¿Qué vamos a hacer esta noche Cerebro? Dicen que esa idea de que el pasado siempre fue mejor está equivocada… pero vaya sí que teníamos televisión de calidad en los años 90. De hecho, una de esas series que parece haber mejorado con el paso del tiempo es ‘Animaniacs’ (o ‘Animanía’, como se dobló para nuestra región). La serie animada de Warner Brothers y creada por Steven Spielberg, es una de esas comedias que de pequeño resultaban divertidas por el solo hecho de la locura de sus personajes, pero de adultos cobra un nuevo sentido al entender algunos de sus chistes más adultos.

Para celebrar su aniversario número 27, Hulu presentó el primer adelanto del reboot de ‘Animaniacs’ en el que ha estado trabajando. Aunque el adelanto se centra en presentar a los actores de doblaje de la versión original que regresan, también nos presenta el arte de esta nueva versión que para el alivio de los más nostálgicos no parece haber cambiado mucho del diseño. Más importante, también entrega una fecha de estreno: en noviembre de 2020 Yakko, Wakko, y Dot, junto con Pinky y Cerebro, regresan a las pantallas chicas.

🎉 HAPPY BIRTHDAY ANIMANIACS! 🎉

To celebrate the 27th anniversary of the original series premiere, we’re giving you a special behind-the-scenes look of your favorite voice cast at work.

Stream brand new episodes of #Animaniacs on November 20th, only on Hulu! pic.twitter.com/CQSIQo1lq2

— Hulu (@hulu) September 13, 2020

En el caso de Colombia, Animaniacs se comenzó a emitir en 1994 en Caracol Televisión. Para nuestra región el doblaje de las voces estuvo a cargo de Rafael Monsalve (Yakko), Giset Blanco (Wakko) y Elena Prieto (Dot).

Por otro lado la emblemática voz de Cerebro fue interpretada por Orlando Noguera Marrón (quien además es la voz de Superman en la serie animada, además de Cosmo para ‘Los Padrinos mágicos’), mientras que Frank Carreño interpretó a su adorable compañero, Pinky.

Para apreciar algo del talento y humor de esta serie, les dejamos un clásico de ayer y hoy: Yakko cantando todos los países del mundo:

En el caso de Colombia, no hay manera de saber si ‘Animaniacs’ llegará en algún momento a Colombia o Latinoamérica. Por ahora no tenemos acceso a Hulu, pero algunas de sus series han llegado a nosotros a través de otros servicios. También es importante recordar que Disney ahora tiene una porción mayoritaria de Hulu, por lo que podría negociar para que los derechos de distribución internacional pertenezcan a Disney+, brindando una opción legal para poder ver la serie en nuestro país. También

Imágenes: Hulu

La serie se emitió en los Estados unidos en Fox (que la produjo) y a Colombia llegó al canal RCN en 1995. Viendo algunos de sus episodios hoy, sorprende que hayan licenciado ‘X-Men’ en nuestro país, considerando lo diferente que era de muchos de los shows en su momento. La primera temporada, por ejemplo, es parte de un arco conectado en el que cada uno de los episodios tiene relación con el anterior y revelan nuevos detalles, al tiempo que usualmente cierran con un misterio. Luego están los temas más oscuros, sociales o incluso el que se atreviera a matar a uno de los miembros del equipo (Morfo) cuando Cíclople decide abandonarlo.

Pero, al igual que ‘Batman’, fue el hecho de que se alejara de las historias infantiles y las adaptaciones ‘familiares’ de los héroes lo que permitió a ‘X-Men’ convertirse en una de las series más emblemáticas de nuestra infancia y uno de los detonantes del boom de súper héroes en los años 90.

El ringtone de nuestra infancia

Si hay algo más memorable que la serie, es su canción original. El tema de entrada, de hecho, fue uno de los puntos más difíciles del equipo de producción por definir, con opciones que iban desde el metal, hasta tonadas más parecidas a las de un comercial. En Latinoamérica contamos con un añadido en él y es la voz que nos adaptó a los nombres latinos de algunos personajes (Rogue como Titania, por ejemplo).

Es fácil entender la razón de que resulte tan pegajosa. Ron Wasserman fue el compositor de la canción. Algunos también lo recordarán gracias a ser la mente detrás de la tonada de la serie original de ‘Power Rangers’.

Lo que muchos no saben es que para Japón se creó una versión más ‘anime’ de la canción de inicio, interpretada por la banda Ambience.

Unas buenas adaptaciones

Una de las cosas que separó a ‘X-Men’ de otras series animadas de héroes en su tiempo, era lo fiel que el programa fue a las historias en los cómics. Entre algunos de sus arcos más memorables estuvo su interpretación de la saga del ‘Fenix’ y ‘Fenix Oscuro’, ‘Días del futuro pasado’,  los orígenes de Logan, y ‘The Legacy Virus’.

La elección de permanecer fiel a los cómics se entiende, considerando que muchos miembros del equipo encargado de los guiones eran fans de la franquicia, incluso contando con la ayuda de ciertas personas que habían trabajado antes dentro de Marvel Cómics.

Te puede interesar: Marvel estaría trabajando en película de ‘Avengers Vs X-Men’

También resulta interesante la elección de ciertos personajes. Para el momento en el que la serie se comenzó a producir, los X-Men estaban divididos en dos equipos: el azul y el dorado. La serie animada utilizó como base el primero, conformado originalmente por Cíclope, Wolverine, Titania, Bestia, Gambito, Jubilo y Psylocke (la última siendo removida del equipo para la serie animada). Del equipo dorado tomaron prestadas a Jean Grey y Tormenta.

También se decidió omitir a Kitti Pride (la mutante con la capacidad de atravesar objetos sólidos) lo que resulta interesante pues en su momento era un personaje mucho más importante que Gambito o Jubilo en términos de historia. Por ejemplo, en ‘Days of the future past’ es ella quien viaja al pasado, no Bishop.

Racismo y oscuridad en ‘X-Men’

Hay muchas cosas que le debemos a la serie animada de X-Men de 1992. Por ejemplo, sin ella es muy probable que 20th Century Fox nunca se hubiera animado a traer la trilogía original del equipo  a la pantalla grande (que aunque no es perfecta, pavimentó el asfalto para la era dorada de héroes en la pantalla grande en la que vivimos). Ya mencionamos antes que también fue un elemento que impulsó el boom de series animadas de héroes, demostrando que las historias oscuras podían encajar muy bien con el público adulto y joven. Incluso fue la que terminó impulsando a la creación de ‘Marvel Vs Capcom’ con’ X-Men vs. Street Fighter’, uno de los mejores juegos de pelea de arcade en su época.

