, poco a poco diseñaron modelos que la gente de a pie quisiera comprar. Fue hasta el 2009 que la compañía lanzó el celular más recordado por todos: Blackberry Curve 8520.

Este teléfono contaba con un teclado Qwerty, el teclado más común que hasta ahora permanece en dispositivos como computadores, tablets y algunos celulares. En total, la Blackberry Curve 8520 contaba con 35 teclas que permitían una escritura más fluida. No obstante, la característica del teléfono móvil que más atrajo usuarios fue el cambio de la ‘trackball’ a la ‘trackpad’.

La ‘trackball’ era la “bolita” en la mitad del teclado de Blackberry que permitía desplazarte por entre las aplicaciones del teléfono, juegos, música, la cual podías pulsar para “hacer clic”. Posteriormente, la “bolita” fue sustituida por una tecla óptica cuadrada que permitía un desplazamiento más fluido.

Sin más demora: ¿recuerdan los Motorratones de Marte? Estos son 7 datos para hacerlo:

1: ¿De qué iban los Motorratones de Marte?

La serie inicia cuando nuestro grupo de protagonistas: Throttle, Modo Vinnie y Cooper aterrizan en la tierra después de que su nave sea derribada. Allí conocen a una joven mecánica llamada Charley. Los ratones le revelan que hacen parte de una raza en Marte, pero que debieron abandonar su hogar después de que los Plutorkianos, extraterrestres invasores, minaran su planeta para extraer recursos naturales. Charlie les revela que en la tierra está ocurriendo algo similar y los ratones deciden quedarse para combatir la invasión y evitar que la tierra sufra el mismo destino que Marte.

2: La moda de las Tortugas Ninja

Los Motorratones de Marte fue el producto de la moda que inició la serie animada de las Tortugas Ninja. De repente todos los canales estaban solicitando a sus estudios el crear nuevos shows que tuvieran como protagonistas a ‘mutantes híbridos adolescentes’. En el caso de Latinoamérica solo terminamos recibiendo algunos de estos shows, pero la lista de ‘clones’ de los Motorratones es mucho más extensa. 

3: Mensaje ecológico

Otro de los temas que muchas de las series de los 90 tomarían era un tono ecológico. Caricaturas como ‘Capitán Planeta’ habían demostrado que el concepto podía ser popular y, al mismo tiempo, era una manera de suavizar las quejas de los padres al añadir una lección moral a la historia. Los Motorratones de Marte luchaban contra una corporación galáctica que quería minar los recursos de la tierra sin importar el impacto ambiental de sus acciones… así que el mensaje era bastante directo.

4: Charlie Davidson

Por supuesto, siendo un clon de las Tortugas Ninja la serie tenía que contar con su propia versión de April O’Neal. Lo que muchos pueden no recordar es que su nombre completo era ‘Charlie Davidson’, en una broma poco sutil a la marca de motocicletas Harley Davidson.

Charlie también terminó siendo un personaje mucho más activo dentro del grupo que en otros shows de su época, al menos más en comparación con otras contrapartes de los 90 que funcionaban más como la ‘damisela al rescate’.

5: Asesinos de la semana

La serie, como muchas otras caricaturas de los 90, funcionaba con un formato del ‘monstruo de la semana’. En el caso de los Motorratones la justificación era que el villano contrataba cada semana un nuevo sicario del espacio para lidiar con los ratones o poder cumplir con su plan malvado. La realidad es que el formato servía, principalmente, para vender juguetes.

6: ¿Elon Musk? ¿Eres tú?

El villano de la serie también es bastante único, incluso bajo los estándares modernos. Lawrence Limburger es un Plutarkiano que llegó a la tierra y se ha disfrazado como un exitoso empresario para poder minar los recursos del planeta. Y lo curioso de este villano es que en vez de pintarlo como esta fuerza malvada que quiere destruir el planeta, los Motorratones de Marte lo presentan como un empleado más de una compañía cuyo único interés es poder mantener la posición de poder que tiene actualmente… quién diría que tendríamos este tipo de crítica social en una caricatura de los 90.

7: El regreso de los Motorratones de Marte

¿Sabían que en algún momento salió una secuela de los Motorratones de Marte? Es probable que no. En 2006 se estrenó ‘Los Motorratones de Marte’, como una secuela del show original de los 90. El nuevo show solo contó una temporada e intentó actualizar los diseños de los personajes para ser más cercano a las caricaturas de 2000. Por desgracia el nuevo estilo no pegó y la moda de los adolescentes híbridos había pasado, así que la serie fue cancelada y olvidada mucho más fácil.

Imágenes: Capturas de pantalla

Y el tono parece haberle gustado a la estrella del show, pues Smith ahora se alió con Morgan para realizar una nueva adaptación del ‘El Príncipe del Rap’ que tenga el mismo tono dramático del tráiler. La descripción de esta re-imaginación como un drama que indagará, de manera profunda, en algunos de los conflictos, emociones y contradicciones de lo que significa ser una persona afroamericana en los Estados Unidos en 2020. Dicho esto, sus creadores prometen que no todo será drama, pues también “entregará la arrogancia y los guiños divertidos del show original”.

Aquellos con buena memoria no deberían estar sorprendidos de que Smith quiera darle este giro a la serie. Con todas las risas que causó el ‘El Príncipe del Rap’, la comedia también es memorable por tener algunas de las mejores escenas de drama en la TV de los 90. Viene a la mente el discurso de un Will Smith destrozado cuando descubre que su padre, una vez más, lo ha abandonado y se pregunta por qué él no es suficiente. También recordamos las veces en las que Carltón fue cuestionado por intentar camuflarse con ‘los blancos’ o aquella vez que fueron llevados a prisión en una referencia clara al perfilamiento racial.

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Tampoco se trata de un proyecto de la noche a la mañana. Fuentes de The Hollywood Reporter aseguran que este remake ha estado siendo trabajado por cerca de cuatro años. Pero fue el clip viral de Morgan el que llamó la atención de Smith, que encontró en su visión el foco que quería darle a la resurrección de la comedia.

Por ahora, no hay claridad de cuándo o dónde llegará la nueva serie del ‘El Príncipe del Rap’. La información que tenemos es que diferentes plataformas están luchando por ella, entre las que se encuentran Netflix y HBO Max (que es el hogar de la serie en los Estados Unidos, pese a que Netflix tiene los derechos de distribución en Latinoamérica).

La serie original del ‘El Príncipe del Rap’ se emitió durante seis temporadas, con un total de 148 episodios, corriendo en su cadena original (NBC) desde el 13 de septiembre de 1990 al 23 de mayo de 1996.

Imágenes: NBC

El miércoles de esta semana la PlayStation 2, mejor conocida como la PS2, cumplió 20 años. El 4 de marzo del 2000, la consola salió a la venta en Japón, el 26 de octubre fue lanzada en Norteamérica y el 24 de noviembre en Europa.

La PS2 tiene, para la fecha, el récord como la consola más vendida en la historia, con más de 160 millones de consolas vendidas en el mundo (el segundo lugar lo ocupa la Nintendo DS y el tercero la Game Boy). Pero no es el único récord que tiene, pues también tiene el orgullo de ser la consola con más títulos, con cerca de 3780 juegos en su catálogo. Y la popularidad de la PS2 fue tal que durante un periodo en el que tuvieron problemas con las licencias de las Memory Cards (ya que, como podemos recordar antes de los servicios en la nube, Sony se negaba a permitir la manufacturación de estos cartuchos a otras compañías, de manera que no había opciones de terceros) hubo una falta de estas. Algo que no tiene y no tuvo precedentes en la historia de los videojuegos.

También tiene el récord de ser una de las consolas con mayor tiempo de vida. Hasta el 2013 se seguían produciendo videojuegos para la PS2 (la mayoría de ellos títulos de deportes), dándole soporte a la consola por más de una década. Y, solo hasta 2018, Sony dejó de dar soporte de reparación a la PS2.

Pero, además, fue la predecesora de otras cosas. Por ejemplo, la PS2 fue la primera en tener el servicio de juego en línea. Y, lo mejor, en su momento fue gratis. Por supuesto, para poder jugar era necesario conectar un adaptador que permitía la conexión a Internet (este puerto luego fue agregado a en la versión Slim de la PS2) y la funcionalidad solo era para ciertos juegos. Pero fue el éxito que significó lo que le abrió las puertas para que el servicio fuera establecido por completo en la PS3.

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También fue la primera consola en mantener el concepto de ‘entretenimiento todo en uno’. La PS2 podía reproducir DVD (incluso cuando el formato era relativamente nuevo cuando salió la consola). Y, aunque hoy esto se considera como algo obligatorio, en su momento era verdaderamente revolucionario el pensar que una de estas máquinas podía hacer algo más que servir para jugar videojuegos.

Por supuesto, esta popularidad también trajo una serie de anécdotas interesantes. Por ejemplo, no es secreto que la PS2 fue uno de los mejores productos de su época en términos de software y hardware. Lo que esto llevó fue a una noticia falsa que reclamaba que Sadam Hussein estaba acaparando PS2 en su país para transformarlas en súper computadoras que le permitieran espiar a los Estados Unidos. La historia era ridícula y, por supuesto, no había realmente pruebas para sostenerla. Pero eso no evitó que la historia se replicara. Como resultado, durante un tiempo, Japón puso restricciones a la importación de la PS2 y vigiló de cera sus ventas en el extranjero.

Lo cierto es que la PS2 fue el hogar de algunos de los mejores juegos en la historia: ‘Silent Hill’, ‘Grand Theft Auto III’, ‘God of War II’, ‘Dragon Quest 8’, ‘Shadow of the Colossus’, ‘Prince of Persia: The Sands of Time’, ‘Okami’… por solo mencionar algunos.

La pregunta entonces es ¿Cuál fue su juego favorito de la PS2? Los leemos en los comentarios.

Imágenes: Sony

Pero, entonces, el 24 de septiembre de 2007, llegó a las pantallas una serie que quería demostrar lo contrario: que ser nerd es el nuevo sexy, que un tipo inteligente, estudioso y amante de la ciencia y la cultura pop podía quedarse con la chica más bonita del lugar e, incluso, ser populares.

Sin dejar de burlarse del estigma de los nerds, que la cultura nos había inculcado hasta entonces, y, de hecho, jugando con ello, ‘The Big Bang Theory’ llevó a querer ser un nerd que ama ‘Star Wars’ o los superhéroes, que entiende (aunque sea un poco) de ciencia, que lee cómics y disfruta de planes que a otros les parecerían aburridos.

Lee más sobre ‘The Big Bang Theory’ en este enlace.

Y ese fue el éxito de ‘The Big Bang Theory’: hacernos ver de manera más profunda, aunque un poco caricaturizada (pero de buena manera), la vida de un grupo de nerds y hacernos entender que ellos tienen mucho de geniales, incluso si no pueden hablar con mujeres, tienen graves problemas sociales o tienen trastornos impulsivos compulsivos. De hecho, los escritores logran convertir esos problemas en parte esencial de la comedia.

Todos somos un poquito nerds

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We loved The #BigBangTheory finale so much @cbstv is airing it again! Don’t miss the encore Monday 8/7c! ❤️

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El truco de ‘The Big Bang Theory’ también estaba en hacernos entender que, en cierto sentido, casi todos tenemos algo de geek: nos gusta la ciencia, la cultura pop, los superhéroes, la ciencia ficción, los cómics o los videojuegos, entre otras cosas. Duramos mucho tiempo escondiendo esos gustos culposos, pero era hora de aceptarlo, de salir del clóset, y este grupo de amigos nos ayudó a hacerlo con orgullo.

¿Cómo no hacerlo? Vimos a Sheldon con unas manos de Hulk que todos quisimos, amamos el ajedrez tridimensional, cada referencia a la ciencia fue educativa y divertida (adoro especialmente el del gato de Schrödinger, siempre lo diré), si me hubiera podido llevar algo del set de grabación de la serie sería la espada de Jon Snow, sin duda, y así, podría estar una semana escribiendo notas sobre todas las cosas que tiene ‘The Big Bang Theory’ que quisiéramos en nuestras vidas, sin nombrar las que hay en la tienda de cómics y, al menos en mi caso, a Penny.

