La serie es uno de esos miembros del pabellón dorado de la TV. Así que, en este primer jueves de noviembre, cuando les duelen los huesos por el frío y los treintañeros estamos mirando muebles en descuento, decidimos dedicar este #TBT a recordar el show con 4 datos clave de ‘Yo Amo a Paquita Gallego’.

¿Recuerdan el Canal A?

¿Quieren darse cuenta de qué tan vieja es ‘Yo Amo a Paquita Gallego’? La telenovela originalmente fue transmitida en el Canal A. Para aquellos con mala memoria, se trató de una de las primeras cadenas de televisión abierta colombiana, en los días en los que los canales privados todavía no habían llegado a la televisión nacional.

Producida por RTI Televisión, ‘Yo Amo a Paquita Gallego’ tuvo un total de 150 episodios, con capítulos diarios que fueron emitidos desde 1998 a 1999.

Paquita Gallego era bastante… bastante oscura

Es posible que la mayoría de ustedes ni siquiera recuerde bien de qué trataba ‘Yo Amo a Paquita Gallego’… pero les podemos asegurar que se trata de una historia mucho más oscura que lo que sugiere la canción de la novela.

La historia inicia con Javier Hidalgo (Luis Mesa) y Soledad Gallego (Marcela Carvajal), una pareja de enamorados que planean casarse. Esto es hasta que tres hombres violan a Soledad y la dejan embarazada. Javier cree que ella le fue infiel y Soledad se aísla en su casa, culpando a su hija, a la que llama Paquita, por haber perdido al amor de su vida.

Años después Javier se ha casado con otra mujer y tiene un hijo llamado Andrés. Él se enamora de Paquita y decide declarársele pintando por todo el pueblo en el que vive murales que leen “yo amo a Paquita Gallego”. El gesto cursi termina por mover a su padre a reencontrarse con Soledad y descubrir la verdad sobre su violación e incluso preparar el camino para regresar con ella… hasta que él muere en un accidente de avión. De pena pura Soledad se suicida y Paquita queda sin hogar.

Ah sí… y esto es tan solo el prólogo de la historia. Y dicen que la TV de hoy es oscura.

Más que una Novela… un show por temporadas

Lo curioso de Paquita Gallego es que su historia parece estar más cercana a una serie americana moderna que a una de las telenovelas a las que estamos acostumbrados. Por ejemplo, su historia no solo cuenta con un prólogo, sino que además está dividida en cinco partes que cuentan con sus propios ‘villanos’ que representan peligros para su protagonista.

No solo esto, sino que como mencionamos antes la historia tocaba ciertos temas ‘tabú’ de la época, siendo algunos de los más importantes el de la violencia sexual, el abandono infantil, el suicidio, etc. Aunque algunas partes de la novela quizás no han envejecido tan bien, sigue siendo una historia sorpresivamente moderna.

El tema de inicio

Quizás esta es una de las principales razones por las que los 30 nos están pegando en la memoria, pero todavía nos acordamos de ‘Yo Amo a Paquita Galllego’: su tema de inicio. La canción (que pueden recordar en este enlace). Al igual que muchos de los temas de la época el tema de inicio de la novela es interpretado por Andrés Juan, que interpreta al protagonista de la telenovela. La canción fue creada de manera exclusiva para la Telenovela

Imágenes: Archivo y captura de pantalla

Así que en este jueves de nostalgia decidimos recordar el show con algunos datos clave de Chaotic y, una sorpresa: un lugar secreto (y legal) donde puedes ver la serie en español. 

1: ¿Un isekai con cartas?

La premisa de Chaotic era algo diferente a la de otros juegos de cartas. Al igual que en Yu-Gi-Oh se centra en un juego llamado Chaotic, pero en este caso resulta que el mundo en el que están inspiradas sus criaturas es real y el protagonista ‘viaja’ a él. En esta dimensión puede competir con otras personas que han sido ‘seleccionadas’ gracias a su habilidad con el juego, al mismo tiempo que interactua con los personajes legendarios de este mundo.

¡Ah! Y un último elemento que hacía del show diferente es que para poder utilizar una carta debías escanear al personaje/monstruo en cuestión. Esto hacía que ciertas cartas fueran raras precisamente porque el personaje era más difícil de rastrear. ¡Y luego puedes transformarte en estas criaturas para luchar! Es una extraña mezcla entre Yu-Gi-Oh!, Pokémon Snap y Digimon Frontier.

2: El Chaotic de verdad

Al igual que muchas series de la época, la idea de Chaotic era el crear una historia a partir de un juguete real (Pokémon, Yu-Gi-Oh!, Transformers) en este caso el juego de cartas ‘Chaotic’ de origen danés… aunque modificando al mismo tiempo el TCG y el show para hacer ambos productos mucho más atractivos. 