Pero también resulta relevante, porque en su adaptación de la historia no olvidó la esencia de lo que hizo a ‘X-Men’ popular en un momento. El hecho de que fuera una metáfora de los problemas sociales y raciales en el mundo, un mensaje codificado sobre unos jóvenes que luchaban contra un sistema que los discriminaba, pero que intentaban luchar contra la intolerancia. Si no me creen, los invito a repetir ‘Día de graduación’, el último episodio de la serie para que vean mi punto.

Imágenes: Fox

Durante 10 temporadas, ‘Friends’ fue el rey indiscutible de la comedia americana. Por eso, su último episodio es tan importante como el primero. ‘The Last One’ (‘El último’, en español) fue el capítulo de dos partes que concluyó el tiempo de Rachel, Ross, Chandler, Monica, Phoebe y Joey en el apartamento que durante una década se convirtió en el hogar de muchas personas (y 15 años después sigue siendo visitado por millones de seguidores). El capítulo se emitió el 6 de mayo de 2004. Es decir que el próximo lunes cumple 15 años de su transmisión original.

Todo un hito, considerando que ese día más de 3.000 personas asistieron a los parques de Nueva York para despedir el show. Aunque el episodio fue visto por 52,5 millones de espectadores, no es el capítulo con más audiencia de ‘Friends’. Este récord lo tiene ‘The One After the Superbowl’ (El de después del ‘Superbowl’) con 52.9 millones de espectadores. De manera curiosa, ese capítulo también es uno de los que tiene más estrellas invitadas, con la participación de Brooke Shields, Chris Isaak, Julia Roberts, Jean-Claude Van Damme, Fred Willard y Dan Castellaneta.

El capítulo en el que todo comenzó

Una de las cosas que hacen de ‘Friends’ una comedia que resulta fabulosa de maratonear es que, desde el primer capítulo, la fórmula no ha fue modificada mucho. Sin duda resulta todo un viaje en el tiempo ver la moda de los 90, las referencias que hoy necesitan una búsqueda en Google o los sutiles cambios que sus personajes tienen a lo largo de la historia. Pero hay cosas que nunca cambian, como el tema de inicio titulado ‘I’ll be there for you’, por la banda ‘The Rembrandts’. De hecho, la popularidad del show llegó a un punto en que esta canción era la más pedida en la radio y sonaba casi todo el día.

Un último dato. Es posible que cuando hables de ‘Friends’ tengas que describir el episodio contando lo que pasó, en vez de usar el nombre oficial. Esto es porque al igual que otros Sitcom, ‘Friends’ no muestra el título durante su emisión. Como una broma interna, cada capítulo sigue esta idea con títulos como ‘El de la nueva novia de Ross’, ‘El de la lista’ o ‘El del sándwich de Ross’. El primer capítulo es el único con dos versiones oficiales: ‘En el que Monica consigue una nueva compañera de habitación’ y ‘En el que todo empezó’.

¿Cuánto ganaban los actores de ‘Friends’?

Como suele ocurrir con los éxitos, la fama que les llegó a las estrellas del show fue una agradable sorpresa. En especial para aquellos que llegaron a la serie buscando un primer gancho. Matt Leblanc, que interpretó a Joey, comenzó la serie con tan solo 11 dólares en su bolsillo. Según cuenta, lo primero que hizo cuando recibió el primer cheque fue comprarse una cena caliente.

Inicialmente, todas las estrellas de ‘Friends’ ganaban por episodio 22.500 dólares. Pero, en la segunda temporada solo Jennifer Aniston y David Schwimmer renegociaron sus contratos para un aumento a 40.000 dólares por episodio. A partir de la tercera temporada todo el grupo de amigos decidió negociar de manera grupal los contratos, de manera que ninguna de las estrellas recibiera una paga menor a los otros. Para la décima temporada los seis protagonistas ganaban un millón de dólares por capítulo.

La magia de ‘Friends’

Podríamos pasar una semana entera hablando de ‘Friends’ y es probable que no cubriéramos cada detalle curioso de esta serie.

Algo que, por ejemplo, la apartó de otras series en su época era la cantidad de estrellas que la serie lograba reclutar para sus historias. Algunos de estos cameos eran pequeños, otros ocupaban capítulos enteros. Lo cierto es que para las estrellas de películas era un honor estar en una serie de TV.

Uno de mis favoritos ocurre en ‘The One with the Ultimate Fighting Champion’, durante la tercera temporada. Se trata de uno corto, que ocurre al inicio del capítulo cuando Billy Crystal y Robin Williams ingresan a la cafetería.

Esta aparición no fue planeada dentro del libreto. Ambos actores, por coincidencia, estaban en el mismo edificio donde se grababa la serie. Los escritores, aprovecharon la oportunidad para preguntar a ambos si estaban interesados en hacer un cameo y ese mismo día se grabó su participación. Por supuesto, sin estar preparados, Crystal y Williams tuvieron que improvisar (algo en lo que ambos tenían experiencia) la conversación, incluyendo la respuesta a la interrupción de Joey (que no estaba en el guion).

Por 15 años de amigos, peleas por si Ross y Rachel estaban en un “break”, ejercicios de Unagi e intentos fallidos de conquistar usando la línea de “how u doing”, los invitamos a que salgan hoy, vayan a su café favorito y se sienten a tener una conversación como las que vimos muchos años atrás en ‘Central Perk’.

Imágenes: IMBD

Pero este domingo también se celebró otro aniversario, un poco anterior. El juego de cacería más famoso (y un poco frustrante) del mundo cumplió 35 años. Desarrollado por Nintendo para la Nintendo Entertaiment System (NES) fue uno de los primeros juegos que se lanzaron para la máquina de la compañía japonesa.

Refrescando la memoria de los cazadores

Para aquellos con menos memoria, ‘Duck Hunt’ es un juego de disparos en el que el objetivo es acertar a objetivos en la pantalla. El título clásico cuenta con tres modos. El primero y el segundo tienen como objetivos patos, siendo la diferencia el número de aves que aparece en la pantalla. El modo tres cambia los blancos por discos. En todos los modos de juego hay tres disparos por nivel y se debe acertar un número de blancos para pasar al siguiente. El máximo al que puede llegar un jugador es el nivel 0 o 100, en el que los patos se mueven a altas velocidades y es imposible matarlos.

Te puede interesar: [#TBT] Nostalgia de años atrás: ‘Caballeros del Zodiaco’

El título se jugaba usando una Nintendo Zapper y disparando a la pantalla, apuntando a los objetivos en ella. Si se acertaba, se sabía gracias al perro que aparecía y felicitaba al jugador. Cuando fallaba, el can salía de los matorrales para burlarse del jugador. Por supuesto, a mayor distancia más complicado era acertar, pero esto también dio lugar a la más famosa trampa que era apuntar y disparara con la pistola pegada a la pantalla de la TV.

¡Magnum o revólver!

‘Duck Hunt’ es recordado por varías cosas. Pero el elemento que lo hizo inmortal fue la pistola que servía como control para apuntar y jugar. Este accesorio se llama Nintendo Zapper y se trata de una pistola de luz.