Pero no es solo eso, también los invitados que aparecieron en la serie nos llevaron a saber que también somos un poco geeks, un poco nerds. ¿Quién no disfrutó cuando Stephen Hawking apareció para corregir un trabajo de Sheldon o cuando el doctor Cooper le reclamó a Neil DeGrasse Tyson por haber sacado a Plutón del Sistema Solar o la boda de Sheldon y Amy, presidida por el mismísimo Luke Skywalker (Mark Hamill). Y así, hay montones de cameos que adoramos, uno, incluso, se volvió parte de la serie: Will Weathon.

Todo comenzó con un big bang

Y así supimos que formábamos parte de ese grupo de nerds, de ese grupo de amigos, de esa familia que fue creciendo, a la que visitábamos cada semana, por 12 años y que nos recibía con una canción que comenzaba con un “our whole universe was in a hot, dense state” (“todo nuestro universo estaba en un estado caliente y denso”.

Un tema musical, llamado ‘History of Everything’, escrito e interpretado por la banda canadiense Barenaked Ladies, que era el tema principal de la serie, con el que sabíamos que comenzábamos a ver las locas ocurrencias de Sheldon, la linda pareja de Leonard y Penny, las extrañas y divertidas manías del buen amigo Raj, Wolowitz y su amorosa familia con Bernadette, Amy y su amor inexplicable por Sheldon, el extraño Stuart, que acabó siendo, de cierta manera, parte del grupo.

Una familia que extrañaremos, ahora que se transmitió el último episodio el 23 de mayo de 2019 (en Latinoamérica es el 2 de junio, por Warner Channel), después de 273 episodios de diversión, risas, ciencia y muchas cosas geek y nerd que amamos. Todo comenzó con un big bang, como dice al final la canción, y termina con una gran risa (y algo de lágrimas). Gracias por todo, y buena suerte, queridos Sheldon, Leonard, Penny, Raj, Howard, Amy, Bernadette, Stuart y los demás miembros del elenco, que nos hicieron gozar con 12 años de buenas historias, que nos hicieron estar orgullosos de ser geeks, nerds y ñoños.

Imágenes: Warner Channel.

Por eso, ahora que estamos en modo nostalgia gracias a la película de ‘Detective Pikachu’, que se estrena este jueves en los cines del mundo, queremos rendir un homenaje corto a la serie animada. De manera más específica, a la primera temporada, la original, esa que introdujo los 150 y Ash Ketchum, el niño que parece incapaz de crecer o ganar algún torneo en su vida.

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“Tengo que ser, siempre el mejor…”

La temporada original de ‘Pokémon’ se extiende por un total de 86 capítulos, que inician con la selección de Ash de Pikachu y terminan después de su derrota en la Liga indigo. En Japón, el anime se comenzó a emitir en 1997. En Latinoamérica no demoró mucho en llegar, haciendo su debut en 1999 a través de Cartoon Network. Para Colombia, la licencia la obtuvo Caracol TV y se comenzó a emitir un poco más tarde, pero ese mismo año.

Al igual que muchos animes de la época, la canción que recordamos es una adaptación a nuestro idioma del opening en japonés. Oscar Roa fue el encargado de interpretar este primer tema y también es el responsable del ‘Poke-rap’.

Hablando del opening, hay un personaje que aparece en él, pero nunca en la serie. Se trata de la chica por la que Pikachu pasa debajo de las piernas. Esta es la versión en el anime de Daisy Oak, la hermana de Gary (el rival del protagonista).

Voces de maestros pokémon

La voz de Ash estuvo a cargo de Gabriel Ramos hasta la quinta temporada, quien también fue la voz de en el doblaje de Ippo Makunoichi (‘Hajime no Ippo’), Gerald Martin en ‘Hey Arnold’, Draco Malfoy en ‘Harry Potter: El Prisionero de Azkaban’ y ‘Harry Potter: y el caliz de fuego’.

Misty estuvo a cargo de Xóchitl Ugarte, que es toda una leyenda en el doblaje, siendo también la voz de Sabrina Spellman en ‘Sabrina: la bruja adolescente’, Brandy Harrington en ‘Las aventuras de Brandy y el Sr. Bigotes’ y Danerys Targaryen en el doblaje de ‘Game of Thrones’.

La voz de Brook en el doblaje pertenece a Gabriel Gama, conocido por ser el monje Miroku en ‘Inuyasha’, Yoh Asakura en ‘Shaman King’ y Maximilian Pegasus en ‘Yugioh!’.

En cuando al equipo Rocket, la voz de Jesse es de Diana Pérez (que fue la tía Hilda en ‘Sabrina’ la bruja adolescente), Jorge Antonio Macias es el responsable de la famosa frase de “Jamesmememes’ (y tal vez lo reconozcan como la voz de Deadpool y Capitan América en los doblajes), mientras que el Gato Meowth fue doblado por Gerardo Vásquez (y también fue la primera voz de Nick Fury en el MCU).

Por cierto, en todos los doblajes la voz de Pikachu se ha dejado intacta, siendo la responsabilidad de Ikue Ōtani.

Las claves de crecer con ‘Pokémon’

Hay un encanto particular en la primera temporada de ‘Pokémon’. Para aquellos que no habían jugado algunos de los títulos, resulta en una buena introducción del mundo de estas criaturas. Lo curioso es que el inicio del viaje de Ash cuenta con algunos de los momentos que terminaron definiendo ciertos chistes, o ciclos que parecen estar presentes en cada temporada.

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Por ejemplo, nuestro protagonista repitió durante mucho tiempo el ritual de conocer a la compañera femenina de turno destruyendo la bicicleta. También nos preparó para el dolor de cabeza de un entrenador que suele liberar siempre a sus compañeros de equipo (en serio ¿cuándo volverá Ash por su Pidgeot?), por no mencionar el momento en el que nos pegó un susto y casi abandona a Pikachu.

Y también está el hecho de que nunca ha ganado un torneo. Cada temporada nos emociona llegando un poco más lejos, pero siempre nos quedamos con las ganas de verlo llevarse un trofeo.

Imágenes: 4Kids Entertainment

Durante 10 temporadas, ‘Friends’ fue el rey indiscutible de la comedia americana. Por eso, su último episodio es tan importante como el primero. ‘The Last One’ (‘El último’, en español) fue el capítulo de dos partes que concluyó el tiempo de Rachel, Ross, Chandler, Monica, Phoebe y Joey en el apartamento que durante una década se convirtió en el hogar de muchas personas (y 15 años después sigue siendo visitado por millones de seguidores). El capítulo se emitió el 6 de mayo de 2004. Es decir que el próximo lunes cumple 15 años de su transmisión original.

Todo un hito, considerando que ese día más de 3.000 personas asistieron a los parques de Nueva York para despedir el show. Aunque el episodio fue visto por 52,5 millones de espectadores, no es el capítulo con más audiencia de ‘Friends’. Este récord lo tiene ‘The One After the Superbowl’ (El de después del ‘Superbowl’) con 52.9 millones de espectadores. De manera curiosa, ese capítulo también es uno de los que tiene más estrellas invitadas, con la participación de Brooke Shields, Chris Isaak, Julia Roberts, Jean-Claude Van Damme, Fred Willard y Dan Castellaneta.

El capítulo en el que todo comenzó

Una de las cosas que hacen de ‘Friends’ una comedia que resulta fabulosa de maratonear es que, desde el primer capítulo, la fórmula no ha fue modificada mucho. Sin duda resulta todo un viaje en el tiempo ver la moda de los 90, las referencias que hoy necesitan una búsqueda en Google o los sutiles cambios que sus personajes tienen a lo largo de la historia. Pero hay cosas que nunca cambian, como el tema de inicio titulado ‘I’ll be there for you’, por la banda ‘The Rembrandts’. De hecho, la popularidad del show llegó a un punto en que esta canción era la más pedida en la radio y sonaba casi todo el día.

Un último dato. Es posible que cuando hables de ‘Friends’ tengas que describir el episodio contando lo que pasó, en vez de usar el nombre oficial. Esto es porque al igual que otros Sitcom, ‘Friends’ no muestra el título durante su emisión. Como una broma interna, cada capítulo sigue esta idea con títulos como ‘El de la nueva novia de Ross’, ‘El de la lista’ o ‘El del sándwich de Ross’. El primer capítulo es el único con dos versiones oficiales: ‘En el que Monica consigue una nueva compañera de habitación’ y ‘En el que todo empezó’.

¿Cuánto ganaban los actores de ‘Friends’?

Como suele ocurrir con los éxitos, la fama que les llegó a las estrellas del show fue una agradable sorpresa. En especial para aquellos que llegaron a la serie buscando un primer gancho. Matt Leblanc, que interpretó a Joey, comenzó la serie con tan solo 11 dólares en su bolsillo. Según cuenta, lo primero que hizo cuando recibió el primer cheque fue comprarse una cena caliente.

Inicialmente, todas las estrellas de ‘Friends’ ganaban por episodio 22.500 dólares. Pero, en la segunda temporada solo Jennifer Aniston y David Schwimmer renegociaron sus contratos para un aumento a 40.000 dólares por episodio. A partir de la tercera temporada todo el grupo de amigos decidió negociar de manera grupal los contratos, de manera que ninguna de las estrellas recibiera una paga menor a los otros. Para la décima temporada los seis protagonistas ganaban un millón de dólares por capítulo.

La magia de ‘Friends’

Podríamos pasar una semana entera hablando de ‘Friends’ y es probable que no cubriéramos cada detalle curioso de esta serie.

Algo que, por ejemplo, la apartó de otras series en su época era la cantidad de estrellas que la serie lograba reclutar para sus historias. Algunos de estos cameos eran pequeños, otros ocupaban capítulos enteros. Lo cierto es que para las estrellas de películas era un honor estar en una serie de TV.

Uno de mis favoritos ocurre en ‘The One with the Ultimate Fighting Champion’, durante la tercera temporada. Se trata de uno corto, que ocurre al inicio del capítulo cuando Billy Crystal y Robin Williams ingresan a la cafetería.

Esta aparición no fue planeada dentro del libreto. Ambos actores, por coincidencia, estaban en el mismo edificio donde se grababa la serie. Los escritores, aprovecharon la oportunidad para preguntar a ambos si estaban interesados en hacer un cameo y ese mismo día se grabó su participación. Por supuesto, sin estar preparados, Crystal y Williams tuvieron que improvisar (algo en lo que ambos tenían experiencia) la conversación, incluyendo la respuesta a la interrupción de Joey (que no estaba en el guion).

Por 15 años de amigos, peleas por si Ross y Rachel estaban en un “break”, ejercicios de Unagi e intentos fallidos de conquistar usando la línea de “how u doing”, los invitamos a que salgan hoy, vayan a su café favorito y se sienten a tener una conversación como las que vimos muchos años atrás en ‘Central Perk’.

Imágenes: IMBD

Pero este domingo también se celebró otro aniversario, un poco anterior. El juego de cacería más famoso (y un poco frustrante) del mundo cumplió 35 años. Desarrollado por Nintendo para la Nintendo Entertaiment System (NES) fue uno de los primeros juegos que se lanzaron para la máquina de la compañía japonesa.

Refrescando la memoria de los cazadores

Para aquellos con menos memoria, ‘Duck Hunt’ es un juego de disparos en el que el objetivo es acertar a objetivos en la pantalla. El título clásico cuenta con tres modos. El primero y el segundo tienen como objetivos patos, siendo la diferencia el número de aves que aparece en la pantalla. El modo tres cambia los blancos por discos. En todos los modos de juego hay tres disparos por nivel y se debe acertar un número de blancos para pasar al siguiente. El máximo al que puede llegar un jugador es el nivel 0 o 100, en el que los patos se mueven a altas velocidades y es imposible matarlos.

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El título se jugaba usando una Nintendo Zapper y disparando a la pantalla, apuntando a los objetivos en ella. Si se acertaba, se sabía gracias al perro que aparecía y felicitaba al jugador. Cuando fallaba, el can salía de los matorrales para burlarse del jugador. Por supuesto, a mayor distancia más complicado era acertar, pero esto también dio lugar a la más famosa trampa que era apuntar y disparara con la pistola pegada a la pantalla de la TV.

¡Magnum o revólver!

‘Duck Hunt’ es recordado por varías cosas. Pero el elemento que lo hizo inmortal fue la pistola que servía como control para apuntar y jugar. Este accesorio se llama Nintendo Zapper y se trata de una pistola de luz.