La principal diferencia de Chaotic con otros juegos estaba en que cada una de sus cartas tenía una combinación de estadisticas diferentes. Al momento en el que se imprimian se creaban ‘sets’ de cartas y de manera aleatoría se cambiban las caracteristicas. Esto quería decir que dos personas podían tener la misma carta de ‘monstruo’, pero ambas cartas no tenían el mismo poder o velocidad. Un concepto bastante único en su momento.

De hecho, y para dar algo de crédito al show, la serie intentó representar las mecánicas del juego lo mejor y más cercano posible. Si omiten la parte en la que los personajes se transforman en monstruos, entrega el sistema de estadísticas que usan, las rarezas de cada carta y el hecho de que son ‘únicas’ junto con una explicación más o menos real del sistema de combate.

3: ¿Recuerdan Flash? Regreso en forma de caricatura

La primera temporada es particularmente memorable debido a que originalmente se animó utilizando flash. Esto le daba una apariencia única y algo ‘brusca’ a los personajes y mundo, pero al mismo tiempo separaba el show del resto de caricaturas.

La temporada 2 y 3, por otro lado, realizaron un cambio a la animación tradicional buscando un look más ‘anime’ que se alineara con los shows más populares de la época.

4: Un divorcio que llevó a la cancelación del show

De manera curiosa, la serie no fue cancelada porque fuera poco popular. Si bien nunca alcanzó el nivel de popularidad que otros de sus pares la serie animada cumplió con uno de sus propósitos: popularizar el juego lo suficiente para que más personas lo compraran.

La verdad es que en este momento la franquicia estaba pasando por un divorcio entre 4Kids, la empresa que tenía la licencia del show, y TC Digital, la empresa que tenía los derechos del juego de cartas. Esto se dio a través de una serie de demandas que buscaban obtener la ‘custodia’ de Chaotic… que terminó por apagar la llama lo suficiente para que terminara en el olvido.

5: Planes para revivir la serie… que no parecen llegar a ningún lado

Desde hace años se está hablando de revivir la serie de Chaotic y traer el juego de cartas de regreso… pero todos estos comentarios están más en el plano de promesas, no de anuncios oficiales. Se habla de un show que sirva como plataforma para continuar el juego de cartas, al mismo tiempo que seguirá la historia donde quedó su tercera temporada… pero no hay nada concreto. Ningún estudio o empresa de juegos que esté comprometida con el retorno de Chaotic.

Y lo cierto es que parece poco probable, al menos mirando cómo el campo de los CCG (los juegos de cartas digitales) se han tomado el mundo con títulos como Hearthstone o incluso TCG tradicionales como Magic the Gathering entrando en el segmento. Lo más único de Chaotic ahora es algo común y el juego no solo tiene que competir con los clásicos, sino con un mercado saturado.

6 – ¡Ver Chaotic en español gratis y en línea!

No… no los vamos a mandar a un enlace spam. Las dos primeras temporadas de ‘Chaotic’, que fueron las que se alcanzaron a doblar para Latinoamérica están disponibles por Internet a través de Pluto TV, un servicio de TV por demanda. Puedes verlas en este enlace.

Por supuesto, tienes cortes comerciales obligatorios y debes desactivar tu bloqueador de anuncios… pero al menos es una alternativa legal para ver el show, en caso que sientas algo de nostalgia.

Imágenes: TC Digital y capturas de pantalla

Así que para todos aquellos que extrañan el medio día con ‘Batracios’ y series familiares… que tenían más bien chistes para adultos les traemos 7 datos clave para recordar Tentaciones.

1: ¿De qué iba Tentaciones?

Para aquellos con mala memoria, aquí una sinopsis: Serafín (Juan Diego Hoyos) es un ángel que cuida a los Iriarte/Rodríguez es una familia de clase media/alta. Pero cuando un demonio aparece para tentar a la familia él realiza una apuesta: si el demonio consigue hacer que la pareja de esposos se divorcie, entonces él tendrá que irse al infierno. La historia entonces se desarrolla con Serafín impidiendo cada semana un nuevo plan y evitando, por los pelos, una caída al infierno.

2: Una diabla nueva cada temporada

Tentaciones en teoría solo tuvo una temporada, pero la serie estuvo dividida en tres partes con diferentes cambios en su elenco. El más importante es el de una nueva diabla que llegaba para intentar romper el matrimonio de los Iriarte/Rodríguez.

La primera ‘diabla’ fue interpretada por Isabella Santodomingo y se llamaba Luz Bella. Su reemplazo (que era un ángel caído) fue Nórida Rodríguez como Salomé. El último demonio que tentó a la familia fue Luz Buenona interpretada por Rosmery Bohórquez.

3: También una esposa diferente

Las diablas no fueron las únicas que cambiaron con frecuencia en el show. Camila Iriarte Holguín de Rodríguez (la esposa de Rafael y una pediatra de alta clase) fue interpretada por tres actrices diferentes: Tania Fálquez, Margarita Durán y María Paulina de Zubiría. 