Como dato curioso, la versión original de la Nintendo Zapper era muy similar a un revolver. Sin embargo, cuando la pistola fue llevada a Norteamerica su diseño fue modificado para que pareciera menos realista, siendo más cercana a una pistola de ciencia ficción. El diseño que muchos tuvieron seguramente era de varios tonos de gris, pero versiones que le siguieron lo cambiaron a un naranja.

El funcionamiento de la pistola es similar al de una cámara. Nos explicamos. Si prestan atención, al momento de disparar la pantalla se pone por completo negra. Luego regresan las imágenes y de nuevo se pone por completo blanca, con solo un fragmento negro en donde se detectó el disparo.

Ya sea que este título fuera tu primer acercamiento a los shooter, la causa de que tu mamá te gritara que te ibas a quedar ciego por andar pegado a la TV o tu main en Super Smash Bros, ‘Duck Hunt’ es nostalgia pura y de la buena.

Imágenes: Nintendo.

Otra anécdota que uno se encuentra sobre la pasión del nobel ha sido titulada por varios portales como “el día en que Gabo rescató ‘La estrategia del caracol’”. Sergio Cabrera, director de la película, confesó que García Márquez estuvo enamorado de la idea de un grupo de personas que se trasteaban su casa entera. Tres años después de grabada, cuando el metraje se estaba llenando de polvo en una bodega porque a Cabrera se le había acabado el dinero, Gabo vio el material y ese mismo día le ofreció toda la ayuda para que llegara a las salas de cine.

Gabo y el cine son dos ideas inseparables. Como los Buendía y Macondo, los coroneles y sus gallos o el cólera y los primeros amores. Ayer (martes 6 de marzo), el nobel habría cumplido años; esto y el anuncio de Netflix de llevar ‘Cien años de soledad a la pantalla’ nos dan una buena excusa para seguir hablando de su historia en el cine y la televisión.

La historia de las adaptaciones de Gabo

Adaptar una novela ya de por sí es un reto. Pero cuando uno le suma el realismo mágico de García Márquez, es difícil imaginar cómo traspasar el lenguaje del nobel al lente de una cámara. Esto no quiere decir que directores y productores no lo intentaran.

Unos de los primeros intentos se hicieron en 1987, cuando el director Francesco Rosi adaptó ‘Crónica de una muerte anunciada’, que estuvo protagonizada por Rupert Everett, Ornella Muti, Gian Maria Volonté, Irene Papas, Lucía Bosé y Anthony Delon.

Te puede interesar: Netflix producirá una serie de ‘Cien años de soledad’

En 1999 el director Arturo Ripstein filmó su versión de ‘El Coronel no tiene quién le escriba’, protagonizada por Fernando Luján, Marisa Paredes, Salma Hayek y Rafael Inclán. Una cinta más reciente es la versión de ‘El Amor y otros demonios’ dirigida por la costarricense Hilda Hidalgo, que se estrenó en 2010.

Quizás la que más fresca está en la memoria de muchos fue la interpretación de del director británico Mike Newell de ‘El amor en los tiempos del cólera’, que se pensó como una adaptación para Hollywood en vez de una cinta más regional. Entre algunas de las cosas por las que la cinta es recordada es por contar con el talento de Javier Bardem, Giovanna Mezzogiorno, John Leguizamo, Catalina Sandino (recordada por su nominación al Óscar gracias a ‘María llena eres de gracia’) y Benjamin Bratt.

Gabo también gustaba de adaptar a otros

El nobel no solo disfrutaba ver las películas, sino que también escribía guiones. Como usualmente uno jamás es profeta en su propia tierra, Gabo fue un escritor prolífico para proyectos audiovisuales en México. Allí se encargó de participar (aunque bajo un seudónimo) en ‘El gallo de oro’ (1964), de Roberto Gavaldón y ‘Tiempo de morir’ (1966), de Arturo Ripstein.

También metió la mano en los libretos de ‘En este pueblo no hay ladrones’ (1965), ‘Patsy, mi amor’ (1968), ‘Presagio’ (1974), ‘María de mi corazón’ (1979) y ‘El año de la peste’ (1979).

A modo personal, una de esas cintas sorpresa que vine a descubrir que tenían la firma de Gabo años después fue ‘Milagro en Roma’, una cinta de 1988. La película cuenta con el talento colombiano de Frank Ramírez, que interpreta al padre de una niña que fallece, pero cuyo cuerpo, años después, sigue por completo intacto. Así que este oficinista viaja hasta Roma para pedirle al Papa que la santifique. Aquellos que son lectores asiduos de Garcia Marquez reconocerán esta misma historia como ‘La santa’, uno de los relatos en ’12 Cuentos Peregrinos’.

Así es, Gabo se adaptó seis años antes de que su compilación se publicara.

Imágenes: 20th Century Fox.

Lo traigo para este TBT porque esta semana se estrenó la nueva temporada de La Tele Letal por el canal Red+ de Claro. Este show (que merece su propio artículo) fue la inspiración para ‘El Siguiente Programa’, la serie animada que tiene como protagonistas a una versión caricaturesca de Martín de Francisco y Santiago Moure.

‘El Siguiente Programa’ se estrenó el 29 de octubre de 1997 a través de Canal A (¿siquiera recordaban ustedes al pobre Canal A?) y luego se transmitió a través de Canal 1 hasta el 2000. La serie contó con un total de cuatro temporadas y 113 capítulos. De estos episodios, 21 no tienen una historia, sino que están dedicados a una crítica a programas y shows en la TV.

Chibchombia: cualquier parecido con la realidad, es obvia coincidencia

La historia del ‘El Siguiente Programa’ está ubicada en el país ‘ficticio’ de Chibchombia. Moure y de Francisco dan voces a sus versiones en esta grotesca (pero deprimentemente cercana) versión de nuestro país como dos locutores de la estación de radio PQEK (esos chistes que uno no agarraba de pequeño).

Te puede interesar: [#TBT] Nostalgia de años atrás: ‘Caballeros del Zodiaco’

La serie animada tenía como blanco de burlas a Colombia en general. A menudo se encargaban de ridiculizar a la farándula del país. Al igual que series como ‘South Park’, creaba versiones de personajes reales como La Negra Panela, Billy Tontoni (y su correspondiente gallinazo), George Barón, Jartos Antonio Vélez, Yamid Odiat, Amparo Grisuelas, Julio Soacha Crísto, El Tino Shprilla (que siempre se anunciaba disparando al aire), Claudia Guriguri… la lista es extensa.

Por supuesto, los presidentes no eran la excepción. Uno de los personajes recurrentes era el Presidente Andrés Patraña. El mandatario era representado como un niño en la Casa de Nariño, usualmente embobado mientras jugaba y proponía que los Power Rangers se enfrentara a la guerrilla.

