Durante una presentación exclusiva en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Pete Docter, jefe creativo de Pixar, ofreció un adelanto especial para los asistentes. El público pudo ver imágenes inéditas y conocer la premisa principal de esta quinta entrega. La historia girará en torno a Bonnie, ahora de ocho años, quien está completamente fascinada con una tablet llamada Lillypad, que se convierte en su nuevo objeto de afecto, desplazando a los juguetes tradicionales.

Una nueva era para Woody, Buzz y compañía

Este nuevo conflicto plantea una reflexión generacional muy vigente sobre el papel que tienen los juguetes en una infancia cada vez más dominada por lo digital. Pete Docter adelantó que la película abordará una trama donde los juguetes clásicos entran en contacto con la tecnología, en un mundo donde los niños ya no juegan como antes. Woody, Buzz y el resto de la pandilla deberán adaptarse a esta nueva realidad para seguir siendo importantes en la vida de Bonnie.

Uno de los momentos más impactantes del adelanto fue la proyección de la escena inicial, en la que una caja llena de figuras de Buzz Lightyear despierta en una isla desierta y completamente aislada. Los juguetes, desconcertados, intentan reconectarse con Star Command. Esta secuencia marca el tono emocional de la historia y deja entrever un posible giro épico, lleno de aventura y sentimiento, como ya es tradición en la franquicia.

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El regreso de las voces originales y una mirada al legado

La pelicula estará dirigida por Andrew Stanton, junto a McKenna Harris en la codirección, y contará con la producción de Jessica Choi. Los fans pueden estar tranquilos, ya que regresan las voces icónicas que han dado vida a los personajes desde 1995. Tom Hanks volverá como Woody, Tim Allen retomará su papel como Buzz Lightyear, y Joan Cusack regresará como Jessie. A ellos se suma Ernie Hudson, quien dará voz a Combat Carl en honor al recordado Carl Weathers.

Esta nueva entrega también servirá para celebrar los 30 años del estreno del primer Toy Story, la película con la que Pixar revolucionó el cine de animación. Como parte del homenaje, durante el evento de Annecy se proyectaron imágenes inéditas del proceso creativo original, lo que emocionó a muchos de los presentes.

La fecha de estreno ya está confirmada y Toy Story 5 llegará a los cines el 19 de junio de 2026. Mientras tanto, quienes deseen revivir la historia completa pueden encontrar las cuatro películas anteriores en el catálogo de Disney+. Todo indica que esta quinta entrega no solo expandirá el universo de los juguetes más queridos del cine, sino que también ofrecerá una mirada profunda sobre cómo ha cambiado la forma de jugar y de crecer.

Imagen: Fuente: © Disney/Pixar – Imagen de la película Toy Story 3

Una de las razones por las que Disney+ emocionó a muchos estaba en aquellas licencias menos obvias. Sí, series de ‘Star Wars’ o Marvel tienen un público ¿Pero cuántos no estaban más emocionados por el regreso de Lizzie McGuire y compañía? La nostalgia es una cosa fuerte y regresar, con la gran mayoría de actores originales, era una razón de peso para invertir en el nuevo servicio de streaming. Al menos hasta que Disney pulsó el botón de pausa de manera indefinida para el regreso de Lizzie McGuire.

A inicios de 2020 ya habían surgido las primeras noticias sobre el posible aplazamiento de la serie. La salida de Terri Minsk, productora del show original y una de las razones por la que los fans esperaban ansiosos el regreso, no pintaba un mejor cuadro Esta semana, el portal de entretenimiento Variety publicó un reporte que da cuenta de los problemas que llevaron a la pausa indefinida del show. Al parecer Disney no estaba satisfecho con la visión que Minsk y Hilary Duff (que iba a regresar como Lizzie) tenían de la serie. Todo indica que los ejecutivos estaban preocupados de lo ‘poco familiar’ que iba a ser para su plataforma.