4: y… el esposo también cambió

Para ser una serie de tan solo 145 episodios Tentaciones tuvo muchos cambios en su elenco. El show inicialmente estaba protagonizado por Karl Troller como Rafael, pero el actor luego pasó a ser reemplazado por Juan Carlos Arango (que es quién es más recordado por el rol). Por cierto, en el show el cambio hizo parte de un plan para ver si Camila se divorciaba de alguien menos… ‘agraciado’. 

5: Tentaciones tuvo un remake… al que le fue terrible

Mucho, mucho, mucho menos memorable es el remake de 2006 llamado ‘Divinas tentaciones’, protagonizado por Inés Oviedo y Mauricio Vélez que fracasó de manera espectacular. De hecho, al show le fue tan mal que es casi imposible cualquier rastro de su existencia en la Internet… este Serafin sí que cayó muy rápido.

¿Quizás una muestra de que quizás la nostalgia no puede funcionar con este tipo de historias?

6: El tema de inicio

Y por supuesto… estaba el tema de inicio que se grabó con el sabor del almuerzo en la cabeza de toda una generación. La versión que escuchamos es una interpretación de la canción ‘El Diablo En Mi’, del cantante italiano Zucchero. El tema que acompañó el show para Colombia fue interpretadó por Karl Troller (que, como mencionamos antes, fue el actor de Rafael al inicio de ‘Tentaciones’).

Imágenes: Montaje ENTER.CO y Caracol

Sin más demora: ¿recuerdan los Motorratones de Marte? Estos son 7 datos para hacerlo:

1: ¿De qué iban los Motorratones de Marte?

La serie inicia cuando nuestro grupo de protagonistas: Throttle, Modo Vinnie y Cooper aterrizan en la tierra después de que su nave sea derribada. Allí conocen a una joven mecánica llamada Charley. Los ratones le revelan que hacen parte de una raza en Marte, pero que debieron abandonar su hogar después de que los Plutorkianos, extraterrestres invasores, minaran su planeta para extraer recursos naturales. Charlie les revela que en la tierra está ocurriendo algo similar y los ratones deciden quedarse para combatir la invasión y evitar que la tierra sufra el mismo destino que Marte.

2: La moda de las Tortugas Ninja

Los Motorratones de Marte fue el producto de la moda que inició la serie animada de las Tortugas Ninja. De repente todos los canales estaban solicitando a sus estudios el crear nuevos shows que tuvieran como protagonistas a ‘mutantes híbridos adolescentes’. En el caso de Latinoamérica solo terminamos recibiendo algunos de estos shows, pero la lista de ‘clones’ de los Motorratones es mucho más extensa. 

3: Mensaje ecológico

Otro de los temas que muchas de las series de los 90 tomarían era un tono ecológico. Caricaturas como ‘Capitán Planeta’ habían demostrado que el concepto podía ser popular y, al mismo tiempo, era una manera de suavizar las quejas de los padres al añadir una lección moral a la historia. Los Motorratones de Marte luchaban contra una corporación galáctica que quería minar los recursos de la tierra sin importar el impacto ambiental de sus acciones… así que el mensaje era bastante directo.

4: Charlie Davidson

Por supuesto, siendo un clon de las Tortugas Ninja la serie tenía que contar con su propia versión de April O’Neal. Lo que muchos pueden no recordar es que su nombre completo era ‘Charlie Davidson’, en una broma poco sutil a la marca de motocicletas Harley Davidson.

Charlie también terminó siendo un personaje mucho más activo dentro del grupo que en otros shows de su época, al menos más en comparación con otras contrapartes de los 90 que funcionaban más como la ‘damisela al rescate’.

5: Asesinos de la semana

La serie, como muchas otras caricaturas de los 90, funcionaba con un formato del ‘monstruo de la semana’. En el caso de los Motorratones la justificación era que el villano contrataba cada semana un nuevo sicario del espacio para lidiar con los ratones o poder cumplir con su plan malvado. La realidad es que el formato servía, principalmente, para vender juguetes.

6: ¿Elon Musk? ¿Eres tú?

El villano de la serie también es bastante único, incluso bajo los estándares modernos. Lawrence Limburger es un Plutarkiano que llegó a la tierra y se ha disfrazado como un exitoso empresario para poder minar los recursos del planeta. Y lo curioso de este villano es que en vez de pintarlo como esta fuerza malvada que quiere destruir el planeta, los Motorratones de Marte lo presentan como un empleado más de una compañía cuyo único interés es poder mantener la posición de poder que tiene actualmente… quién diría que tendríamos este tipo de crítica social en una caricatura de los 90.

7: El regreso de los Motorratones de Marte

¿Sabían que en algún momento salió una secuela de los Motorratones de Marte? Es probable que no. En 2006 se estrenó ‘Los Motorratones de Marte’, como una secuela del show original de los 90. El nuevo show solo contó una temporada e intentó actualizar los diseños de los personajes para ser más cercano a las caricaturas de 2000. Por desgracia el nuevo estilo no pegó y la moda de los adolescentes híbridos había pasado, así que la serie fue cancelada y olvidada mucho más fácil.