Un análisis de por qué nos comió el marrano

‘El Siguiente Programa’ es memorable no solo por sus parodias, sino por el humor negro con el que tocaba algunos de los problemas endémicos de nuestro país. Con el pesimismo y cinismo de sus protagonistas, se ofrecía a menudo una comprensión lógica de la razón por la que, en palabras de Moure y de Francisco (de caricatura) “el mayor acto de patriotismo de sus habitantes es marchar hacia el mar y morir ahogados, dando paso a una mejor gente para que pueble estas tierras”.

No había tema sagrado para ‘El Siguiente Programa’ y cómo entregaba estas ideas era igual de entretenido. En un capítulo el país crea una agencia de turismo para que los extranjeros sientan la experiencia de un país del cuarto mundo (robo e indigestión incluidas). En otro exploran la larga historia de fallas y decepciones de Chibchombia en el fútbol. Hay uno favorito en el que incluso viajan a una dimensión alterna en la que los ingleses rompen el asedio a Cartagena y nos convertimos en una colonia del Reino Unido.

¿Por qué se acabó ‘El Siguiente Programa’? Por Iguazos

Quizás los protagonistas de ‘El Siguiente Programa’ responderían a esta pregunta con su particular sentido del humor de la siguiente manera: “Al igual que toda buena intención en un país mal hecho cuya única tradición son los errores, cualquier empeño por educar está destinado al fracaso’.

Te puede interesar: [#TBT] Nostalgia de años atrás: ‘Hombres de Honor’

Originalmente la serie animada tuvo mucho éxito. Sin embargo, en 1998 entraron en el juego de la TV Nacional los canales privados y esta competencia puso en crisis las productoras vinculadas a el Canal A. En 2000, Cenpro TV tuvo que ceder los espacios en concesión, entre los que se encontraba ‘El Siguiente Programa’ (no sorprende que la serie represente al presidente de presidente de Garracol casi como un animal rabioso).

La serie intentó regresar varias veces a la TV. Primero por NTC Televisión a las 11 de la noche y luego nuevamente por Canal A. Pero en ninguno los dos casos logró el impulso necesario para mantenerse. La principal razón estaba en su formato. Al ser una serie animada, resultaba mucho más costoso y demorado el producirla, al menos en comparación con otros productos de la época.

¡Sobre la ‘Tele Letal’!

Como mencionamos antes, desde el lunes de esta semana se estrenó la nueva temporada de la ‘Tele Letal’, si quieren, el papá malgeniado de ‘El Siguiente Programa’. La serie se está emitiendo por el canal Red+ de Claro en su horario habitual, de 9:00 p.m. a 10:00 p.m. y con repetición los domingos a las 10:00 de la noche.

Si necesitan alguna pista sobre el tono de esta serie, les dejamos esta inspiradora cita de Martín de Francisco que comentó sobre su regreso: “Esperamos que esta nueva temporada sea más triste, más deprimente y más ignominiosa. Recargaremos más trabajo en Doña Anciana, para que tenga más participación, más informes y se encargue más.

Imágenes: YouTube y captura de pantalla

Para aquellos muy pequeños, ‘Hombres de Honor’ fue una serie producida en colaboración con el Ejército Nacional de Colombia. La serie se emitió originalmente en Canal Uno desde 1995 al año 2000, con retransmisiones frecuentes hasta 2017. Su primer capítulo se llamó ‘Un nuevo amanecer’ y el último ‘Entre la vida y la muerte’.  Es, además, una de las series que se trabajaron en temporadas, con cuatro tandas de capítulos y un total de 156 episodios.

Soldados actores

Debido a que la serie fue creada en colaboración con el Ejército, Canal Uno y Fox Telecolombia y Teleset contaron con el apoyo de las Fuerzas Armadas. Una de las cosas que hicieron fue asignar a una unidad para que ayudara, no solo como fuente de información y extras, sino incluso para interpretar personajes principales dentro de la historia. Uno de los recordados es el suboficial Henry Dulce, que se convirtió en uno de los principales rostros dentro de la historia.

En una entrevista para el portal Semana, Dulce comenta que inicialmente no le agradó mucho la orden de sus superiores. “Nos seleccionaron de diferentes unidades, para ese entonces era instructor de la Escuela de Lanceros en Tolemaida, acababa de llegar de un curso en los Estados Unidos y realmente no concebía cómo un comando pasara a la televisión de un momento a otro y siendo un instructor. Al principio para ser sincero, no me gustó mucho la idea, porque tenía otro rol dentro del Ejército”, afirmó.

De hecho, en retrospectiva resulta muy interesante (y por momentos divertido) regresar a esos episodios y redescubrir la cantidad de soldados que tenían papeles menores y obviamente estaban haciendo su mejor esfuerzo por actuar.

Actores colombianos y hombres de honor

La lista de actores que pasaron por ‘Hombres de Honor’ está llena de nombres de veteranos y estrellas en ascenso. Andrés Felipe Martínez interpretó al capitán Bermúdez y luego fue remplazado por Juan Carlos Gutiérrez (el Capitán Rivera), que luego pasó el liderazgo a Andy Martínez (el capitán Toro).

Esto por solo mencionar a algunos otros actores de su elenco: Andrea Vázquez, Juan Carlos Trujillo, Mauricio Guerrero, Carolina Patiño, Javier Sáenz, Héctor Cruz, Daniel Ochoa, Oscar Borda, Jorge López, Horacio Tavera, Hernán Alzate…

Te puede interesar: [#TBT] Nostalgia de años atrás: ‘Caballeros del Zodiaco’

Valentía muerte y propaganda

Si puedo recomendarles, sugiero que se peguen un regreso a ‘Hombres de Honor’ 19 años después. Aunque recordaba que ver la serie era uno de esos rituales de familia todos los sábados, a diferencia de otros productos de la época eran pocos los detalles que tenía de su tono e historia.

Es uno de esos viajes en el tiempo que resultan interesantes y divertidos. En retrospectiva, era claro cuál era el propósito de la serie: vender una imagen positiva sobre el Ejército Nacional. El grupo de soldados en cada capítulo se enfrentaba a alguna amenaza, actuaba con valor y decisión y ayudaba a la población en peligro. También me llamó la atención la cantidad de muertes en la historia (la mayoría en algún sacrificio o atentado por parte del enemigo).

Otra cosa interesante de la serie es la influencia que la TV americana tuvo en ella. ‘Hombres de Honor’ tenía sagas, capítulos divididos por partes, finales abiertos que dejaban con ganas de ver más. Había drama e incluso la acción conseguía crear tensión, considerando los recursos de la época y de un proyecto de ese tipo.

Después de mi maratón me quede con la duda: ¿cómo sería un ‘Hombres de Honor’ hoy? Quizás esta es una de esas series que solo pudo ser un producto de su época.