Las razones detrás de esto tienen, con buenas razones, molestos a los fans. Aunque el tono familiar y divertido de Lizzie McGuire funcionó con el personaje cuando éramos adolescentes y podíamos entender y relacionarnos con la serie, no tiene sentido si su versión adulta omite los problemas por los que pasan las personas de esta edad. Minsk alcanzó a grabar dos episodios y está orgulloso del producto final e incluso cree que es posible que la serie termine siendo movida a Hulu, en vez de la plataforma familiar de Disney+:

“Hilary tiene una comprensión de Lizzie McGuire a los 30 años que necesita ser vista. Es algo maravilloso de ver. Me encantaría que el programa existiera, pero idealmente me encantaría si pudiera recibir ese tratamiento de ir a Hulu y hacer el programa que estábamos haciendo. Esa es la parte donde estoy completamente en la oscuridad. Para mí es importante que este espectáculo sea importante para la gente. Sentí que quería hacer un espectáculo que fuera digno de ese tipo de devoción”, afirmó Minsk .

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Lo cierto es que el tono familiar de Disney+ ha terminado por ser su peor enemigo. Antes del lanzamiento de la plataforma muchos creían que, considerando la cantidad de licencias en su poder, iba a ser un gigante capaz de mover de su silla a Netflix. Pero la decisión de solo producir contenido para todo público le ha dado la oportunidad a otras plataformas de diferenciar su oferta. Más importante, hay público que ha perdido el interés en lo que la nueva plataforma tiene para ofrecer. El tono familiar significa (para muchos) más de lo mismo que ya hay en la TV.

Sobre el futuro de la serie de Lizzie McGuire todo parece incierto. No se ha nombrado a alguien para que retome el proyecto, las grabaciones han sido detenidas de manera indefinida y es poco probable que Disney ceda, incluso con las presiones. Duff ha declinado comentar sobre lo que ocurre en el set. La única muestra que ha dado sobre la situación es una publicación en sus redes sociales. En ella toma un pantallazo de una noticia sobre la decisión de mover ‘Love, Simon’ por ser poco familiar, con el texto “suena familiar”.

lo único que voceros de Disney+ han dicho es que “Hicimos una pausa en la producción en” Lizzie McGuire “hace unas semanas para dar tiempo a un nuevo desarrollo creativo”, dijeron. “Nuestro objetivo es reanudar la producción y contar una historia auténtica que se conecte con los millones que están involucrados emocionalmente en el personaje, y también con una nueva generación de espectadores”.

La serie se emitió en los Estados unidos en Fox (que la produjo) y a Colombia llegó al canal RCN en 1995. Viendo algunos de sus episodios hoy, sorprende que hayan licenciado ‘X-Men’ en nuestro país, considerando lo diferente que era de muchos de los shows en su momento. La primera temporada, por ejemplo, es parte de un arco conectado en el que cada uno de los episodios tiene relación con el anterior y revelan nuevos detalles, al tiempo que usualmente cierran con un misterio. Luego están los temas más oscuros, sociales o incluso el que se atreviera a matar a uno de los miembros del equipo (Morfo) cuando Cíclople decide abandonarlo.

Pero, al igual que ‘Batman’, fue el hecho de que se alejara de las historias infantiles y las adaptaciones ‘familiares’ de los héroes lo que permitió a ‘X-Men’ convertirse en una de las series más emblemáticas de nuestra infancia y uno de los detonantes del boom de súper héroes en los años 90.

El ringtone de nuestra infancia

Si hay algo más memorable que la serie, es su canción original. El tema de entrada, de hecho, fue uno de los puntos más difíciles del equipo de producción por definir, con opciones que iban desde el metal, hasta tonadas más parecidas a las de un comercial. En Latinoamérica contamos con un añadido en él y es la voz que nos adaptó a los nombres latinos de algunos personajes (Rogue como Titania, por ejemplo).

Es fácil entender la razón de que resulte tan pegajosa. Ron Wasserman fue el compositor de la canción. Algunos también lo recordarán gracias a ser la mente detrás de la tonada de la serie original de ‘Power Rangers’.