Imágenes: Capturas de pantalla

El miércoles de esta semana la PlayStation 2, mejor conocida como la PS2, cumplió 20 años. El 4 de marzo del 2000, la consola salió a la venta en Japón, el 26 de octubre fue lanzada en Norteamérica y el 24 de noviembre en Europa.

La PS2 tiene, para la fecha, el récord como la consola más vendida en la historia, con más de 160 millones de consolas vendidas en el mundo (el segundo lugar lo ocupa la Nintendo DS y el tercero la Game Boy). Pero no es el único récord que tiene, pues también tiene el orgullo de ser la consola con más títulos, con cerca de 3780 juegos en su catálogo. Y la popularidad de la PS2 fue tal que durante un periodo en el que tuvieron problemas con las licencias de las Memory Cards (ya que, como podemos recordar antes de los servicios en la nube, Sony se negaba a permitir la manufacturación de estos cartuchos a otras compañías, de manera que no había opciones de terceros) hubo una falta de estas. Algo que no tiene y no tuvo precedentes en la historia de los videojuegos.

También tiene el récord de ser una de las consolas con mayor tiempo de vida. Hasta el 2013 se seguían produciendo videojuegos para la PS2 (la mayoría de ellos títulos de deportes), dándole soporte a la consola por más de una década. Y, solo hasta 2018, Sony dejó de dar soporte de reparación a la PS2.

Pero, además, fue la predecesora de otras cosas. Por ejemplo, la PS2 fue la primera en tener el servicio de juego en línea. Y, lo mejor, en su momento fue gratis. Por supuesto, para poder jugar era necesario conectar un adaptador que permitía la conexión a Internet (este puerto luego fue agregado a en la versión Slim de la PS2) y la funcionalidad solo era para ciertos juegos. Pero fue el éxito que significó lo que le abrió las puertas para que el servicio fuera establecido por completo en la PS3.

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También fue la primera consola en mantener el concepto de ‘entretenimiento todo en uno’. La PS2 podía reproducir DVD (incluso cuando el formato era relativamente nuevo cuando salió la consola). Y, aunque hoy esto se considera como algo obligatorio, en su momento era verdaderamente revolucionario el pensar que una de estas máquinas podía hacer algo más que servir para jugar videojuegos.

Por supuesto, esta popularidad también trajo una serie de anécdotas interesantes. Por ejemplo, no es secreto que la PS2 fue uno de los mejores productos de su época en términos de software y hardware. Lo que esto llevó fue a una noticia falsa que reclamaba que Sadam Hussein estaba acaparando PS2 en su país para transformarlas en súper computadoras que le permitieran espiar a los Estados Unidos. La historia era ridícula y, por supuesto, no había realmente pruebas para sostenerla. Pero eso no evitó que la historia se replicara. Como resultado, durante un tiempo, Japón puso restricciones a la importación de la PS2 y vigiló de cera sus ventas en el extranjero.

Lo cierto es que la PS2 fue el hogar de algunos de los mejores juegos en la historia: ‘Silent Hill’, ‘Grand Theft Auto III’, ‘God of War II’, ‘Dragon Quest 8’, ‘Shadow of the Colossus’, ‘Prince of Persia: The Sands of Time’, ‘Okami’… por solo mencionar algunos.

La pregunta entonces es ¿Cuál fue su juego favorito de la PS2? Los leemos en los comentarios.

Imágenes: Sony

La serie se emitió en los Estados unidos en Fox (que la produjo) y a Colombia llegó al canal RCN en 1995. Viendo algunos de sus episodios hoy, sorprende que hayan licenciado ‘X-Men’ en nuestro país, considerando lo diferente que era de muchos de los shows en su momento. La primera temporada, por ejemplo, es parte de un arco conectado en el que cada uno de los episodios tiene relación con el anterior y revelan nuevos detalles, al tiempo que usualmente cierran con un misterio. Luego están los temas más oscuros, sociales o incluso el que se atreviera a matar a uno de los miembros del equipo (Morfo) cuando Cíclople decide abandonarlo.

Pero, al igual que ‘Batman’, fue el hecho de que se alejara de las historias infantiles y las adaptaciones ‘familiares’ de los héroes lo que permitió a ‘X-Men’ convertirse en una de las series más emblemáticas de nuestra infancia y uno de los detonantes del boom de súper héroes en los años 90.

El ringtone de nuestra infancia

Si hay algo más memorable que la serie, es su canción original. El tema de entrada, de hecho, fue uno de los puntos más difíciles del equipo de producción por definir, con opciones que iban desde el metal, hasta tonadas más parecidas a las de un comercial. En Latinoamérica contamos con un añadido en él y es la voz que nos adaptó a los nombres latinos de algunos personajes (Rogue como Titania, por ejemplo).

Es fácil entender la razón de que resulte tan pegajosa. Ron Wasserman fue el compositor de la canción. Algunos también lo recordarán gracias a ser la mente detrás de la tonada de la serie original de ‘Power Rangers’.