Como dato curioso, la versión original de la Nintendo Zapper era muy similar a un revolver. Sin embargo, cuando la pistola fue llevada a Norteamerica su diseño fue modificado para que pareciera menos realista, siendo más cercana a una pistola de ciencia ficción. El diseño que muchos tuvieron seguramente era de varios tonos de gris, pero versiones que le siguieron lo cambiaron a un naranja.

El funcionamiento de la pistola es similar al de una cámara. Nos explicamos. Si prestan atención, al momento de disparar la pantalla se pone por completo negra. Luego regresan las imágenes y de nuevo se pone por completo blanca, con solo un fragmento negro en donde se detectó el disparo.

Ya sea que este título fuera tu primer acercamiento a los shooter, la causa de que tu mamá te gritara que te ibas a quedar ciego por andar pegado a la TV o tu main en Super Smash Bros, ‘Duck Hunt’ es nostalgia pura y de la buena.

Imágenes: Nintendo.

Tal vez muchos no lo saben o no lo recuerdan, pero el primer Estéreo Picnic fue muy diferente a los últimos que hemos vivido. De hecho, después de obtener más pérdidas que ganancias en el 2012, el festival estuvo a punto de no volverse a hacer. Ahora, que se cumplen 10 años del primer festival, muchas de las grandes bandas que hemos tenido en escena repiten, para recordarnos todo lo bueno que ha traído, así como nosotros te lo recordamos a continuación:

Algunos datos del primer festival Estéreo Picnic

El primer Estéreo Picnic se hizo en Zona F, un parque ubicado en la calle 213 con carrera 54, y asistieron 2.500 personas. El festival era de solo un día y los artistas que participaron fueron  Matisyahu, 2manydjs, Instituto Mexicano del Sonido, Bomba Estéreo, Palenke Soul Tribe, Superlitio, The Hall Effect y Alerta. En Internet todavía podemos encontrar algunos videos de las presentaciones:

Este fue el primer póster oficial del Estéreo Picnic.

El segundo Estéreo Picnic estalló con Calle 13

En el 2011 hubo un cartel principalmente colombiano, con artistas como ChocQuibTown, Providencia, Jiggy Drama, V For Volume, The Mills, Ciegossordomudos y Monsieur Perine, entre otros). Pero uno de los invitados más importantes del festival fue Calle 13, de Puerto Rico, que prendió al público con sus canciones ‘¡Atrevete-te-te!’, ‘Electromovimiento’ y ‘Fiesta de locos’, entre otras. También hubo otros grandes nombres internacionales de diferentes géneros, como The Presets, Lee Scratch Perry y Zoé. El cartel oficial del Estéreo Picnic lucía como se ve a continuación.

2012 casi, casi acaba con el festival

La tercera entrega del festival trajo un cartel más amplio, plagado de nombres muy conocidos, tanto nacionales como internacionales: MGMT, Caifanes, TV on the Radio, Cassius, Gentleman, Tinie Tempah, Yuksek, Los Amigos Invisibles, Tres Coronas, Denver, Toy Selectah, Systema Solar, Monsieur Periné, Superlitio, Crew Peligrosos, SoundaCity, La Maquina del Caribe, De Bruces a Mí, Planes, Globos de Aire, Copyright, Resina Lala y Armando Quest.

Pero, incluso con Caifanes, Systema Solar, Amigos invisibles y Superlitio en escena, el festival tuvo pérdidas y sus organizadores pensaron en no tener una cuarta edición. El cartel de este año tenía un estilo vintage.

2013, el Estéreo Picnic crece

En el 2013, además de contar con la presencia de muy grandes nombres como The Killers, Café Tacvba, Foals, Major Lazer, Steve Aoki y Two Door Cinema Club, el festival se realizó durante dos días y cambió de sede al parque deportivo de la calle 222. Gracias a The Killers, la asistencia también rompió récords, en comparación con las ediciones anteriores, con 25.000 personas. Por primera vez el festival dio ganancias. Este fue el cartel del 2013:

2014, tres días de Estéreo Picnic

En el 2014, el festival se extendió por tres días y tuvo una cartelera épica. Por si no lo recuerdan, este fue el cartel y las bandas que participaron este año, con nombres inmensos como Red Hot Chilli Peppers, Nine Inch Nails, Los Fabulosos Cadillacs, Pixies, Julian Casablancas, The Wailers, Cultura Profética, Portugal, The Man, Empire of the Sun y Jovanotti, entre otros.

2015, el festival Estéreo Picnic de talla internacional

Gracias al éxito del 2014, el Estéreo Picnic se convierte en un festival reconocido en la región, con artistas internacionales y una oferta única. Son particularmente memorables los conciertos de Kings of Leon, Jack White, Foster the People, Kasabian, Damian Marley, Major Lazer, Alt-J, The Kooks, Los Amigos Invisibles, Chet Faker, Crew Los Peligrosos y, claro, Calvin Harris.

2016, el primer gran artista de rap del FEP

En 2016 ya el Estéreo Picnic estaba consolidado y, por eso, se dio el lujo de traer al mismísimo Snopp Dogg, que no venía solo, estaba acompañado de muchas de las bandas del momento y de toda la vida, como Mumford & Sons, Die Antwoord (que estaban en su mejor momento), Noel Gallagher, Tame Impala, Seeed, Alabama Shakes, Jungle y Of Monsters and Men, entre otros.

2017, el Lollapalooza que nunca fue

Justo después del Estéreo Picnic 2016, se anunció un Lollapalooza para ese mismo año, con un cartel de lujo que incluía a Wiz Khalifa, The Chainsmokers, Cage the Elephants, Vance Joy y Lana del Rey. El artista principal era una sorpresa, que nunca se dio y finalmente cancelaron el evento, que igual nos dio un gran Estéreo Picnic 2017, porque muchos de esos artistas los heredaron (sin Lana del Rey) y le sumaron a Two Door Cinema Club (que repetía), The XX, Martin Garrix, The Weeknd y The Strokes, que dieron un gran momento musical.

2018, un grande repite

Al siguiente año sí vino Lana del Rey, pero, además, The Killers repitió, cinco años después, con un show increíble, con baterista invitado del público y todo. Sin embargo, pocos olvidaremos a Gorillaz, que venía por primera vez a Colombia. También tuvimos a los grandes de LCD Soundsystem, Zoe repitió, DJ Snake cerró una gran fiesta que también tuvo a Metronomy, Milky Chance, The Neigbourhood y The National, entre otros.

Imágenes: Estéreo Picnic

Y ¿cómo no? Era una época en la que el mejor plan del mundo era salir al parque con los amigos, improvisar arcos con dos piedras, dos prendas de vestir o lo que hubiera en el camino, sacar un balón y jugar hasta que la oscuridad de la noche nos impidiera ver el balón o hasta que la mamá del dueño del esférico lo entrara a la casa y nos dejara a todos viendo un chispero.

Ver a un Óliver Átom (Tsubasa Ozora) que amaba el fútbol tanto como nosotros, que se desvivía por ese deporte y nos decía que el balón era nuestro amigo, nos inspiraba a seguir jugando, a esforzarnos, a querer ser mejores en ese deporte. Por eso, quizá, muchos de mis amigos soñaron en algún momento de su vida ser futbolistas profesionales. Yo tomaba el balón, que había obligado a mi amá a comprarme, y me lo llevaba para que me acompañara a cualquier mandado a la tienda, emulando a Átom, que no soltaba la pelota nunca.

Los otros héroes de ‘Supercampeones’

Pero yo no apreciaba tanto a Óliver como a Tom Misaki (Taro Misaki), que me parecía noble y tranquilo, un gran amigo, con una calidad impresionante, pero silenciosa. También admiraba el espíritu de superación, el personaje cómico que era y el sentido de amistad de Bruce Harper (Rio Ishizaki). Pero, incluso más que a ellos, mi máximo ídolo de ‘Supercampeones’ era el invencible Benji Price (Genzo Wakabayashi). Por él comencé en el fútbol tapando, a pesar de mi baja estatura, aunque luego me volví defensa para seguir los pasos de otros ídolos de la vida real, como Paolo Maldini, a sabiendas de que mi habilidad no me daba para ser un 10.

Pero también recuerdo con cariño a muchos de los rivales de Óliver y Niupi. ¿Cómo no recordar a Steve Hyuga (Kojiro Hyuga) y su poderoso, aunque violento, estilo de juego? ¿Cómo olvidar al bueno de Andy Johnson (Jun Misugi), el Caballero de cristal, el único con una calidad de juego similar a la de Óliver, pero con un problema en el corazón que le impidió brillar como debía? ¿Quién no intentó emular las imposibles jugadas de los hermanos Korioto (Kazuo y Masao Tachibana)? ¿Cómo no admirar el impresionante estilo en el arco, que mezclaba artes marciales con fútbol, de Richard Tex Tex (Ken Wakashimazu), el único rival a la altura de Benji?

El ópening decía que ya comenzaban los mejores, aunque extensos, partidos de nuestra infancia

Sin embargo, una de las cosas que más recuerdo de ‘Supercampeones’, y en la que seguramente muchos me apoyarán, es, sin duda, el ópening. El primero, llamado ‘Moete Hero’, fue creado por Hiroyuki Okita, que en Latinoamérica fue nombrado como ‘Arde Héroe’ y lo interpretaba Ricardo Silva. Más que la letra, lo más memorable de esa canción era las primeras notas de guitarra, que empezaban con el pitido del árbitro y que nos hacían saber que empezaba la diversión.

Luego, cuando Óliver y nuestros héroes se volvieron adolescentes, el ópening cambió un poco. La canción era similar, al menos en Latinoamérica, cuyo intérprete seguía siendo Ricardo Silva, aunque en Japón el compositor cambió a Takayuki Takemoto. Las notas eran iguales a las del primer ópening, aunque con imágenes diferentes, que mostraban el uniforme de Niupi con rayas rojas, a diferencia de las azules de la primera versión, más infantil, del equipo.

¿Por qué este #TBT?

‘Captain Tsubasa’ fue un manga creado, escrito e ilustrado por Yoichi Takahashi en 1981, que en Japón se convirtió en animé en 1983, con un gran éxito internacional. El manga original duró hasta 1988 y el animé se emitió en el país asiático hasta 1986. Luego tuvo varias versiones más. Una de ellas salió para el Mundial de Corea y Japón en 2002. El manga de esa versión se comenzó a publicar en 2001, con 15 volúmenes que duraron hasta 2004, llamada ‘Captain Tsubasa – Road to 2002’, que se convirtió en un animé que fue emitido entre 2001 y 2002 con el mismo nombre, de 52 capítulos y cuyo ópening, ‘Dragon Screamer’, fue interpretado para Latinoamérica también por Ricardo Silva.

Lee otros #TBT en este enlace.

Esa versión contaba las aventuras de Óliver después del Mundial Juvenil, en el que representó a Japón junto a sus amigos y rivales, para luego ser fichado por el Barcelona (llamado Catalunya), proveniente del Brancos (Sao Paulo) de Brasil. También contaba las aventuras de Benji en Alemania, de Tom en Francia y de Steve Hyuga en la Juventus de Turín, en Italia, (equipo al que llamaban Piamonte).

La serie finaliza con el primer partido del Mundial de mayores, entre la Japón liderada por Óliver y compuesta por todos los jugadores que conocimos en la infancia y un talentoso nuevo personaje llamado Aoi Shingo, (que fue presentado por primera vez en esta versión,) que se enfrentaba a una Brasil plagada de estrellas como Rivaul (evidente homenaje al gran Rivaldo) y al que llamaban El hijo del dios del fútbol’, Carlos Santana.

Esta versión de ‘Supercampeones’ estará en Netflix a partir de este martes 28 de marzo, para que todos recordemos nuestra infancia. Aunque seguramente apreciaríamos que en el servicio de streaming, más que esta versión, estuviera la original que vimos en los 90 y que tantos lindos recuerdo nos trae. Sin embargo, es bonito recordar nuestra infancia, aunque sea con esta versión un poco más moderna. Ahora solo resta decir: “¡Niupi, Niupi ganará! ¡Urra, urra, ra, ra, rá!”.

Imágenes: Imdb.