Imágenes: capturas de pantalla.

Para ser honestos, ‘Caballeros del Zodiaco’ ya tiene un TBT en nuestro sitio (que data de cuatro años atrás, y se merece su propio viaje a la nostalgia). Pero, considerando la enorme historia detrás de la franquicia, creo que se merece una segunda visita para repasar algunos datos interesantes de esta serie. Después de todo, ‘Caballeros del Zodiaco’ es uno de los animes con tantos detalles que incluso amerita un TBT dedicado a cada una de las sagas, spinoffs y versiones alternas.

El opening que no tenía ningún sentido

Al igual que casi todo anime de la época, ‘Caballeros del Zodiaco’ es memorable gracias a su tema de inicio. En la memoria de muchos está grabado ‘Pegasus Fantasy’ (cuya versión latinoamericana fue interpretada por Mauren Mendo).

Sin embargo, el tema de ‘Caballeros del Zodiaco’ que primero viene a mi cabeza es uno mejor conocido como ‘Los Guardianes del Universo’, que se ha convertido en un himno para la comunidad.

La razón por la que creo que esta intro se quedó en mi cabeza está en las imágenes. Este opening usa escenas de la película ‘Los Caballeros del Zodíaco contraatacan’. Como resultado contiene imágenes de Seiya con la armadura de la saga de Poseidón, por no mencionar momentos como los caballeros de bronce usando las armaduras de oro. Por supuesto, mi versión de niño esperó con ansias estos momentos, ignorando que jamás llegarían.

Y ya que estamos en el tema, aunque sé que a pocos les importa, mi opening favorito vendría a ser la versión latina para la saga de Hades, capítulo del Santuario.

¿Por qué la saga de Hades es tan diferente?

La saga de Hades es controversial entre la base de fans de ‘Caballeros del Zodiaco’. El cambio de animación y la adaptación de ciertos elementos del manga molestaron a algunos. Pero, entre todas las sagas, también es la que más cercana está al material original.

Debido a que su lanzamiento en este lado del hemisferio fue a través de canales por cable (o clips ilegales en YouTube) no llegaron los detalles de su salida. La saga de Hades fue originalmente lanzada en forma de Ovas a través de tandas de capítulos. De ahí que esté dividida entre Santuario, Inframundo y Campos Elíseos.

Te puede interesar: desde este sábado puedes ver la saga de ‘Hades’ en el canal 1

Esto también explica la razón por la que el capítulo del santuario cuente con una muy buena animación, mientras que las ovas del Inframundo tienen momentos que son, francamente, difíciles de tolerar.

El mito de la saga de Zeus

Cualquier persona familiarizada con la mitología griega conoce a los tres hermanos del Olimpo: Poseidón, Hades y Zeus. Considerando que dos de estas deidades son enemigos en ‘Caballeros del Zodiaco’, lo correcto es pensar que el padre de los dioses en algún momento aparecería para enfrentarse a los santos (como se les llama a los caballeros).

Esta idea no es muy lejana de la realidad. Inicialmente Masami Kurumada (creador del manga de ‘Caballeros del Zodiaco’) tenía planeada su aparición después de la saga de Hades. Pero, debido a la poca popularidad de la saga, el autor se vio obligado a aplazar esta aparición. Vio su oportunidad de llevar a cabo esta saga con la aprobación de la película ‘Saint Seiya: Heaven Chapter – Overture’. Originalmente, en la cinta Zeus debía realizar su primera aparición, anticipando la historia de los dos siguientes filmes.

Por desgracia, Kuramada no tenía planeado que Toei cambiaría radicalmente el filme. Todo con la intención de que poder dar un ‘reinicio’ a la historia. De  esa manera no se necesitara del autor si la compañía quería continuar con la franquicia. A esto se sumó el fracaso de la cinta en la taquilla. Como resultado, la saga de Zeus que se tenía planeada nunca llegó a ser realidad. Kuramada se rehusó a llevar su trilogía a la realidad y, como resultado, jamás llegamos a ver a Seiya enfrentándose a Zeus.

Imágenes: Toe Animation

De hecho, muchos conocieron al personaje gracias a la popularidad del servicio por cable y su participación en la versión de Nickelodeon para Latinoamérica. En Colombia la caricatura también se ha emitido en Caracol, RCN y City TV.

El primer capítulo de ‘Bob Esponja’ se emitió el 1º de mayo de 1999, titulado ‘Se busca ayuda’ (‘Help Wanted’, en inglés). El episodio estaba centrado en el primer día de trabajo de Bob Esponja, después de que toma el valor suficiente para solicitar un empleo como cocinero del Crustáceo Cascarudo. Este dato es gracioso, pues en otro capítulo se revela que ha ganado el título 374 veces. Si los meses en Fondo de Bikini funcionan igual que en la superficie, el protagonista ha trabajado cerca de 31 años. Como pasa el tiempo cuando ves una caricatura para niños.

La voz detrás de la risa más molesta del mundo

Uno de los elementos más distintivos de Bob Esponja está en su risa. Este elemento fue traducido directamente de la versión original en la que Tom Kenny (el actor de voz) se golpeaba la garganta al reír para crear la carcajada.

Para Latinoamérica se tomó prestado este concepto. En la primera temporada su voz fue interpretada por Kaihiamal Martínez (‘Batman del Futuro’ y ‘Hellsing’). A partir de la segunda temporada y hasta la fecha actual la persona detrás de la esponja es Luis Carreño. Otros actores de voz reconocidos que hacen parte del elenco son Luis Pérez Pons (Don Cangrejo), Renzo Jiménez (Calamardo), Paul Gillman (Patricio).

Pegajosa e irritante

Hay una razón por la que iniciamos este artículo con el tema principal de ‘Bob Esponja’. La canción es uno de los elementos más emblemáticos y pegajosos de la serie animada. Esto no es accidental. Mark Harrisoy, Blaise Smith y Stephen Hillenburg (compositores y escritor de la canción, respectivamente) tenían en mente que el tema de la serie fuera lo más molesto posible.

¿Bob Esponja es gay?

Es probable que a algunos de los que están leyendo este artículo les prohibieran en algún momento el ver ‘Bob Esponja’. La razón seguramente estaba en un rumor que circuló que aseguraba que la caricatura era propaganda gay y que la relación entre Patricio y Bob Esponja era de mucho más que amigos. Sin embargo, Hillenburg, creador de la serie, negó en diferentes ocasiones estas afirmaciones. De hecho, la esponja tiene ambos sexos.

La razón estuvo en una queja que una agrupación cristiana en los Estados Unidos llamada Focus on the Family presentó. La razón era una propaganda sobre la tolerancia en la que el personaje tenía actitudes que, según la carta, eran “prohomosexuales”.