Lo que muchos no saben es que para Japón se creó una versión más ‘anime’ de la canción de inicio, interpretada por la banda Ambience.

Unas buenas adaptaciones

Una de las cosas que separó a ‘X-Men’ de otras series animadas de héroes en su tiempo, era lo fiel que el programa fue a las historias en los cómics. Entre algunos de sus arcos más memorables estuvo su interpretación de la saga del ‘Fenix’ y ‘Fenix Oscuro’, ‘Días del futuro pasado’,  los orígenes de Logan, y ‘The Legacy Virus’.

La elección de permanecer fiel a los cómics se entiende, considerando que muchos miembros del equipo encargado de los guiones eran fans de la franquicia, incluso contando con la ayuda de ciertas personas que habían trabajado antes dentro de Marvel Cómics.

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También resulta interesante la elección de ciertos personajes. Para el momento en el que la serie se comenzó a producir, los X-Men estaban divididos en dos equipos: el azul y el dorado. La serie animada utilizó como base el primero, conformado originalmente por Cíclope, Wolverine, Titania, Bestia, Gambito, Jubilo y Psylocke (la última siendo removida del equipo para la serie animada). Del equipo dorado tomaron prestadas a Jean Grey y Tormenta.

También se decidió omitir a Kitti Pride (la mutante con la capacidad de atravesar objetos sólidos) lo que resulta interesante pues en su momento era un personaje mucho más importante que Gambito o Jubilo en términos de historia. Por ejemplo, en ‘Days of the future past’ es ella quien viaja al pasado, no Bishop.

Racismo y oscuridad en ‘X-Men’

Hay muchas cosas que le debemos a la serie animada de X-Men de 1992. Por ejemplo, sin ella es muy probable que 20th Century Fox nunca se hubiera animado a traer la trilogía original del equipo  a la pantalla grande (que aunque no es perfecta, pavimentó el asfalto para la era dorada de héroes en la pantalla grande en la que vivimos). Ya mencionamos antes que también fue un elemento que impulsó el boom de series animadas de héroes, demostrando que las historias oscuras podían encajar muy bien con el público adulto y joven. Incluso fue la que terminó impulsando a la creación de ‘Marvel Vs Capcom’ con’ X-Men vs. Street Fighter’, uno de los mejores juegos de pelea de arcade en su época.

Pero también resulta relevante, porque en su adaptación de la historia no olvidó la esencia de lo que hizo a ‘X-Men’ popular en un momento. El hecho de que fuera una metáfora de los problemas sociales y raciales en el mundo, un mensaje codificado sobre unos jóvenes que luchaban contra un sistema que los discriminaba, pero que intentaban luchar contra la intolerancia. Si no me creen, los invito a repetir ‘Día de graduación’, el último episodio de la serie para que vean mi punto.

Imágenes: Fox

Por eso, ahora que estamos en modo nostalgia gracias a la película de ‘Detective Pikachu’, que se estrena este jueves en los cines del mundo, queremos rendir un homenaje corto a la serie animada. De manera más específica, a la primera temporada, la original, esa que introdujo los 150 y Ash Ketchum, el niño que parece incapaz de crecer o ganar algún torneo en su vida.

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“Tengo que ser, siempre el mejor…”

La temporada original de ‘Pokémon’ se extiende por un total de 86 capítulos, que inician con la selección de Ash de Pikachu y terminan después de su derrota en la Liga indigo. En Japón, el anime se comenzó a emitir en 1997. En Latinoamérica no demoró mucho en llegar, haciendo su debut en 1999 a través de Cartoon Network. Para Colombia, la licencia la obtuvo Caracol TV y se comenzó a emitir un poco más tarde, pero ese mismo año.

Al igual que muchos animes de la época, la canción que recordamos es una adaptación a nuestro idioma del opening en japonés. Oscar Roa fue el encargado de interpretar este primer tema y también es el responsable del ‘Poke-rap’.

Hablando del opening, hay un personaje que aparece en él, pero nunca en la serie. Se trata de la chica por la que Pikachu pasa debajo de las piernas. Esta es la versión en el anime de Daisy Oak, la hermana de Gary (el rival del protagonista).

Voces de maestros pokémon

La voz de Ash estuvo a cargo de Gabriel Ramos hasta la quinta temporada, quien también fue la voz de en el doblaje de Ippo Makunoichi (‘Hajime no Ippo’), Gerald Martin en ‘Hey Arnold’, Draco Malfoy en ‘Harry Potter: El Prisionero de Azkaban’ y ‘Harry Potter: y el caliz de fuego’.

Misty estuvo a cargo de Xóchitl Ugarte, que es toda una leyenda en el doblaje, siendo también la voz de Sabrina Spellman en ‘Sabrina: la bruja adolescente’, Brandy Harrington en ‘Las aventuras de Brandy y el Sr. Bigotes’ y Danerys Targaryen en el doblaje de ‘Game of Thrones’.