Otra anécdota que uno se encuentra sobre la pasión del nobel ha sido titulada por varios portales como “el día en que Gabo rescató ‘La estrategia del caracol’”. Sergio Cabrera, director de la película, confesó que García Márquez estuvo enamorado de la idea de un grupo de personas que se trasteaban su casa entera. Tres años después de grabada, cuando el metraje se estaba llenando de polvo en una bodega porque a Cabrera se le había acabado el dinero, Gabo vio el material y ese mismo día le ofreció toda la ayuda para que llegara a las salas de cine.

Gabo y el cine son dos ideas inseparables. Como los Buendía y Macondo, los coroneles y sus gallos o el cólera y los primeros amores. Ayer (martes 6 de marzo), el nobel habría cumplido años; esto y el anuncio de Netflix de llevar ‘Cien años de soledad a la pantalla’ nos dan una buena excusa para seguir hablando de su historia en el cine y la televisión.

La historia de las adaptaciones de Gabo

Adaptar una novela ya de por sí es un reto. Pero cuando uno le suma el realismo mágico de García Márquez, es difícil imaginar cómo traspasar el lenguaje del nobel al lente de una cámara. Esto no quiere decir que directores y productores no lo intentaran.

Unos de los primeros intentos se hicieron en 1987, cuando el director Francesco Rosi adaptó ‘Crónica de una muerte anunciada’, que estuvo protagonizada por Rupert Everett, Ornella Muti, Gian Maria Volonté, Irene Papas, Lucía Bosé y Anthony Delon.

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En 1999 el director Arturo Ripstein filmó su versión de ‘El Coronel no tiene quién le escriba’, protagonizada por Fernando Luján, Marisa Paredes, Salma Hayek y Rafael Inclán. Una cinta más reciente es la versión de ‘El Amor y otros demonios’ dirigida por la costarricense Hilda Hidalgo, que se estrenó en 2010.

Quizás la que más fresca está en la memoria de muchos fue la interpretación de del director británico Mike Newell de ‘El amor en los tiempos del cólera’, que se pensó como una adaptación para Hollywood en vez de una cinta más regional. Entre algunas de las cosas por las que la cinta es recordada es por contar con el talento de Javier Bardem, Giovanna Mezzogiorno, John Leguizamo, Catalina Sandino (recordada por su nominación al Óscar gracias a ‘María llena eres de gracia’) y Benjamin Bratt.

Gabo también gustaba de adaptar a otros

El nobel no solo disfrutaba ver las películas, sino que también escribía guiones. Como usualmente uno jamás es profeta en su propia tierra, Gabo fue un escritor prolífico para proyectos audiovisuales en México. Allí se encargó de participar (aunque bajo un seudónimo) en ‘El gallo de oro’ (1964), de Roberto Gavaldón y ‘Tiempo de morir’ (1966), de Arturo Ripstein.

También metió la mano en los libretos de ‘En este pueblo no hay ladrones’ (1965), ‘Patsy, mi amor’ (1968), ‘Presagio’ (1974), ‘María de mi corazón’ (1979) y ‘El año de la peste’ (1979).

A modo personal, una de esas cintas sorpresa que vine a descubrir que tenían la firma de Gabo años después fue ‘Milagro en Roma’, una cinta de 1988. La película cuenta con el talento colombiano de Frank Ramírez, que interpreta al padre de una niña que fallece, pero cuyo cuerpo, años después, sigue por completo intacto. Así que este oficinista viaja hasta Roma para pedirle al Papa que la santifique. Aquellos que son lectores asiduos de Garcia Marquez reconocerán esta misma historia como ‘La santa’, uno de los relatos en ’12 Cuentos Peregrinos’.

Así es, Gabo se adaptó seis años antes de que su compilación se publicara.

Imágenes: 20th Century Fox.

Lo traigo para este TBT porque esta semana se estrenó la nueva temporada de La Tele Letal por el canal Red+ de Claro. Este show (que merece su propio artículo) fue la inspiración para ‘El Siguiente Programa’, la serie animada que tiene como protagonistas a una versión caricaturesca de Martín de Francisco y Santiago Moure.

‘El Siguiente Programa’ se estrenó el 29 de octubre de 1997 a través de Canal A (¿siquiera recordaban ustedes al pobre Canal A?) y luego se transmitió a través de Canal 1 hasta el 2000. La serie contó con un total de cuatro temporadas y 113 capítulos. De estos episodios, 21 no tienen una historia, sino que están dedicados a una crítica a programas y shows en la TV.

Chibchombia: cualquier parecido con la realidad, es obvia coincidencia

La historia del ‘El Siguiente Programa’ está ubicada en el país ‘ficticio’ de Chibchombia. Moure y de Francisco dan voces a sus versiones en esta grotesca (pero deprimentemente cercana) versión de nuestro país como dos locutores de la estación de radio PQEK (esos chistes que uno no agarraba de pequeño).

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La serie animada tenía como blanco de burlas a Colombia en general. A menudo se encargaban de ridiculizar a la farándula del país. Al igual que series como ‘South Park’, creaba versiones de personajes reales como La Negra Panela, Billy Tontoni (y su correspondiente gallinazo), George Barón, Jartos Antonio Vélez, Yamid Odiat, Amparo Grisuelas, Julio Soacha Crísto, El Tino Shprilla (que siempre se anunciaba disparando al aire), Claudia Guriguri… la lista es extensa.

Por supuesto, los presidentes no eran la excepción. Uno de los personajes recurrentes era el Presidente Andrés Patraña. El mandatario era representado como un niño en la Casa de Nariño, usualmente embobado mientras jugaba y proponía que los Power Rangers se enfrentara a la guerrilla.

Un análisis de por qué nos comió el marrano

‘El Siguiente Programa’ es memorable no solo por sus parodias, sino por el humor negro con el que tocaba algunos de los problemas endémicos de nuestro país. Con el pesimismo y cinismo de sus protagonistas, se ofrecía a menudo una comprensión lógica de la razón por la que, en palabras de Moure y de Francisco (de caricatura) “el mayor acto de patriotismo de sus habitantes es marchar hacia el mar y morir ahogados, dando paso a una mejor gente para que pueble estas tierras”.

No había tema sagrado para ‘El Siguiente Programa’ y cómo entregaba estas ideas era igual de entretenido. En un capítulo el país crea una agencia de turismo para que los extranjeros sientan la experiencia de un país del cuarto mundo (robo e indigestión incluidas). En otro exploran la larga historia de fallas y decepciones de Chibchombia en el fútbol. Hay uno favorito en el que incluso viajan a una dimensión alterna en la que los ingleses rompen el asedio a Cartagena y nos convertimos en una colonia del Reino Unido.

¿Por qué se acabó ‘El Siguiente Programa’? Por Iguazos

Quizás los protagonistas de ‘El Siguiente Programa’ responderían a esta pregunta con su particular sentido del humor de la siguiente manera: “Al igual que toda buena intención en un país mal hecho cuya única tradición son los errores, cualquier empeño por educar está destinado al fracaso’.

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Originalmente la serie animada tuvo mucho éxito. Sin embargo, en 1998 entraron en el juego de la TV Nacional los canales privados y esta competencia puso en crisis las productoras vinculadas a el Canal A. En 2000, Cenpro TV tuvo que ceder los espacios en concesión, entre los que se encontraba ‘El Siguiente Programa’ (no sorprende que la serie represente al presidente de presidente de Garracol casi como un animal rabioso).

La serie intentó regresar varias veces a la TV. Primero por NTC Televisión a las 11 de la noche y luego nuevamente por Canal A. Pero en ninguno los dos casos logró el impulso necesario para mantenerse. La principal razón estaba en su formato. Al ser una serie animada, resultaba mucho más costoso y demorado el producirla, al menos en comparación con otros productos de la época.

¡Sobre la ‘Tele Letal’!

Como mencionamos antes, desde el lunes de esta semana se estrenó la nueva temporada de la ‘Tele Letal’, si quieren, el papá malgeniado de ‘El Siguiente Programa’. La serie se está emitiendo por el canal Red+ de Claro en su horario habitual, de 9:00 p.m. a 10:00 p.m. y con repetición los domingos a las 10:00 de la noche.

Si necesitan alguna pista sobre el tono de esta serie, les dejamos esta inspiradora cita de Martín de Francisco que comentó sobre su regreso: “Esperamos que esta nueva temporada sea más triste, más deprimente y más ignominiosa. Recargaremos más trabajo en Doña Anciana, para que tenga más participación, más informes y se encargue más.

Imágenes: YouTube y captura de pantalla

Para aquellos muy pequeños, ‘Hombres de Honor’ fue una serie producida en colaboración con el Ejército Nacional de Colombia. La serie se emitió originalmente en Canal Uno desde 1995 al año 2000, con retransmisiones frecuentes hasta 2017. Su primer capítulo se llamó ‘Un nuevo amanecer’ y el último ‘Entre la vida y la muerte’.  Es, además, una de las series que se trabajaron en temporadas, con cuatro tandas de capítulos y un total de 156 episodios.

Soldados actores

Debido a que la serie fue creada en colaboración con el Ejército, Canal Uno y Fox Telecolombia y Teleset contaron con el apoyo de las Fuerzas Armadas. Una de las cosas que hicieron fue asignar a una unidad para que ayudara, no solo como fuente de información y extras, sino incluso para interpretar personajes principales dentro de la historia. Uno de los recordados es el suboficial Henry Dulce, que se convirtió en uno de los principales rostros dentro de la historia.

En una entrevista para el portal Semana, Dulce comenta que inicialmente no le agradó mucho la orden de sus superiores. “Nos seleccionaron de diferentes unidades, para ese entonces era instructor de la Escuela de Lanceros en Tolemaida, acababa de llegar de un curso en los Estados Unidos y realmente no concebía cómo un comando pasara a la televisión de un momento a otro y siendo un instructor. Al principio para ser sincero, no me gustó mucho la idea, porque tenía otro rol dentro del Ejército”, afirmó.

De hecho, en retrospectiva resulta muy interesante (y por momentos divertido) regresar a esos episodios y redescubrir la cantidad de soldados que tenían papeles menores y obviamente estaban haciendo su mejor esfuerzo por actuar.

Actores colombianos y hombres de honor

La lista de actores que pasaron por ‘Hombres de Honor’ está llena de nombres de veteranos y estrellas en ascenso. Andrés Felipe Martínez interpretó al capitán Bermúdez y luego fue remplazado por Juan Carlos Gutiérrez (el Capitán Rivera), que luego pasó el liderazgo a Andy Martínez (el capitán Toro).

Esto por solo mencionar a algunos otros actores de su elenco: Andrea Vázquez, Juan Carlos Trujillo, Mauricio Guerrero, Carolina Patiño, Javier Sáenz, Héctor Cruz, Daniel Ochoa, Oscar Borda, Jorge López, Horacio Tavera, Hernán Alzate…

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Valentía muerte y propaganda

Si puedo recomendarles, sugiero que se peguen un regreso a ‘Hombres de Honor’ 19 años después. Aunque recordaba que ver la serie era uno de esos rituales de familia todos los sábados, a diferencia de otros productos de la época eran pocos los detalles que tenía de su tono e historia.

Es uno de esos viajes en el tiempo que resultan interesantes y divertidos. En retrospectiva, era claro cuál era el propósito de la serie: vender una imagen positiva sobre el Ejército Nacional. El grupo de soldados en cada capítulo se enfrentaba a alguna amenaza, actuaba con valor y decisión y ayudaba a la población en peligro. También me llamó la atención la cantidad de muertes en la historia (la mayoría en algún sacrificio o atentado por parte del enemigo).

Otra cosa interesante de la serie es la influencia que la TV americana tuvo en ella. ‘Hombres de Honor’ tenía sagas, capítulos divididos por partes, finales abiertos que dejaban con ganas de ver más. Había drama e incluso la acción conseguía crear tensión, considerando los recursos de la época y de un proyecto de ese tipo.

Después de mi maratón me quede con la duda: ¿cómo sería un ‘Hombres de Honor’ hoy? Quizás esta es una de esas series que solo pudo ser un producto de su época.

Imágenes: capturas de pantalla.

Para ser honestos, ‘Caballeros del Zodiaco’ ya tiene un TBT en nuestro sitio (que data de cuatro años atrás, y se merece su propio viaje a la nostalgia). Pero, considerando la enorme historia detrás de la franquicia, creo que se merece una segunda visita para repasar algunos datos interesantes de esta serie. Después de todo, ‘Caballeros del Zodiaco’ es uno de los animes con tantos detalles que incluso amerita un TBT dedicado a cada una de las sagas, spinoffs y versiones alternas.