Te puede interesar: Los pocos segundos de ‘Bob Esponja’ se robaron el show del Super Bowl

Por supuesto, no ayudó el hecho de que a menudo la historia presentara al protagonista como alguien más inclinado a actitudes femeninas o en algunos casos usando prendas femeninas. Pero, en la realidad, la caricatura no tenía ninguna agenda oculta.

Eso sí, tenía como fan a uno de los hombres más poderosos del mundo. El expresidente de los Estados Unidos, Barack Obama, afirmó en varias ocasiones que Bob Esponja es su personaje animado favorito de todos los tiempos.

Los mitos detrás de ‘Bob Esponja’

Incluso más emblemática que la serie es la cultura que está detrás de ella. Hay toda una historia, mitos y leyendas sobre el show que solo han incrementado con su popularidad. Uno de los favoritos personales por mucho tiempo fue el del episodio perdido. Con el título ‘La Esponja que podía volar’ en la realidad, el capítulo nunca se perdió, sino que tuvo menos emisiones que otros de la tercera temporada. Pero Nickelodeon no desaprovechó la oportunidad y utilizó el capítulo para crear un especial años después.

Otros elementos más modernos que son igual de memorables es la Creepypasta de ‘Bob Esponja’ (que de manera curiosa también tiene como centro un capítulo perdido).

Por no mencionar la versión anime de la serie, que en poco tiempo se convirtió en uno de los videos virales de YouTube.

Imágenes: Nickelodeon

Si este jueves viajáramos 20 años al pasado y nos fuéramos a Japón, estaríamos en el primer día que el Nintendo 64 salió al mercado. Por este significativo hecho, es el protagonista de nuestro nuevo #TBT. La recordada consola del gigante de los videojuegos cumple dos décadas y vale la pena rescatar algo de su historia. Más allá de citar cifras, recordar los juegos que hemos señalado miles de veces o señalar su terrible control, mejor disfruten de algunos datos que, tal vez, no conocían:

– El Nintendo 64 tuvo varios accesorios, el más curioso de ellos fue el 64DD, una base igual de grande a la consola que permitía usar discos magneticos. El incentivo era tener juegos que no estarían en los cartuchos tradicionales de la consola, entre ellos ‘Final Fantasy VII’, pero al final las cosas fueron diferentes.

– El mayor atractivo del 64DD era una familia de títulos dedicados al diseño y la creación de contenidos bajo el nombre de ‘Studio’. Estos incluían dibujo, edición de video y hasta animación. Para ello, Nintendo lanzó un mouse para la consola.

– Con el 64DD también podías usar un modem especial (en forma de cartucho) para compartir tus creaciones, jugar demos, navegar en internet y usar el correo electrónico. Todo eso solo fue posible en Japón.

– El primer nombre de la consola fue Project Reality, cuando estaba pensado en construirse una versión para ‘arcade’, antes de lanzarse como una consola de hogar.

– El segundo nombre que recibió fue Ultra 64, pero finalmente pasó a ser Nintendo 64 porque Konami tenía los derechos al nombre ‘Ultra Games’.

https://www.youtube.com/watch?v=7Dl9aEo2xbw

– Dado que la primera versión, Project Reality, era más potente que la versión final, varios juegos que mostraron en el momento llegaron con una notable baja en su calidad. Uno de ellos, ‘Killer Instinct’, terminó llegando al SNES y no al Nintendo 64.

– Otro recordado accesorio era el expansion pack, que mejoraba la RAM del dispositivo. Aunque ayudaba a la experiencia de juego, solo tres juegos lo exigían para correr correctamente: ‘Donkey Kong 64’, ‘Perfect Dark’ y ‘The Legend of Zelda: Majora’s Mask’.

– Los tres juegos más vendidos de la consola son, claramente, los más recordados: ‘Super Mario 64’, ‘Mario Kart 64’ y ‘Goldeneye’.

¿Qué memorias tienen con el Nintendo 64?

Imagen: Nintendo. 

Los años noventa no podrían estar mejor representados que con ‘El Príncipe del Rap’. Esta serie, cuyo nombre oficial es ‘The Fresh Prince of Bel-Air’, protagonizada por el genial Will Smith, es fácilmente la síntesis de lo que fueron los últimos diez años del siglo pasado. Estuvo al aire entre 1990 y 1996, para un total de seis temporadas y 148 capítulos. Curiosamente, 25 años después, ‘El Príncipe del Rap’ aún es apreciado, y su popularidad crece como una bola de nieve, pues tanto en televisión por cable como por streaming puedes verla.

Este ‘sitcom’ estadounidense creado por Andy Borowitz tuvo como productor ejecutivo al grean Quincy Jones, uno de los artífices de haber hecho de Michael Jackson el ‘Rey del Pop’. La serie contaba la historia de Will Smith, un excéntrico joven de Filadelfia que es enviado por su mamá a Bel-Air, en Los Ángeles, a vivir en la casa de su adinerado tío Phil.

Muchas teorías proponen que la razón central de crear la serie era la mala situación económica de Will Smith. Sí, a pesar de que el excéntrico morenazo no pasaba por su mejor momento financiero, la verdadera razón por la que se creó la serie fue gracias al video ‘Parents Just Don’t Understand’, una canción de DJ Jazzy Jeff y The Fresh Prince, como se conocía artísticamente Smith por esos días. “Todo pasó muy rápido. A la gente le encantó, y dijeron “hey, hagamos un show para la televisión”. Y bueno, luego se convirtió en un éxito enorme. Fue como si los videos de rap que teníamos hubieran servido como nuestro reel de audición”, dijo hace unos meses Jazzy Jeff en una entrevista a The Huffington Post.

¡Ha llegado el príncipe de todo Bel-Air!

Podrás olvidar el nombre de tu primera novia, del perro de tu infancia, de la profesora de la universidad que te gustaba, pero estoy convencido que en 30 años no habrás olvidado ni una sola palabra del intro de ‘El Príncipe del Rap’… “mirando mi reino finalmente pensé: “¡ha llegado el príncipe de todo Bel Air! ¡Aaauuuuhh!”

Ese reino al que se refería Will era la mansión de los Banks, la nueva familia del amigo Smith en California: Phil Banks (el tío), Vivian (la tía), Hilary, Ashley y Nicky (las primas), Carlton (el primo) y Geoffrey, el mayordomo, se covnertirían en una de las familias más apreciadas y graciosas en la historia de la pantalla chica.

Puntualmente, el desarrollo de la historia gira en torno a las complicaciones en la convivencia que tiene Will con los Banks. Pero no son problemas dramáticos, sino más bien graciosos. Dado que el origen de Will es más del ghetto, del barrio, de la calle, su estilo de vida contraste notablemente con el opulente y burgués estilo de vida de sus tíos.