La voz de Brook en el doblaje pertenece a Gabriel Gama, conocido por ser el monje Miroku en ‘Inuyasha’, Yoh Asakura en ‘Shaman King’ y Maximilian Pegasus en ‘Yugioh!’.

En cuando al equipo Rocket, la voz de Jesse es de Diana Pérez (que fue la tía Hilda en ‘Sabrina’ la bruja adolescente), Jorge Antonio Macias es el responsable de la famosa frase de “Jamesmememes’ (y tal vez lo reconozcan como la voz de Deadpool y Capitan América en los doblajes), mientras que el Gato Meowth fue doblado por Gerardo Vásquez (y también fue la primera voz de Nick Fury en el MCU).

Por cierto, en todos los doblajes la voz de Pikachu se ha dejado intacta, siendo la responsabilidad de Ikue Ōtani.

Las claves de crecer con ‘Pokémon’

Hay un encanto particular en la primera temporada de ‘Pokémon’. Para aquellos que no habían jugado algunos de los títulos, resulta en una buena introducción del mundo de estas criaturas. Lo curioso es que el inicio del viaje de Ash cuenta con algunos de los momentos que terminaron definiendo ciertos chistes, o ciclos que parecen estar presentes en cada temporada.

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Por ejemplo, nuestro protagonista repitió durante mucho tiempo el ritual de conocer a la compañera femenina de turno destruyendo la bicicleta. También nos preparó para el dolor de cabeza de un entrenador que suele liberar siempre a sus compañeros de equipo (en serio ¿cuándo volverá Ash por su Pidgeot?), por no mencionar el momento en el que nos pegó un susto y casi abandona a Pikachu.

Y también está el hecho de que nunca ha ganado un torneo. Cada temporada nos emociona llegando un poco más lejos, pero siempre nos quedamos con las ganas de verlo llevarse un trofeo.

Imágenes: 4Kids Entertainment

Durante 10 temporadas, ‘Friends’ fue el rey indiscutible de la comedia americana. Por eso, su último episodio es tan importante como el primero. ‘The Last One’ (‘El último’, en español) fue el capítulo de dos partes que concluyó el tiempo de Rachel, Ross, Chandler, Monica, Phoebe y Joey en el apartamento que durante una década se convirtió en el hogar de muchas personas (y 15 años después sigue siendo visitado por millones de seguidores). El capítulo se emitió el 6 de mayo de 2004. Es decir que el próximo lunes cumple 15 años de su transmisión original.

Todo un hito, considerando que ese día más de 3.000 personas asistieron a los parques de Nueva York para despedir el show. Aunque el episodio fue visto por 52,5 millones de espectadores, no es el capítulo con más audiencia de ‘Friends’. Este récord lo tiene ‘The One After the Superbowl’ (El de después del ‘Superbowl’) con 52.9 millones de espectadores. De manera curiosa, ese capítulo también es uno de los que tiene más estrellas invitadas, con la participación de Brooke Shields, Chris Isaak, Julia Roberts, Jean-Claude Van Damme, Fred Willard y Dan Castellaneta.

El capítulo en el que todo comenzó

Una de las cosas que hacen de ‘Friends’ una comedia que resulta fabulosa de maratonear es que, desde el primer capítulo, la fórmula no ha fue modificada mucho. Sin duda resulta todo un viaje en el tiempo ver la moda de los 90, las referencias que hoy necesitan una búsqueda en Google o los sutiles cambios que sus personajes tienen a lo largo de la historia. Pero hay cosas que nunca cambian, como el tema de inicio titulado ‘I’ll be there for you’, por la banda ‘The Rembrandts’. De hecho, la popularidad del show llegó a un punto en que esta canción era la más pedida en la radio y sonaba casi todo el día.

Un último dato. Es posible que cuando hables de ‘Friends’ tengas que describir el episodio contando lo que pasó, en vez de usar el nombre oficial. Esto es porque al igual que otros Sitcom, ‘Friends’ no muestra el título durante su emisión. Como una broma interna, cada capítulo sigue esta idea con títulos como ‘El de la nueva novia de Ross’, ‘El de la lista’ o ‘El del sándwich de Ross’. El primer capítulo es el único con dos versiones oficiales: ‘En el que Monica consigue una nueva compañera de habitación’ y ‘En el que todo empezó’.

¿Cuánto ganaban los actores de ‘Friends’?

Como suele ocurrir con los éxitos, la fama que les llegó a las estrellas del show fue una agradable sorpresa. En especial para aquellos que llegaron a la serie buscando un primer gancho. Matt Leblanc, que interpretó a Joey, comenzó la serie con tan solo 11 dólares en su bolsillo. Según cuenta, lo primero que hizo cuando recibió el primer cheque fue comprarse una cena caliente.

Inicialmente, todas las estrellas de ‘Friends’ ganaban por episodio 22.500 dólares. Pero, en la segunda temporada solo Jennifer Aniston y David Schwimmer renegociaron sus contratos para un aumento a 40.000 dólares por episodio. A partir de la tercera temporada todo el grupo de amigos decidió negociar de manera grupal los contratos, de manera que ninguna de las estrellas recibiera una paga menor a los otros. Para la décima temporada los seis protagonistas ganaban un millón de dólares por capítulo.