El opening que no tenía ningún sentido

Al igual que casi todo anime de la época, ‘Caballeros del Zodiaco’ es memorable gracias a su tema de inicio. En la memoria de muchos está grabado ‘Pegasus Fantasy’ (cuya versión latinoamericana fue interpretada por Mauren Mendo).

Sin embargo, el tema de ‘Caballeros del Zodiaco’ que primero viene a mi cabeza es uno mejor conocido como ‘Los Guardianes del Universo’, que se ha convertido en un himno para la comunidad.

La razón por la que creo que esta intro se quedó en mi cabeza está en las imágenes. Este opening usa escenas de la película ‘Los Caballeros del Zodíaco contraatacan’. Como resultado contiene imágenes de Seiya con la armadura de la saga de Poseidón, por no mencionar momentos como los caballeros de bronce usando las armaduras de oro. Por supuesto, mi versión de niño esperó con ansias estos momentos, ignorando que jamás llegarían.

Y ya que estamos en el tema, aunque sé que a pocos les importa, mi opening favorito vendría a ser la versión latina para la saga de Hades, capítulo del Santuario.

¿Por qué la saga de Hades es tan diferente?

La saga de Hades es controversial entre la base de fans de ‘Caballeros del Zodiaco’. El cambio de animación y la adaptación de ciertos elementos del manga molestaron a algunos. Pero, entre todas las sagas, también es la que más cercana está al material original.

Debido a que su lanzamiento en este lado del hemisferio fue a través de canales por cable (o clips ilegales en YouTube) no llegaron los detalles de su salida. La saga de Hades fue originalmente lanzada en forma de Ovas a través de tandas de capítulos. De ahí que esté dividida entre Santuario, Inframundo y Campos Elíseos.

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Esto también explica la razón por la que el capítulo del santuario cuente con una muy buena animación, mientras que las ovas del Inframundo tienen momentos que son, francamente, difíciles de tolerar.

El mito de la saga de Zeus

Cualquier persona familiarizada con la mitología griega conoce a los tres hermanos del Olimpo: Poseidón, Hades y Zeus. Considerando que dos de estas deidades son enemigos en ‘Caballeros del Zodiaco’, lo correcto es pensar que el padre de los dioses en algún momento aparecería para enfrentarse a los santos (como se les llama a los caballeros).

Esta idea no es muy lejana de la realidad. Inicialmente Masami Kurumada (creador del manga de ‘Caballeros del Zodiaco’) tenía planeada su aparición después de la saga de Hades. Pero, debido a la poca popularidad de la saga, el autor se vio obligado a aplazar esta aparición. Vio su oportunidad de llevar a cabo esta saga con la aprobación de la película ‘Saint Seiya: Heaven Chapter – Overture’. Originalmente, en la cinta Zeus debía realizar su primera aparición, anticipando la historia de los dos siguientes filmes.

Por desgracia, Kuramada no tenía planeado que Toei cambiaría radicalmente el filme. Todo con la intención de que poder dar un ‘reinicio’ a la historia. De  esa manera no se necesitara del autor si la compañía quería continuar con la franquicia. A esto se sumó el fracaso de la cinta en la taquilla. Como resultado, la saga de Zeus que se tenía planeada nunca llegó a ser realidad. Kuramada se rehusó a llevar su trilogía a la realidad y, como resultado, jamás llegamos a ver a Seiya enfrentándose a Zeus.

Imágenes: Toe Animation

De hecho, muchos conocieron al personaje gracias a la popularidad del servicio por cable y su participación en la versión de Nickelodeon para Latinoamérica. En Colombia la caricatura también se ha emitido en Caracol, RCN y City TV.

El primer capítulo de ‘Bob Esponja’ se emitió el 1º de mayo de 1999, titulado ‘Se busca ayuda’ (‘Help Wanted’, en inglés). El episodio estaba centrado en el primer día de trabajo de Bob Esponja, después de que toma el valor suficiente para solicitar un empleo como cocinero del Crustáceo Cascarudo. Este dato es gracioso, pues en otro capítulo se revela que ha ganado el título 374 veces. Si los meses en Fondo de Bikini funcionan igual que en la superficie, el protagonista ha trabajado cerca de 31 años. Como pasa el tiempo cuando ves una caricatura para niños.

La voz detrás de la risa más molesta del mundo

Uno de los elementos más distintivos de Bob Esponja está en su risa. Este elemento fue traducido directamente de la versión original en la que Tom Kenny (el actor de voz) se golpeaba la garganta al reír para crear la carcajada.

Para Latinoamérica se tomó prestado este concepto. En la primera temporada su voz fue interpretada por Kaihiamal Martínez (‘Batman del Futuro’ y ‘Hellsing’). A partir de la segunda temporada y hasta la fecha actual la persona detrás de la esponja es Luis Carreño. Otros actores de voz reconocidos que hacen parte del elenco son Luis Pérez Pons (Don Cangrejo), Renzo Jiménez (Calamardo), Paul Gillman (Patricio).

Pegajosa e irritante

Hay una razón por la que iniciamos este artículo con el tema principal de ‘Bob Esponja’. La canción es uno de los elementos más emblemáticos y pegajosos de la serie animada. Esto no es accidental. Mark Harrisoy, Blaise Smith y Stephen Hillenburg (compositores y escritor de la canción, respectivamente) tenían en mente que el tema de la serie fuera lo más molesto posible.

¿Bob Esponja es gay?

Es probable que a algunos de los que están leyendo este artículo les prohibieran en algún momento el ver ‘Bob Esponja’. La razón seguramente estaba en un rumor que circuló que aseguraba que la caricatura era propaganda gay y que la relación entre Patricio y Bob Esponja era de mucho más que amigos. Sin embargo, Hillenburg, creador de la serie, negó en diferentes ocasiones estas afirmaciones. De hecho, la esponja tiene ambos sexos.

La razón estuvo en una queja que una agrupación cristiana en los Estados Unidos llamada Focus on the Family presentó. La razón era una propaganda sobre la tolerancia en la que el personaje tenía actitudes que, según la carta, eran “prohomosexuales”.

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Por supuesto, no ayudó el hecho de que a menudo la historia presentara al protagonista como alguien más inclinado a actitudes femeninas o en algunos casos usando prendas femeninas. Pero, en la realidad, la caricatura no tenía ninguna agenda oculta.

Eso sí, tenía como fan a uno de los hombres más poderosos del mundo. El expresidente de los Estados Unidos, Barack Obama, afirmó en varias ocasiones que Bob Esponja es su personaje animado favorito de todos los tiempos.

Los mitos detrás de ‘Bob Esponja’

Incluso más emblemática que la serie es la cultura que está detrás de ella. Hay toda una historia, mitos y leyendas sobre el show que solo han incrementado con su popularidad. Uno de los favoritos personales por mucho tiempo fue el del episodio perdido. Con el título ‘La Esponja que podía volar’ en la realidad, el capítulo nunca se perdió, sino que tuvo menos emisiones que otros de la tercera temporada. Pero Nickelodeon no desaprovechó la oportunidad y utilizó el capítulo para crear un especial años después.

Otros elementos más modernos que son igual de memorables es la Creepypasta de ‘Bob Esponja’ (que de manera curiosa también tiene como centro un capítulo perdido).

Por no mencionar la versión anime de la serie, que en poco tiempo se convirtió en uno de los videos virales de YouTube.

Imágenes: Nickelodeon

Y entre todas estas historias de mujeres pobres encontrando a su príncipe azul, malas celosas y hermosas, primeros planos de caras asombradas y dramas para aspirar y suspirar, no habrá una serie más importante para la TV Colombia como ‘Yo soy Betty, la Fea’.

Escrita por Fernando Gaitán, que falleció esta semana a sus 58 años, ‘Yo Soy Betty, la Fea’ se estrenó en el país el 25 de octubre de 1999 a las nueve de la noche. En su primera emisión marcó 37 puntos de rating (un poco menos de la mitad del país vio el inicio de esta fea). Para su punto más alto alcanzó 54,7 puntos de audiencia.

El Patito Feo de RCN

Gaitán se demoró cuatro años en escribir ‘Yo Soy Betty, la Fea’. Para cuando la llevó a RCN, el canal no tenía el presupuesto para invertir en otra mega producción. Había dos motivos que tampoco inspiraban mucho a la cadena a hacer la inversión. En ese momento, ya contaba con un drama estrella: ‘Me llaman Lolita’ (protagonizada por Carla Giraldo y Marcelo Cezán). La segunda razón era que se trataba de una apuesta arriesgada. La historia le daba un giro a uno de las reglas sagradas de las novelas: mujer bella, pero pobre como protagonista.

Para llevar a cabo el proyecto, RCN le dio a Gaitán dos condiciones: tendría que ser grabada en su mayoría dentro de un estudio y no podría contratar a ninguna estrella importante. El primer punto se cumplió, gracias a que se ajustó el libreto para que la mayoría de la acción ocurriera en ECO Moda (la empresa donde trabajaba Betty).

También vale la pena hacer memoria y recordar que, aunque hoy en día los rostros de todo su elenco son reconocidos, cuando se estrenó la serie ninguno pasaba de haber tenido algún éxito menor. Al final Ana María Orozco se llevó el rol de Beatriz (Betty) Pinzón Solano y Jorge Enrique Abello se inmortalizó como el doctor Armando Mendoza Sáenz.

La clave de ser feo es tener personalidad

Es probable que la razón por la que muchos todavía recuerdan a ‘Yo soy Betty, la fea’ está en sus personajes. A diferencia de otras novelas, el peso de la historia no solo estaba en los dos protagonistas, sino en todo el elenco de la historia.

La particular risa de Betty se convirtió en una de las marcas de la historia, incluso más que su peinado o frenos. Lo mismo se puede decir de su mejor amigo, Nicolás Mora (Mario Duarte), que a menudo era un anticipo de risas garantizadas. En el caso de ambos, era su visión sobre su fealdad lo que impulsaba ese cariño que les tenía la gente.

Fue un cultivo de frases que se hicieron ‘virales’ mucho antes de que el Internet convirtiera chistes en Memes. ¿Quién puede olvidar que la Peliteñida (Lorna Paz) estudió “seis semestres de finanzas en la San Marino”?, o ¿cómo desaprovechar esa sabiduría ancestral de don Hermes Pinzón (Jorge Herrera) que nos advirtió más de una vez que “el diablo es puerco, mija”?

El mensajero que se creía ejecutivo de modas, el diseñador que odiaba a las feas, el cuartel de las feas o incluso el portero del edificio con complejo de alto militar. Todos los personajes en ‘Yo Soy Betty, la Fea’ son dignos de recordar.

¿Cómo se dice ¿’Yo soy Betty, la Fea’ en alemán?

La novela de Gaitán es uno de esos productos nacionales que fueron un éxito en el exterior. ‘Yo Soy Betty, la Fea’ ha sido emitido en más de 180 países en todo el mundo. Más interesante es que su historia ha sido adaptada en lugares que uno no se imagina que sean tan noveleros como Colombia. Al menos 28 veces se tradujo la novela colombiana a diferentes idiomas. Se cambió el tono, se le agregó una hermana gemela sexy, una familia que se ganó la lotería o un par de kilos de más. Algunas veces el centro no era el romance, sino un mensaje de empoderamiento o los valores morales en un mundo de personas superficiales. Pero algo siempre se mantenía: la protagonista era fea.

Por esto, Betty tuvo que cambiarse el nombre para que se ajustara al país en el que se iba a emitir.

En Venezuela se llamó Valentina; en México y Portugal, Alicia. Los españoles y brasileros la conocieron como Bela. Los noveleros de Polonia la llamaban Ula, mientras que los que la veían en India se referían a ella como Jassi. En Grecia la bautizaron Maria, en Turquía su nombre era Gönul, para China su fea se llamaba Wudi.

Cuando se emitió en Rusia era Alicia, pero para Bélgica era Sara. En Malasia su nombre era Manjalara, en República Checa era Katka, en Holanda era Lotte, en Serbia era Nina y en Vietnam era Huyền Diệu.