Es muy recurrente, por ejemplo, que Will se burle del chaparro de Carlton, pues su primo es la antítesis del protagonista: su excesiva seriedad (cómo olvidar su peculiar forma de vestir, típica del niño mimado) y corrección política lo hacen ser objeto de mofas cosntantes por parte de Will.

Hace unas semanas, el joven Juan David Bejarano nos contó que ‘El Príncipe del Rap’ tendría un spin-off. Y sí! Will Smith hará parte del proyecto.

En una entrevista reciente que tuvo Will Smith (el de carne y hueso) en el talk show de Graham Norton, contó una bonita historia de cuando inició la serie, pues pareciera no importar cuántas películas haga el actor, el recuerdo como el príncipe del rap no se desvanece. “Es gracioso porque Alfonzo Ribeiro (Carlton Banks), cuando recién ibamos a empezar el show estabamos ideando nombres para los personajes, y Alfonso me llevó a una esquina y me dijo: hermano, déjame decirte algo: cual quiera que sea el nombre del personaje que escojas, la gente va a llamarte así por el resto de tu vida, así que haz que el personaje se llame Will Smith”.

El siguiente video puede ser uno de los mejores que haya visto últimamente. Después de tanto tiempo, es increible ver el talento y humor de estos actores, pues me teletransportaron unos 20 años hacia atrás en un abrir y cerrar de ojos.

Y bueno. Tradicionalmente me despedía solo para regresar cada ocho días con el #TBT, pero esta vez el adios será indefinido. Fue un placer acompañarlos durante los últimos nueve meses. ¡Pásenla bien!

Imagen: The Fresh Prince of Bel-Air (Facebook)

‘Baywatch’ estuvo al aire durante 12 años. Su estreno fue el año en que este servidor nació, y su último capítulo fue televisado en 2001. En esta parte, y seguro en la mayoría de los países hispanoparlantes (menos en España, allá fijo tenía un nombre horrible) conocimos la serie como ‘Guardianes de la Bahía’.

La historia de ‘Baywatch’ es bien peculiar. Gregory J. Bonann era un socorrista del condado de Los Ángeles. Un día, tuvo la idea de crear una serie para la televisión a partir del diario vivir como socorrista de las playas de Santa Mónica. Fue entonces cuando pudo lograr vender su idea a NBC y comenzó el proyecto ‘Baywatch’.

Desafortunadamente, luego de la emisión de la primera temporada, la cadena decidió cancelar la serie debido a los bajos índices de audiencia. Fue ahí cuando apareció el gran David Hasselhoff. Sabiendo que el show tenía un bonito potencial, Hasselhoff invirtió de su propio dinero y se convirtió, además del protagonista, en productor ejecutivo. Ese fue el inicio de una de las series más vistas en la historia de la televisión.

En cámara lenta

Entre 1989 y 1999 el escenario fue Santa Mónica, mientras que de 1999 hasta 2001, la producción se mudó a Hawaii. Como tal, ‘Baywatch’ contaba el diario vivir de un grupo de salvavidas californianos, centrándose en los peligros relacionados al estilo de vida playero, jutno a la forma de relacionarse interpersonalmente entre ellos. Lo gracioso es que estos guardianes de la bahía prácticamente podrían dejar sin trabajo a Batman si vivieran en Gotham, pues eran capaces de ‘luchar’ contra terremotos, asesinos seriales, tiburones y hasta amenazas de ataques nucleares.

Gran parte del atractivo de la serie era su ambientación, y sus bellos paisajes soleados y cielos sin nubes, dignos del estado de California. Muchos de los actores y actrices eran realmente salvavidas, aunque cuando la producción se percató que la serie tenía el potencial de utilizar ‘sex symbols’ como gancho, empezaron a convocar una seguidilla de agraciadas chicas, quienes o se unían al elenco principal para acompañar al bueno de Mitch Buchannon o simplemente las mostraban como actrices secundarias entrando y saliendo al mar en esos interesantes planos en cámara lenta, reforzando y popularizando estándares de belleza alrededor del mundo.

Pero cómo olvidar aquel espectacular intro de ‘Baywatch’. Si bien al principio el tema central era ‘Save Me’, interpretado por Peter Cetera (líder de la banda Chicago), luego fue cambiado por ‘I’m Always Here’, tema del gran Jimi Jamison (quien hace poco acaba de morir) y ‘band leader’ de Survivor.

Porque más allá de bellas chicas en traje de baño salvando vidas de pobres desgraciados, de masculinos y rudos hombres con abrumantes pecheras peludas, ‘Baywatch’ fue la reunión de todo un abanico de elementos propios de la cultura pop y tal vez una de las razones por las que más reconocemos y recordamos el ‘American Dream’.

Nos vemos dentro de ocho días, con otro #TBT, no sin antes recordar al gran Jimi Jamison. Pásenla bien.

Imagen: captura de pantalla

¡Enciendan la motocicleta! ¡Bienvenidos a nuestro segundo #TBT audiovisual!

Imagen: Captura de pantalla.

Todo empezó el 3 de septiembre de 1998, día salió a la venta ‘Metal Gear Solid’, la obra maestra dirigida, producida y creada por Hideo Kojima para Konami. Este videojuego marcó substancialmente un antes y un después en la industria, pues resulta innegable no reconocer el precioso valor detrás de esta pieza, haya pasado por tus manos o no.

Todo empezó en Alaska… En Shadow Moses…

Les Enfants Terribles

En la década de los años 70, el gobierno de Estados Unidos creó el proyecto ‘Les Enfants Terribles’ en el que crearían artificialmente (mediante ingeniería genética) al soldado más poderoso. El sujeto elegido como modelo para el proyecto fue ‘el mejor soldado del mundo’: Big Boss.

En el 2005, la unidad militar de fuerzas especiales FOX-HOUND se apoderó de un centro militar ubicado en el archipiélago de las Islas Fox en Alaska. Liderados por el mercenario Liquid Snake, los terroristas tenían en su poder un tanque bípedo con capacidad nuclear llamado Metal Gear REX, con el que amenazaban al gobierno estadounidense de que entregara en menos de 24 horas el cuerpo del legendario soldado Big Boss, o de lo contrario lanzarían una ofensiva nuclear.

Solid Snake, un soldado altamente capacitado en misiones de infiltración, es forzado a salir de su retiro bajo las órdenes del Coronel Roy Campbell y es enviado a Shadow Moses a neutralizar a Liquid, su hermano gemelo, y uno de los tres clones derivados del proyecto ‘Les Enfants Terribles’.

El alfa y el omega

Actualmente, estoy a un pelo de terminar ‘Metal Gear Solid V: The Phantom Pain’. Los detalles se los entregaré cuando publiquemos la evaluación. Sin embargo, quise hacer hincapié en ese punto porque es realmente hermoso ver cómo Kojima encajó todas las piezas del rompecabezas que comenzó en 1998 luego de tanto tiempo, pues ‘The Phantom Pain’ actúa como precuela del juego original, tal como sucede con ‘Snake Eater’ o ‘Peace Walker’.