La magia de ‘Friends’

Podríamos pasar una semana entera hablando de ‘Friends’ y es probable que no cubriéramos cada detalle curioso de esta serie.

Algo que, por ejemplo, la apartó de otras series en su época era la cantidad de estrellas que la serie lograba reclutar para sus historias. Algunos de estos cameos eran pequeños, otros ocupaban capítulos enteros. Lo cierto es que para las estrellas de películas era un honor estar en una serie de TV.

Uno de mis favoritos ocurre en ‘The One with the Ultimate Fighting Champion’, durante la tercera temporada. Se trata de uno corto, que ocurre al inicio del capítulo cuando Billy Crystal y Robin Williams ingresan a la cafetería.

Esta aparición no fue planeada dentro del libreto. Ambos actores, por coincidencia, estaban en el mismo edificio donde se grababa la serie. Los escritores, aprovecharon la oportunidad para preguntar a ambos si estaban interesados en hacer un cameo y ese mismo día se grabó su participación. Por supuesto, sin estar preparados, Crystal y Williams tuvieron que improvisar (algo en lo que ambos tenían experiencia) la conversación, incluyendo la respuesta a la interrupción de Joey (que no estaba en el guion).

Por 15 años de amigos, peleas por si Ross y Rachel estaban en un “break”, ejercicios de Unagi e intentos fallidos de conquistar usando la línea de “how u doing”, los invitamos a que salgan hoy, vayan a su café favorito y se sienten a tener una conversación como las que vimos muchos años atrás en ‘Central Perk’.

Imágenes: IMBD

Pero este domingo también se celebró otro aniversario, un poco anterior. El juego de cacería más famoso (y un poco frustrante) del mundo cumplió 35 años. Desarrollado por Nintendo para la Nintendo Entertaiment System (NES) fue uno de los primeros juegos que se lanzaron para la máquina de la compañía japonesa.

Refrescando la memoria de los cazadores

Para aquellos con menos memoria, ‘Duck Hunt’ es un juego de disparos en el que el objetivo es acertar a objetivos en la pantalla. El título clásico cuenta con tres modos. El primero y el segundo tienen como objetivos patos, siendo la diferencia el número de aves que aparece en la pantalla. El modo tres cambia los blancos por discos. En todos los modos de juego hay tres disparos por nivel y se debe acertar un número de blancos para pasar al siguiente. El máximo al que puede llegar un jugador es el nivel 0 o 100, en el que los patos se mueven a altas velocidades y es imposible matarlos.

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El título se jugaba usando una Nintendo Zapper y disparando a la pantalla, apuntando a los objetivos en ella. Si se acertaba, se sabía gracias al perro que aparecía y felicitaba al jugador. Cuando fallaba, el can salía de los matorrales para burlarse del jugador. Por supuesto, a mayor distancia más complicado era acertar, pero esto también dio lugar a la más famosa trampa que era apuntar y disparara con la pistola pegada a la pantalla de la TV.

¡Magnum o revólver!

‘Duck Hunt’ es recordado por varías cosas. Pero el elemento que lo hizo inmortal fue la pistola que servía como control para apuntar y jugar. Este accesorio se llama Nintendo Zapper y se trata de una pistola de luz.

Como dato curioso, la versión original de la Nintendo Zapper era muy similar a un revolver. Sin embargo, cuando la pistola fue llevada a Norteamerica su diseño fue modificado para que pareciera menos realista, siendo más cercana a una pistola de ciencia ficción. El diseño que muchos tuvieron seguramente era de varios tonos de gris, pero versiones que le siguieron lo cambiaron a un naranja.

El funcionamiento de la pistola es similar al de una cámara. Nos explicamos. Si prestan atención, al momento de disparar la pantalla se pone por completo negra. Luego regresan las imágenes y de nuevo se pone por completo blanca, con solo un fragmento negro en donde se detectó el disparo.

Ya sea que este título fuera tu primer acercamiento a los shooter, la causa de que tu mamá te gritara que te ibas a quedar ciego por andar pegado a la TV o tu main en Super Smash Bros, ‘Duck Hunt’ es nostalgia pura y de la buena.

Imágenes: Nintendo.

Tal vez muchos no lo saben o no lo recuerdan, pero el primer Estéreo Picnic fue muy diferente a los últimos que hemos vivido. De hecho, después de obtener más pérdidas que ganancias en el 2012, el festival estuvo a punto de no volverse a hacer. Ahora, que se cumplen 10 años del primer festival, muchas de las grandes bandas que hemos tenido en escena repiten, para recordarnos todo lo bueno que ha traído, así como nosotros te lo recordamos a continuación:

Algunos datos del primer festival Estéreo Picnic

El primer Estéreo Picnic se hizo en Zona F, un parque ubicado en la calle 213 con carrera 54, y asistieron 2.500 personas. El festival era de solo un día y los artistas que participaron fueron  Matisyahu, 2manydjs, Instituto Mexicano del Sonido, Bomba Estéreo, Palenke Soul Tribe, Superlitio, The Hall Effect y Alerta. En Internet todavía podemos encontrar algunos videos de las presentaciones:

Este fue el primer póster oficial del Estéreo Picnic.