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El día que el presidente fue extra en una novela

En este país de noveleros, hasta experimentamos la política a través de los dramas en la caja chica. Por eso, cuando ‘Yo soy Betty, la Fea’ explotó en popularidad se usó a menudo para hablar de los problemas del país. Durante el momento de la historia en el que Armando le pidió a Betty que modificara los libros de la empresa, no solo se habló de ese tema en las charlas de almuerzo, sino en las columnas políticas del país. Alfonso Gómez Méndez, Fiscal General de la Nación, publicó una columna en la que acusaba a Betty de, además de ser fea, ser una criminal que merecía estar en el Buen Pastor.

Un artículo del portal Kienyke resumen este debate moral que generó una novela sobre una fea enamorada. Al parecer, la situación llegó a un punto en el que Gaitán debía consultar con varias entidades del Estado antes de atreverse a poder escribir sobre negocios de otros países o de contrabando. “¡Cómo se escandalizan con 80 mil dólares de una empresa privada cuando al país se lo roban a diario, a borbotones, en la más absoluta impunidad!”, le dijo alguna vez el guionista a la prensa.

El tema llegó al punto en el que Fanny Kertzman, entonces directora de la Dian, apareció para dar lecciones sobre cómo prevenir el ingreso ilegal de telas al país. ‘Betty la Fea’ era tan grande, que incluso contó con el Andrés Pastrana, en ese momento el presidente de Colombia’, como personaje secundario.

Imágenes: static.t13.cl y eldictamen.mx

Tétrico, deprimente, oscuro, aterrador. Estos son adjetivos que describen la experiencia de jugar ‘Silent Hill’ en la PS1. Son legendarias las pesadillas de uno de los más grandes títulos de horror de la época. Este es el videojuego que tocaba pasar acompañado por el hermano o amigo de preferencia.

‘Silent Hill’ se lanzó en Norte America el 31 de enero de 1999. Luego le siguió su lanzamiento en Japón (marzo 4 de 1999) y en Europa (1º de agosto de 1999).

¿De qué iba ‘Silent Hill’?

Refresquemos la memoria. ‘Silent Hill’ se desarrolla en un pueblo con el mismo nombre. El personaje que controlas se llama Harry Mason. Convencido por su hija Cherryl de pasar las vacaciones en allí, el protagonista pierde el control de su vehículo al evitar atropellar a una chica. Cuando despierta, se encuentra en el pueblo y su hija ha desaparecido.

El resto de la historia se enfoca en Harry buscando a su hija a través de ‘Silent Hill’. Esto, al tiempo que debe escapar de criaturas monstruosas y descubre un culto que está realizando un ritual para traer a una deidad oscura.

Konami lo hizo mal… pero ‘Silent Hill’ salió bien

La influencia más importante de ‘Silent Hill’ resultó siendo ‘Resident Evil’. La razón es que el título de Capcom era, al momento de su desarrollo, el icono del género. Así, Konami quiso lanzar un juego propio que aprovechara la enorme popularidad de este tipo de historias.

Para esto armó un equipo llamado Team Silent. El grupo, en su mayoría, estaba compuesto por miembros que habían fracasado con previos títulos de Konami. Así, para muchas de las personas dentro de este proyecto, ‘Silent Hill’ era la última oportunidad de lanzar algo exitoso antes de separarse por completo. Algunos de los nombres más importantes son Keiichiro Toyama (director y diseñador), Hiroyuki Owaku (escritor), Masahiro Ito y Masashi Tsuboyama (los artistas detrás de los horrores del juego) y Akira Yamaoka (compositor de la música y efectos de sonido).

Después del éxito de la franquicia, se revelaría que el equipo no estaba satisfecho con el primer boceto del título. A esto se sumó la falta de fe de Konami, que se desinteresó por lo que estaba haciendo Team Silent. Por fortuna, el resultado termino siendo mayores libertades que terminaron reflejándose en decisiones atrevidas, pero que convirtieron a ‘Silent Hill’ en un clásico.

El horror de ser alguien normal

Como mencioné antes, la mayor influencia para este título fue ‘Resident Evil’. La franquicia de Capcom ponía al jugador a controlar miembros de fuerzas especiales contra hordas de zombis. El protagonista debía administrar los recursos, pero contaba con la habilidad de ser un buen tirador o poder evadir con agilidad a los enemigos. Pero ‘Silent Hill’ le da un giro a esta premisa al ponerte bajo el control de un tipo normal.

Esto se tradujo en cambios significativos en el gameplay, Para empezar, la puntería del protagonista no es consistente y es inestable. Tampoco podía resistir muchos golpes e incluso perdía el aliento después de correr durante un tiempo. Como resultado, la ansiedad y el terror se sentían de manera mucho más fuerte que en otros títulos.

La atmosfera lo es todo

Quizás el elemento más emblemático de ‘Silent Hill’ es el ambiente que consigue. El pueblo está, de manera permanente, cubierto por una niebla gruesa que no permite ver muy lejos. Ingresar a los edificios no mejora mucho la visibilidad, pues hay espacios oscuros en donde la única fuente de luz es una linterna.

En el desarrollo este elemento cumplió dos objetivos. El primero era ocultar la limitación en gráficos que tenía el juego. El segundo, era crear una sensación de verdadero peligro. Incluso si el radio que usabas servía como radar para indicar la presencia de enemigos, era imposible determinar la dirección del ataque.

‘Silent Hill’ incluso invirtió la manera en la que la música jugaba un papel en el terror. En otros títulos, un ataque era acompañado por un crescendo en la música y había muy pocos momentos de silencio. Para el título de Capcom los enfrentamientos venían acompañados de silencios, mientras que incluso cuando el jugador estaba a salvo la música subía la intensidad. El resultado era una sensación de ansiedad que jamás desaparecía.

¿Qué recuerdos tienen ustedes de ‘Silent Hill’? Los leemos.

Imágenes: Capcom

La razón es que en la época dorada de Cartoon Network esta era una de las series imperdibles. ‘Teen Titans’ consiguió hacer famoso al equipo de héroes en una época en la que las series de superhéroes estaban perdiendo sus fuerzas. El grupo original estaba compuesto por Robin, Raven, Star Fire, Chico Bestia y Cyborg. Como dato curioso, originalmente la intención era incluir a Kid Flash y Wonder Girl. En el caso del último personaje, su omisión se debe al Wonder Embargo (es decir, no se tenían los derechos del personaje).

Con cinco temporadas, la serie se emitió por primera vez en Cartoon Network en 2003 y se canceló en 2006. En Colombia el show se emitió durante un tiempo en Caracol TV.

“¡Teen Titans Go!”

Uno de los elementos más emblemáticos de la serie es su tema de inicio. La canción es interpretada por el duo japonés Puffy, cuyo nombre fue modificado en Occidente como Puffy: Amy Yumi.

Una de las cosas más curiosas de este tema es que contaba con dos versiones oficiales: una en japonés y otra en inglés. Luego se reveló que estas canciones se intercalaban y que daban pistas sobre el tono del episodio. Los capítulos con el tema en japonés eran más cómicos, mientras que aquellos con el tema en inglés tenían temáticas más serias. Esta condición se incumplió solo un par de veces.

Hablando de Puffy Amy Yumi, el duo también tuvo su propia serie animada en Cartoon Network llamada ‘Hi Hi Puffy Ami Yumi’, que se estrenó 2005 en América Latina.

¿Quién es Slade?

Durante toda la serie, el villano principal de ‘Teen Titans’ es Slade. Lo que a muchos fans de los comics confundió en su momento es su parecido con el mercenario Deathstroke. En realidad, se trata del mismo personaje. Al momento de presentar la serie, el equipo tuvo que cambiar el nombre del villano, pues se consideraba que era muy violento para una serie animada dirigida a niños. Así, se decidió usar el nombre del personaje: Slade Wilson.

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Otro dato interesante, es que originalmente no se planeó que él fuera el nemesis del equipo. Durante un boceto de la primera temporada el equipo vio que el esquema de los capítulos apuntaba a una historia más estructurada. Fue entonces que se les ocurrió que el plan maestro del villano fuera separar a Robin del equipo.

El balance perfecto entre humor e historia

Una de las razones por las que ‘Teen Titans’ triunfó en la memoria fue por la mezcla entre comedia e historia. Durante cada temporada había episodios que estaban centrados en momentos más cómicos que dramáticos. De hecho, una de sus cualidades era la capacidad de conseguir humor con personajes como Robin o Raven.

Dicho esto, la razón por la que muchas personas recuerdan la serie son por sus episodios y capítulos más serios. La saga de Trigon pagó toda una temporada de guiños. Todo el arco e historia de Terra fue una sorpresa para aquellos que desconocían la versión del personaje en los cómics. Una de las cosas que diferenciaron a ‘Teen Titans’ de otras series de la época es que los directivos de ‘Cartoon Network’ dieron al equipo la libertad de apostar por cosas nunca hechas en el género. Por esto, la quinta temporada de la serie está casi por completo dedicada a una trama.

Las voces detrás de los Titanes

Igual de memorables que la animación o la canción de inicio son las voces que trajeron a los Titanes a la pantalla chica en Latino América. Como dato curioso, la voz de Robin y de Chico bestia estuvo a cargo de la misma persona: Ezequiel Serrano. El actor también es la voz de Danny en ‘Danny Phantom’ y Cosmo en ‘Los Padrinos Mágicos’.

Starfire fue interpretada por Úrsula Cobucci y Raven tomó prestada la voz de Anabella Silva. Adolfo Nittoli fue la voz de Cyborg hasta la tercera temporada, cuando fue remplazado por Ángel Balam.

El capítulo final

Quizás una de las cosas más ‘infames’ de los ‘Teen Titans’ es su final. El último capítulo de la serie, titulado ‘Las Cosas Cambian’, trae de regreso a Terra, que se suponía estaba muerta. El episodio entero está centrado en Chico Bestia buscando convencer a su amiga-interés romántico de regresar con él. Pero Terra no parece recordar nada de su vida anterior y el final termina con ella, no solo negándose a ir con el héroe, sino rechazando cualquier conexión con él.

Este último episodio planteó más dudas de las que resolvió. Aunque nunca se han dado razones claras para la cancelación de la serie, el hecho de que dejara esta y muchas otras preguntas abiertas nos hace imaginar que los escritores tenían planeada una sexta temporada. Durante un tiempo incluso se barajó la posibilidad del regreso de la serie.

Imágenes: Cartoon Network

Si este jueves viajáramos 20 años al pasado y nos fuéramos a Japón, estaríamos en el primer día que el Nintendo 64 salió al mercado. Por este significativo hecho, es el protagonista de nuestro nuevo #TBT. La recordada consola del gigante de los videojuegos cumple dos décadas y vale la pena rescatar algo de su historia. Más allá de citar cifras, recordar los juegos que hemos señalado miles de veces o señalar su terrible control, mejor disfruten de algunos datos que, tal vez, no conocían:

– El Nintendo 64 tuvo varios accesorios, el más curioso de ellos fue el 64DD, una base igual de grande a la consola que permitía usar discos magneticos. El incentivo era tener juegos que no estarían en los cartuchos tradicionales de la consola, entre ellos ‘Final Fantasy VII’, pero al final las cosas fueron diferentes.

– El mayor atractivo del 64DD era una familia de títulos dedicados al diseño y la creación de contenidos bajo el nombre de ‘Studio’. Estos incluían dibujo, edición de video y hasta animación. Para ello, Nintendo lanzó un mouse para la consola.

– Con el 64DD también podías usar un modem especial (en forma de cartucho) para compartir tus creaciones, jugar demos, navegar en internet y usar el correo electrónico. Todo eso solo fue posible en Japón.

– El primer nombre de la consola fue Project Reality, cuando estaba pensado en construirse una versión para ‘arcade’, antes de lanzarse como una consola de hogar.

– El segundo nombre que recibió fue Ultra 64, pero finalmente pasó a ser Nintendo 64 porque Konami tenía los derechos al nombre ‘Ultra Games’.

https://www.youtube.com/watch?v=7Dl9aEo2xbw

– Dado que la primera versión, Project Reality, era más potente que la versión final, varios juegos que mostraron en el momento llegaron con una notable baja en su calidad. Uno de ellos, ‘Killer Instinct’, terminó llegando al SNES y no al Nintendo 64.