Enamorarse a primera vista sí es posible. A mí me pasó con ‘Metal Gear Solid’. Mis primeros encuentros con ese pixelado personaje, en el que las facciones de su rostro no se le notaban en lo más mínimo, y por sus famosas frases tales como: “Al habla Snake“, o “¿¡pero qué coño!?”, forjaron un amorío que casi 20 años después aún no se apaga, sino que estás más vivo que nunca.

Identificarse con los personajes del juego es fácil; sumergirse en la historia creada por Kojima, digna de películas de culto y de una cinematografía absorbente, resulta más fácil que aprenderse la tabla del cero. Eso es ‘Metal Gear Solid’: un fluido gameplay, una atrapante y enredada historia. ¿Qué más se le puede pedir a un videojuego? Realmente, nada más.

Imagen: Captura de pantalla.

Ser niño era lindo. Gran parte de la belleza de esa etapa fue gracias a ‘Saint Seiya’. Si bien en nuestra región la serie de televisión era más conocida (y promocionada) como ‘Los Caballeros del Zodiaco’, lo del título era lo de menos. Sin temor a equivocarme, la adaptación a la pantalla chica de este manga fue y será una de las más influyentes en toda la historia de la industria de animación japonesa.

Astronomía y antigüedad animada

El manga fue creado en 1986 por el japonés Masami Kurumada y fue publicado en la revista Shūkan Shōnen Jump hasta diciembre de 1990, cuando fue adaptado posteriormente en una serie de anime que cuenta, por ahora, con cuatro sagas: Saga del Santuario, Saga de Asgard, Saga de Poseidón y Saga de Hades.

Pero más allá de las sagas oficiales del manga se han desprendido también un sin número de películas, precuelas, secuelas y especiales, así como videojuegos y cuanto merchandising se les pueda ocurrir. Es por eso que el universo que rodea a ‘Saint Seiya’ es tan vasto y amplio. Es todo un fenómeno de la cultura pop japonesa, que fue muy bien recibido en países como Portugal, España, Francia e Italia, además de ser un éxito monstruoso en Latinoamérica.

La serie cuenta las aventuras de un puñado de jóvenes y huérfanos ‘caballeros’ o ‘santos’, cuya misión es luchar al lado de Athena, diosa de la guerra griega, reencarnada en la humana Saori Kido para proteger a la humanidad de diversas fuerzas malignas. Un par de elementos que son el eje central de la narrativa son, por un lado, la astronomía, y por el otro, la antigüedad, fundamentalmente la cultura clásica griega.

Seiya, Shiryū, Hyōga, Shun e Ikki (a veces)

El Pegaso, el Dragón, el Cisne, la Andrómeda y el Fénix (a veces) son los personajes centrales de ‘Saint Seiya’, y los santos de Athena. Cada uno de estos chicos gozaban de personalidades muy distintas, pero eso era lo que los hacía más unidos. Cada uno tenía una historia detrás cargada de drama, en la que la superación personal era la columna vertebral de sus logros como caballeros.

Pero eso sí, si algo caracterizaba a cada uno de estos jóvenes (en realidad eran niños, pues tenían entre 13 y 16 años) era el valor de la amistad, y que si tenían que entregar su vida, desangrándose por sus compañeros o por Saori (Athena), lo hacían, pues esa era su misión en la Tierra.

Era una época bien bonita. Con mis primos (quienes ya hacen parte casi siempre de mis anécdotas de #TBT) personificábamos a cada uno de los protagonistas de la serie. Incluso, así como ellos, intentábamos elevar nuestro cosmos a la máxima potencia para alcanzar el séptimo sentido, como si fuéramos los geniales Caballeros Dorados.

Imagen: Captura de pantalla.

Es tiempo de abordar la cápsula del tiempo para visitar, una vez más, Megakat City.

Special Weapons And Tactics

Un par de mecánicos de día, y justicieros por la noche, son los vigilantes nocturnos de una ciudad dominada por la corrupción, la delincuencia y el caos. Megakat City, una ciudad habitada por felinos antropomorfos, fue la creación de Christian e Yvon Tremblay en 1993 para la compañía estadounidense de televisión animada Hanna-Barbera.

Emitida originalmente en la cadena Cartoon Network, ‘SWAT Kats: The Radical Squadron’ estuvo al aire solo dos temporadas, para un total de 23 capítulos. Infortunadamente fue cancelada debido a que el tono de la serie fue considerado muy ‘violento’ para encajar en los estándares de las caricaturas financiadas por Hanna-Barbera.

Sin embargo, la recolección de fondos a través de Kickstarter tiene por ahora muy buena pinta. Luego de solo un mes de promover el regreso de la serie, ya hay recolectados 125.000 dólares, lo que garantiza una nueva animación de los SWAT Kats luego de más de 20 años en el olvido.

Chance Furlong, más conocido como ‘T-Bone’, y Jake Clawson, a.k.a. ‘Razor’, eran los miembros de los SWAT Kats. El primero, el más grande fuerte y de color más pálido, era el piloto del Turbokat-Jet. Por otra parte, Razor, es un experto en mecánica y en reparaciones, además de ser el bombardero del Turbokat y todo un ‘crack’ para las artes marciales. Y así como toda historia tiene a sus héroes, debe tener también su villano. El archienemigo de los felinos justicieros era Dark Kat, un genio del mal cuyo deseo único es arrasar con Megakat City.

El salto de industria

Dada la fama lograda por los gatos en la serie de televisión, la marca se convirtió en un referente para los niños de la época. Todos queríamos las camisetas y los juguetes de T-Bone y Razor. De hecho, en agosto de 1995, unos seis meses después de la finalización de la serie, se lanzó al mercado el videojuego oficial. ‘SWAT Kats: The Radical Squadron’ era un juego de plataformas en dos dimensiones de aventura con algunos chispazos de RPG, en el que podías jugar con T-Bone o Razor.

Cada uno de los gatos tenía diferentes habilidades, por lo que no era como jugar con Mario y Luigi, personajes que solo varían en el aspecto físico. Es decir, por ejemplo, el arsenal de cada felino variaba, al igual que la distancia que podían alcanzar saltando. Eso era un bonito plus, pues dependiendo de tu estilo de juego, y de con qué gato te sentías más cómodo, avanzar en los niveles del juego resultaba una experiencia distinta.

Los noventas fueron una gran década, y en parte fue gracias a la serie y al videojuego de los ‘SWAT Kats’. Después de todo, una idea tan desquiciada como crear gatos con forma y particularidades humanas que se encargan de poner orden muy al estilo paramilitar del buen Batman, no podía pasar desapercibida. Ojalá sus creadores puedan revivir esa bonita serie. Sería una gran noticia.

Imagen: Captura de pantalla