El segundo Estéreo Picnic estalló con Calle 13

En el 2011 hubo un cartel principalmente colombiano, con artistas como ChocQuibTown, Providencia, Jiggy Drama, V For Volume, The Mills, Ciegossordomudos y Monsieur Perine, entre otros). Pero uno de los invitados más importantes del festival fue Calle 13, de Puerto Rico, que prendió al público con sus canciones ‘¡Atrevete-te-te!’, ‘Electromovimiento’ y ‘Fiesta de locos’, entre otras. También hubo otros grandes nombres internacionales de diferentes géneros, como The Presets, Lee Scratch Perry y Zoé. El cartel oficial del Estéreo Picnic lucía como se ve a continuación.

2012 casi, casi acaba con el festival

La tercera entrega del festival trajo un cartel más amplio, plagado de nombres muy conocidos, tanto nacionales como internacionales: MGMT, Caifanes, TV on the Radio, Cassius, Gentleman, Tinie Tempah, Yuksek, Los Amigos Invisibles, Tres Coronas, Denver, Toy Selectah, Systema Solar, Monsieur Periné, Superlitio, Crew Peligrosos, SoundaCity, La Maquina del Caribe, De Bruces a Mí, Planes, Globos de Aire, Copyright, Resina Lala y Armando Quest.

Pero, incluso con Caifanes, Systema Solar, Amigos invisibles y Superlitio en escena, el festival tuvo pérdidas y sus organizadores pensaron en no tener una cuarta edición. El cartel de este año tenía un estilo vintage.

2013, el Estéreo Picnic crece

En el 2013, además de contar con la presencia de muy grandes nombres como The Killers, Café Tacvba, Foals, Major Lazer, Steve Aoki y Two Door Cinema Club, el festival se realizó durante dos días y cambió de sede al parque deportivo de la calle 222. Gracias a The Killers, la asistencia también rompió récords, en comparación con las ediciones anteriores, con 25.000 personas. Por primera vez el festival dio ganancias. Este fue el cartel del 2013:

2014, tres días de Estéreo Picnic

En el 2014, el festival se extendió por tres días y tuvo una cartelera épica. Por si no lo recuerdan, este fue el cartel y las bandas que participaron este año, con nombres inmensos como Red Hot Chilli Peppers, Nine Inch Nails, Los Fabulosos Cadillacs, Pixies, Julian Casablancas, The Wailers, Cultura Profética, Portugal, The Man, Empire of the Sun y Jovanotti, entre otros.

2015, el festival Estéreo Picnic de talla internacional

Gracias al éxito del 2014, el Estéreo Picnic se convierte en un festival reconocido en la región, con artistas internacionales y una oferta única. Son particularmente memorables los conciertos de Kings of Leon, Jack White, Foster the People, Kasabian, Damian Marley, Major Lazer, Alt-J, The Kooks, Los Amigos Invisibles, Chet Faker, Crew Los Peligrosos y, claro, Calvin Harris.

2016, el primer gran artista de rap del FEP

En 2016 ya el Estéreo Picnic estaba consolidado y, por eso, se dio el lujo de traer al mismísimo Snopp Dogg, que no venía solo, estaba acompañado de muchas de las bandas del momento y de toda la vida, como Mumford & Sons, Die Antwoord (que estaban en su mejor momento), Noel Gallagher, Tame Impala, Seeed, Alabama Shakes, Jungle y Of Monsters and Men, entre otros.

2017, el Lollapalooza que nunca fue

Justo después del Estéreo Picnic 2016, se anunció un Lollapalooza para ese mismo año, con un cartel de lujo que incluía a Wiz Khalifa, The Chainsmokers, Cage the Elephants, Vance Joy y Lana del Rey. El artista principal era una sorpresa, que nunca se dio y finalmente cancelaron el evento, que igual nos dio un gran Estéreo Picnic 2017, porque muchos de esos artistas los heredaron (sin Lana del Rey) y le sumaron a Two Door Cinema Club (que repetía), The XX, Martin Garrix, The Weeknd y The Strokes, que dieron un gran momento musical.

2018, un grande repite

Al siguiente año sí vino Lana del Rey, pero, además, The Killers repitió, cinco años después, con un show increíble, con baterista invitado del público y todo. Sin embargo, pocos olvidaremos a Gorillaz, que venía por primera vez a Colombia. También tuvimos a los grandes de LCD Soundsystem, Zoe repitió, DJ Snake cerró una gran fiesta que también tuvo a Metronomy, Milky Chance, The Neigbourhood y The National, entre otros.

Imágenes: Estéreo Picnic