– Otro recordado accesorio era el expansion pack, que mejoraba la RAM del dispositivo. Aunque ayudaba a la experiencia de juego, solo tres juegos lo exigían para correr correctamente: ‘Donkey Kong 64’, ‘Perfect Dark’ y ‘The Legend of Zelda: Majora’s Mask’.

– Los tres juegos más vendidos de la consola son, claramente, los más recordados: ‘Super Mario 64’, ‘Mario Kart 64’ y ‘Goldeneye’.

¿Qué memorias tienen con el Nintendo 64?

Imagen: Nintendo. 

Para los más jóvenes que no alcanzaron a conocer la maravilla del cassette y el lápiz, el Walkman era un reproductor móvil que funcionaba con un cassette, audífonos de diadema y un par de pilas. Con esta perfecta combinación, podías llevar 60 minutos de música a donde quisieras sin llegar a molestar a otras personas con el sonido de tus canciones favoritas.

https://youtu.be/r-TxIs7K_14

Su funcionamiento era sencillo: introducías el cassette en el reproductor y oprimías reproducir, la música siempre iniciaba en donde la dejaste por última vez. El casete contaba con dos caras ‘A’ y ‘B’, cada una con duración de 30 minutos. Podías adelantar y retroceder con el dispositivo, pero con cuidado pues podías atascar la cinta y una de las formas de solucionar el asunto, como muchos recordarán, era con un lapiz

Existen varias teorías acerca de quién fue el creador original de este dispositivo, todas con autor diferente pero con el mismo fin: llevar la música a todas partes sin tener que compartir nuestras canciones con el mundo exterior, incluso como un compañero de ejercicios o de viajes. Pero más allá de un autor lo importante fue el objetivo por el que fue creado: escuchar música.

Lo que más recuerdo del Sony Walkman era la música que escuchaba en el dispositivo: ‘HIStory: Past, Present and Future’ una edición limitada de la música de Michael Jackson que no sé en dónde se me perdió.

Con el tiempo y los avances de la tecnología, el Walkman fue reemplazado por el Discman, un dispositivo similar pero que funcionaba con CDs en lugar de cassettes y tiempo después fue Apple que con la introducción del iPod, quien logró revolucionar por completo la forma en la que escuchamos música.

Actualmente, el streaming se convirtió en el formato número uno para escuchar música, los años dorados de Sony pasaron al recuerdo, pero jamás olvidaremos que gracias a Sony se inició esta revolución de bolsillo.

Imagen: captura de pantalla YouTube, Amoeba, Flickr (Yassin Moustahfid).

Para los que no alcanzaron a disfrutar de este videojuego, ‘Super Smash Bros.’ es un titulo de Nintendo que reunió algunos de los personajes más emblemáticos del mundo Nintendo de la época, para que se enfrenten en una batalla campal. La temática del juego era sencilla: lanzar la mayor cantidad de personajes al vacío y evitar que lo hagan contigo.

Pero no te confundas: en estas batallas se formaba un ‘tsunami’ de golpes, poderes, armas y todo tipo de situaciones, que debías evitar si querías ser el vencedor. Vale la pena hacer una mención especial al martillo, el arma más poderosa del juego. Si la lograbas usar podías salir campeón; con un solo golpe lanzabas al vacío a cualquier contrincante que se atravesará. Algunos jugadores se dedicaban a esperaban tranquilos a que apareciera este arma para hacer de las suyas.

Una de las claves del éxito de ’Super Smash Bros.’ fue la consola en la que se podía jugar: Nintendo 64. El Nintendo 64 permitía conectar hasta cuatro controles al tiempo, lo que significó batallas épicas entre muchas personas al mismo tiempo.

Lo que más llamaba la atención del juego fue la mezcla de diferentes personajes en un mismo campo de batalla, cada uno de ellos con diferentes cualidades de lucha. En el campo se valía todo, lo único importante era salir victorioso. Eran:

– Mario (‘Super Mario Brothers’)
– Donkey Kong (‘Donkey Kong’)
– Link (‘The Legend of Zelda’)
– Samus Aran (‘Metroid’)
– Yoshi (‘Super Mario World’)
– Kirby (‘Kirby’)
– Fox McCloud (‘Star Fox’)
– Pikachu (‘Pokémon’)
– Captain Falcon (‘F-Zero’) (Bloqueado)
– Luigi (‘Super Mario Brothers’) (Bloqueado)
– Ness (‘Mother/Earthbound’) (Bloqueado)
– Jigglypuff (‘Pokémon’) (Bloqueado)

‘Super Smash Bros.’ también contaba con una versión arcade, en donde tenías que enfrentarte con todos los personajes en una pista de obstáculos. Cuando llegabas al final y vencías a ‘la mano maestra’, el jefe, podías luchar contra uno de los personajes que estaban bloqueados. Si lograbas ganare, lo podías usar en tu próxima aventura.

El mejor recuerdo que tengo de este juego fue jugar con Donkey Kong. Gracias al agarre y el golpe especial de este personaje lograba ganarles a mis amigos. Algunos aseguraban que era trampa, pero solo era  estrategia y un poco de ‘viveza’. Definitivamente ‘Super Smash Bros.’ marcó una época y aunque han salido nuevas versiones, para mí ninguna se compara con la original.

Imagen: YouTube

Después de llegar de ver ‘Civil War’, lo primero que hice cuando llegué a casa fue entrar a YouTube y buscar el intro de esta maravillosa serie de los años noventa. Es curioso que una película del Capitan América me hiciera recordar este programa, pero así fue. Al parecer había olvidado que mi superhéroe favorito de la infancia era este encapuchado.

https://youtu.be/RJ0wrkE9qQE

Siguiendo con la serie: no sé si soy yo, o este show estaba muy bien hecho. Tenía de todo un poco: buenos personajes como James Jameson, alguien que siempre querías ver, Mary Jane y su estilo ‘hola vaquero’ —así llamaba a Peter– era encantadora, los villanos Shocker, King Ping, Duende Verde, Rhino, Mysterio, Doctor Octopus, Lagarto y muchos más que juntos representaban una amenaza para ‘Spidey’.

Pero uno admiraba más a Peter Parker que a su álter ego. El muchacho tenía los problemas que cualquier persona puede padecer: falta de dinero, líos de faldas, un trabajo mal pago y un jefe arrogante, entre otras cosas. Tú querías que Peter se superara en la serie; te ibas convirtiendo en el complice del superhéroe con cada capítulo.

Quizás fue el inicio del universo Marvel fuera de los cómics

Para los más jóvenes, que quizás no se han dado cuenta de qué estoy hablando exactamente: la serie animada de ‘Spider-Man’ tuvo su primera emisión en 1994, y se podía ver en Latinoamérica por un canal que en su momento se llamaba Fox Kids, y que luego fue reemplazado por Disney XD.

La historia es la que todos conocemos ya. Peter Parker es mordido por una araña mutante que le da poderes sobrehumanos, y es influenciado positivamente por su tío Ben, que también es asesinado por un criminal que Peter no quiso detener. Lo que hace interesante este programa –y es por eso que lo recordé después de ver Civil War– son las breves apariciones de Iron Man, Daredevil, Capitán América, Los Cuatro Fantásticos, X Men, Red Skull y Doom, entre muchos más. Creo que es el inicio del universo Marvel fuera de los cómics, y lo mejor es que era espectacular.

Estoy seguro que esta serie animada de los noventa marcó la infancia de muchos de nosotros. Por eso hoy quería abrir el baúl de los recuerdos y sacar los mejores momentos del Spider-Man de mi infancia.

Recuerda que si tienes alguna duda puedes escribirnos en nuestras redes sociales: Facebook, Twitter, Google+, Instagram y Flipboard o hacer un comentario en la nota.

En Twitter me puedes encontrar como @CesarSumosa.

Imagen: captura de pantalla YouTube

Para los que no se identifican con este programa de antaño, ‘Mighty Morphin Power Rangers’ es una serie televisiva de 1993 que trataba las aventuras de unos amigos que tenían que proteger al mundo de Rita Repulsa y su secuaces.

La serie inicia cuando unos astronautas que visitaban la Luna liberan accidentalmente a una bruja alienígena, Rita Repulsa, que llevaba atrapada 10.000 años. Una vez la bruja recupera su libertad pone en marcha su plan, conquistar la tierra, por lo que Zordon, un hechicero atrapado en el espacio-tiempo, decide convocar a un grupo de jóvenes estudiantes para defender el planeta de los ataques de la villana.

Lo más llamativo de este seriado de televisión eran los monstruos que Rita Repulsa enviaba para derrotar a los Rangers, criaturas que al ver que estaban perdiendo la batalla tenían la capacidad de aumentar su tamaño de forma descomunal.

Los héroes para poder derrotar al titán llamaban a los ‘zords’, vehículos de asalto gigante –’o mechas’– con forma de dinosaurios que se podían unir. Cada Ranger tenía un ‘zord’.

Los Mighty Morphin Power Rangers tuvieron su oportunidad en el cine, y lograron grandes resultados en países de Latinoamérica y España. La película fue estrenada el 30 de junio de 1995 y desde entonces no han tenido su esperado regreso, que finalmente se dará en marzo del 2017.

El año pasado conocimos un corto que reimagina a los Power Rangers en un escenario más oscuro. Este es un proyecto no oficial producido por Adi Shankar, que le dio a los fans la oportunidad de soñar con el regreso de uno de los superhéroes más icónicos de los 90 a la pantalla grande.

Los ‘Power Ranger’ se emiten desde 1993 y ha tenido varias temporadas que se siguen produciendo hasta la actualidad. A pesar que el nombre sigue siendo el mismo, la estructura del programa ha cambiado durante el tiempo, al igual que los integrantes y villanos.

Para terminar de recordar esta serie que marcó la infancia de muchos repasamos algunos datos interesantes del programa:

– Esta serie fue basada en el programa original japonés, Super Sentai Series.
– Originalmente el Ranger amarillo estaba destinado a ser hombre, motivo por el que el traje no tiene malla a diferencia del traje rosa.
– Las escenas de lucha donde de los Rangers eran realizadas por dobles.

Imagen: Deadline

La realidad virtual es un viejo sueño en el mundo de los videojuegos. Y aunque hoy ya varias empresas se alistan para lanzar sus soluciones de VR al mercado, este no es el primer intento de llevar esta tecnología a los consumidores. Nintendo, con su Virtual Boy, es uno de los abuelos de dispositivos como el Oculus Rift o el HTC Vive.

En la década de los 80, una empresa estadounidense llamada Reflection Technology estaba buscando un socio para llevar al mercado su desarrollo más reciente: un prototipo de animación en 3D estereoscópico –es decir, que crea una ilusión de profundidad– el cual podía moverse a la par con el movimiento de la cabeza del usuario. La compañía tocó varias puertas, y Nintendo se animó. Tras varios años de desarrollo, la consola fue anunciada el 14 de noviembre de 1994.

“Los representantes de Nintendo dijeron que el juego crea una ilusión de profundidad que no es posible con televisores convencionales o monitores de computador”, escribía The New York Times al reseñar el lanzamiento de la consola.

Fue la primera consola de Nintendo con un procesador de 32 bits, y su pantalla de LED tenía una gran ventaja: aprovechaba bien el hecho de que los diodos se pueden apagar y encender a voluntad para crear una ilusión de amplitud y profundidad. La firma japonesa esperaba tener en sus manos un producto ganador, que impulsara las ventas en momentos en los que el Super Nintendo ya estaba de salida y el N64 aun no estaba listo.

Su control, además, fue el antecesor del de Nintendo 64. Fue el primero creado por la firma japonesa que le permitía al jugador moverse en tres dimensiones, y también fue pionero en usar pilas o un adaptador de corriente.

Muchos usuarios se ‘desinflaron’ con la pantalla

Pero el reto técnico era demasiado grande. En la época, no era rentable fabricar masivamente pantallas de color LCD, pues hacerlo dispararía los costos de la consola al público. Muchos usuarios, que esperaban que el Virtual Boy fuera la puerta a otros mundos, se ‘desinflaron’ cuando vieron que detrás de la pantalla no había más que un montón de líneas rojas –los LED de color solo se hicieron viables mucho después–. Además, Nintendo temió que la tecnología de rastreo de la cabeza tuviera consecuencias en la salud de los jugadores, y decidió no incluirla en la versión final.

La consola era estática y poco portátil: tocaba fijarla en una mesa y amarrársela a la cabeza para poderla usar, lo que causaba que la ergonomía de los jugadores a la hora de jugar no siempre fuera la mejor. Algunos usuarios reportaron mareos y dolores de cabeza al jugar por un tiempo prolongado, y los juegos realmente no aprovechaban bien las posibilidades que ofrecía la ilusión de profundidad.

Todo esto hizo que Virtual Boy no fuera una consola exitosa. Esperaba vender 2,5 millones de unidades en el primer año, pero apenas llegó a las 800.000, según Wired. Tuvo muy pocos juegos, y Nintendo la sacó del mercado silenciosamente en marzo de 1996, apenas un año y tres meses después de su anuncio.

Solo se vendió en Estados Unidos y Asia: pocas unidades llegaron a Latinoamérica. La única que vi en funcionamiento estaba instalada en una sala de videojuegos que frecuentaba cuando era niño, y recuerdo que no era agradable. El casco olía a una mezcla de sudor, mantequilla y Doritos, y la pantalla roja era incomprensible para mí.

El Virtual Boy tenía la idea correcta

Sin embargo, la nostalgia ha hecho que las pocas unidades que hay por ahí se conviertan en objetos de culto, y que lo que en su momento se consideró como un fracaso hoy sea percibido como una idea adelantada a su tiempo. Es que, visto desde el futuro, creo que el Virtual Boy tenía la concepción correcta, pero la tecnología para implementarla adecuadamente no estaba disponible todavía.

Prueba de eso es que, muchos años después, cuando los procesadores superpoderosos se ensamblan por miles de millones al año, y cuando todo el mundo carga una pantalla de todo color en el bolsillo, muchas compañías están pensando en hacer básicamente lo mismo con lo que Nintendo fantaseó en los noventa.

Imagen: Artefact Group (vía Flickr).

Esta semana se está realizando una de las ferias más importantes en el universo de los juguetes, en Nueva York. Por eso, quisimos recordar uno de los más emblemáticos de la infancia de todos los que crecimos en los noventa. Además, para su momento, fue toda una novedad tecnológica.

Se trata del famoso Tamagotchi, ese huevo que llevabas para todas partes: si lo descuidabas por unas horas, sin poder alimentarlo, bañarlo y jugar con él, era muy probable que se te muriera.  La mascota virtual rápidamente se convirtió en uno de los juguetes más populares en todo el mundo.

Historia y diseño

El Tamagotchi –o como nos dice la siempre útil Wikipedia, たまごっち– nació en Japón en 1996. Fue creado por Akihiro Yokoi de WiZ y por Aki Maita de Bandai, compañía que lo vendió por primera vez el 23 de noviembre de 1998 en ese país. Fue un éxito inmediato: según cifras de Bandai, para 2010, más de 76 millones de Tamagotchis fueron vendidos en todo el mundo.

El huevito se podía llevar a todas partes y estaba compuesto por tres botones que lo hacían todo. Venía en una caja en la que, de un lado, teníamos el huevito, y del otro teníamos una mini historia del juguete, como se puede ver en la imagen superior: “Tamagotchi es una pequeña mascota del ciberespacio que necesita tu amor para sobrevivir y crecer. Si cuidas a tu mascota Tamagotchi, poco a poco se hará más grande, saludable y más lindo cada día. Pero si abandonas a tu pequeña cibercriatura, tu Tamagotchi puede crecer para ser malo o feo”.

Para usarlo, solo necesitabas moverte con los tres botones: A, B y C. A para seleccionar, B para ejecutar y C para cancelar. Ahí, podías navegar por las diferentes acciones como alimentar (una comida o un ‘snack’), baño, salud, disciplina, atención, cuidado cuando estaba enfermo, dormir (en donde apagas la luz del juguete) y juegos. 

Todos queríamos uno

Nunca se me va a olvidar la canción de su comercial: “Adopta tu mascota que crece y siente como tú, Tamagotchi”, y lo que significó tener mi propio Tamagotchi. Recuerdo que era un juguete caro y que, por eso, empezaron a surgir versiones ‘piratas’, pues el original resultaba muy costoso para muchos papás.

En los colegios, todos tenían uno, o al menos, todos querían tener el suyo. Uno podía encariñarse muy fácil con esta mascota, a pesar de que –si lo pensamos ahora– no pudriéramos hacer mucho con ella. El Tamagotchi era el ‘smartphone’ de este momento, pues incluso en varios colegios lo prohibieron, ya que hacía que los estudiantes no prestaran atención por estar revisándolo cada cinco minutos.

Los efectos del Tamagotchi

Desde la perspectiva de un niño era difícil ver los efectos nocivos que podía llegar a tener este juguete, pero revisando la prensa de la época, muchos papás se preocuparon por lo que estaba generando esta pequeña mascota virtual en sus hijos.

En esta nota del New York Times, por ejemplo, tenemos el testimonio de Christine Glickman, una mamá que decía que su hijo de 9 años lloró histéricamente y se volvió loco cuando su Tamagotchi ‘pasó a mejor vida’. O el caso de Susan Gliedman, quien dijo que su hija Mia, de 9 años, se puso extremadamente triste y depresiva cuando su cibermascota desapareció.

Bandai aseguró que el muñeco no moría en realidad, sino que su ciclo de vida terminaba y regresaba a su planeta natal millones de kilómetros afuera. Allí, incluso aparecía la tumba de tu mascota virtual. Para seguir jugando debías ‘resetearlo’ con un botón en la parte posterior del juguete. Pero claro, éste ya no sería el mismo que cuidaste y alimentaste por tantos días. 

¿Qué pasó con el juguete?

En 2013 les conté una historia en la que Bandai estaba trabajando en el relanzamiento del icónico juguete. Para esto, la compañía presentó Tamagotchi Friends, una serie de nuevos modelos no muy diferentes al que teníamos en 1997.

Esta nueva versión, Tamagotchi cuenta con las funciones de siempre de cuidar y alimentar a tu mascota, pero también añade opciones como enviar mensajes de texto entre otros Tamagotchi, intercambiar regalos, crear nuevos personajes, jugar –tenía cinco juegos precargados– y visitar a otras mascotas virtuales chocándolas entre ellas.

Antes de presentar esta nueva versión, Bandai también lanzó una app para Android y iOS.

¿Tuvieron un Tamagotchi? ¿Qué recuerdos tienen de él?

Imagen: Tamagotchi Friends (vía Facebook), Andrew Russel (vía Flickr) y capturas de pantalla.

El 6 de febrero de 1991, hace más de 25 años, llegó a los arcade ‘Street Fighter II’. La próxima semana se lanza al mercado ‘Street Fighter V’. Parece que no hay mejor momento para que nuestro #TBT ponga su ojo sobre la popular saga de peleas. El título, que nos llevó alrededor del mundo para enfrentar a los más extravagantes y poderosos personajes, tiene un fuerte legado en el género de las peleas y el mundo ‘gamer’ en general.

‘Street Fighter II’ introdujo mecánicas que dieron forma a los juegos de peleas; entre ellas, los famosos ‘combos’ que hoy día son regla en el género. Pero la jugabilidad no es lo único que brilla: el grupo de personajes le dio personalidad al título.

Todos tenían algo característico, que los mantuvo como iconos de los videojuegos más allá del mundo de las peleas: Ryu, Ken, E. Honda, Blanka, Guile, Chun-Li, Zangief, Dhalsim, Balrog, Vega, Sagat y M. Bision son nombres que evocan recuerdos para los conocedores del género, y que son conocidos por los fans de los videojuegos en general.

Su jugabilidad y sus personajes son inolvidables

La combinación de jugabilidad y personajes construyó un icono de los videojuegos que se mantiene hasta la actualidad. La popularidad de ‘Street Fighter II’ disparó la franquicia y la transportó a otros medios, como el cine (donde no tuvo su mejor momento).

Como ocurre con todo juego que se hace muy popular, muchos rumores y mitos nacieron a su alrededor. Que Vega iba a ser un soldado con armadura y no un torero español. Que la barra de vida de Chun-Li era más corta que la de otros peleadores. Que el apellido de Ken existía solo para que no fuera confundido con Ken de Barbie. Ese tipo de leyendas urbanas son las que dejan claro que el juego fue un gran éxito.

Más allá de eso, ‘Street Fighter II’ es un juego tremendamente bien hecho, que además llegó en el momento indicado. Su legado son torneos globales y masivos de juegos de pelea, como EVO; una franquicia original que sigue lanzando entregas luego de dos décadas; docenas de otros juegos que intentaron copiar su éxito; y un extenso grupo de jugadores de todo el mundo que lo recuerdan con el más profundo cariño.

Su paso por SNES es una historia más para contar. Logró vender más de seis millones de copias y rompió los records de la época y de la consola. De hecho, se mantuvo como el juego más vendido de Capcom hasta 2013, cuando ‘Resident Evil 5’ lo destronó.

Finalmente; ¿alguien pudo derrotar a Sheng Long? 😉

Imagen: Capcom.

En IBM se tomaron muy en serio el proyecto de Bill Gates de poner un computador en todos los hogares del mundo. Uno de sus principales lanzamientos para conseguir esto fue la serie ThinkPad. Una línea de portátiles de altísima calidad y gran rendimiento. Hoy, 23 años después de su lanzamiento, nos tomamos un momento para recordar al modelo 700c, el más emblemático de todos.

El año era 1992. IBM estaba desarrollando un nuevo dispositivo que tendría un pantalla táctil con tecnología resistiva y los usuarios lo manejarían usando un lápiz. En la reunión para definir el nombre del nuevo producto, Denny Wainwright, experto en planeación, sugirió que el nombre debería ser ThinkPad, un nombre basado en la cercanía de IBM con el término ‘Think’. El término luego fue antagonizado por el ‘Think Different’ de Apple.

A final de ese mismo año, IBM presentó oficialmente al público su nueva serie de computadores portátiles e hizo que todas las miradas se posaran sobre sus productos. PC Magazine, lo que todos leíamos en esa década, no tuvo reparo en calificar al ThinkPad 700c como el dispositivo más valioso del año. Y así empezó la historia de esta familia.

El público estuvo de acuerdo con estas calificaciones, y la demanda de estos modelos, en especial el 700c, se disparó. IBM se metió en un nuevo negocio, y sus esfuerzos en crear mejores computadoras portátiles se intensificaron.

El robusto ThinkPad 700c, de más de dos kilos, tenía un disco duro duro que se podía retirar fácilmente y tambíen contaba con una pantalla de 10,4 pulgadas, un área nunca antes vista en un computador de este tamaño. Tantos logros de ingeniería juntos en un producto hacían que comprarlo no fuera nada barato, teniendo en cuenta el precio de 4.350 dólares de la época, el equivalente a 7.370 dólares de hoy.

Pero los beneficios que esta máquina ofrecía eran únicos, y ningún otro competidor se acercaba a tener un computador portátil tan completo como los primeros modelos de la serie ThinkPad.

Siete años después, llegó a Colombia

Mi encuentro con este bloque negro de poder computacional sucedió siete años después de su lanzamiento, en 1998, justo el tiempo que demoraban los dispositivos en llegar a un país como Colombia. Mi hermana trabaja en grandes proyectos de arquitectura, y para que ella pudiera recorrer todas las obras e inventariar los materiales usados, la empresa en la que laboraba le dio el ThinkPad 700c.

Lo recibimos lleno de polvo y con varios golpes, producto de las obras; pero el pobre dispositivo seguía funcionando con Windows 3.1, y el proyecto familiar de ese fin de semana fue actualizarlo a Windows 95. Fue yna tarea que nos llevó más de 12 horas y alrededor de 25 disquetes de 3 ½, cada uno con 1,44 MB de espacio.

Después del primer lanzamiento, IBM renovó la línea cada año y pudimos ver joyas como el T42, primero de la familia en integrar un sensor de huellas digitales. En 2005 Lenovo completó la adquisición de la marca ThinkPad, y desde ese año la empresa china continuó con los lanzamientos. La historia nos lleva al día de hoy, cuando el Lenovo ThinkPad X1 Carbon es el modelo más reciente de la serie.

El ThinkPad 700c fue el punto de entrada a la tecnología de muchos en mi generación, y es uno de esos dispositivos que marcó un antes y un después en el mercado de tecnología de consumo. Si tuviste contacto con este cualquier otro emblemático computador cuéntanos tu historia en los comentarios.

Imagen: IBM.