Lo que muchos no saben es que para Japón se creó una versión más ‘anime’ de la canción de inicio, interpretada por la banda Ambience.

Unas buenas adaptaciones

Una de las cosas que separó a ‘X-Men’ de otras series animadas de héroes en su tiempo, era lo fiel que el programa fue a las historias en los cómics. Entre algunos de sus arcos más memorables estuvo su interpretación de la saga del ‘Fenix’ y ‘Fenix Oscuro’, ‘Días del futuro pasado’,  los orígenes de Logan, y ‘The Legacy Virus’.

La elección de permanecer fiel a los cómics se entiende, considerando que muchos miembros del equipo encargado de los guiones eran fans de la franquicia, incluso contando con la ayuda de ciertas personas que habían trabajado antes dentro de Marvel Cómics.

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También resulta interesante la elección de ciertos personajes. Para el momento en el que la serie se comenzó a producir, los X-Men estaban divididos en dos equipos: el azul y el dorado. La serie animada utilizó como base el primero, conformado originalmente por Cíclope, Wolverine, Titania, Bestia, Gambito, Jubilo y Psylocke (la última siendo removida del equipo para la serie animada). Del equipo dorado tomaron prestadas a Jean Grey y Tormenta.

También se decidió omitir a Kitti Pride (la mutante con la capacidad de atravesar objetos sólidos) lo que resulta interesante pues en su momento era un personaje mucho más importante que Gambito o Jubilo en términos de historia. Por ejemplo, en ‘Days of the future past’ es ella quien viaja al pasado, no Bishop.

Racismo y oscuridad en ‘X-Men’

Hay muchas cosas que le debemos a la serie animada de X-Men de 1992. Por ejemplo, sin ella es muy probable que 20th Century Fox nunca se hubiera animado a traer la trilogía original del equipo  a la pantalla grande (que aunque no es perfecta, pavimentó el asfalto para la era dorada de héroes en la pantalla grande en la que vivimos). Ya mencionamos antes que también fue un elemento que impulsó el boom de series animadas de héroes, demostrando que las historias oscuras podían encajar muy bien con el público adulto y joven. Incluso fue la que terminó impulsando a la creación de ‘Marvel Vs Capcom’ con’ X-Men vs. Street Fighter’, uno de los mejores juegos de pelea de arcade en su época.

Pero también resulta relevante, porque en su adaptación de la historia no olvidó la esencia de lo que hizo a ‘X-Men’ popular en un momento. El hecho de que fuera una metáfora de los problemas sociales y raciales en el mundo, un mensaje codificado sobre unos jóvenes que luchaban contra un sistema que los discriminaba, pero que intentaban luchar contra la intolerancia. Si no me creen, los invito a repetir ‘Día de graduación’, el último episodio de la serie para que vean mi punto.

Imágenes: Fox

Durante 10 temporadas, ‘Friends’ fue el rey indiscutible de la comedia americana. Por eso, su último episodio es tan importante como el primero. ‘The Last One’ (‘El último’, en español) fue el capítulo de dos partes que concluyó el tiempo de Rachel, Ross, Chandler, Monica, Phoebe y Joey en el apartamento que durante una década se convirtió en el hogar de muchas personas (y 15 años después sigue siendo visitado por millones de seguidores). El capítulo se emitió el 6 de mayo de 2004. Es decir que el próximo lunes cumple 15 años de su transmisión original.

Todo un hito, considerando que ese día más de 3.000 personas asistieron a los parques de Nueva York para despedir el show. Aunque el episodio fue visto por 52,5 millones de espectadores, no es el capítulo con más audiencia de ‘Friends’. Este récord lo tiene ‘The One After the Superbowl’ (El de después del ‘Superbowl’) con 52.9 millones de espectadores. De manera curiosa, ese capítulo también es uno de los que tiene más estrellas invitadas, con la participación de Brooke Shields, Chris Isaak, Julia Roberts, Jean-Claude Van Damme, Fred Willard y Dan Castellaneta.

El capítulo en el que todo comenzó

Una de las cosas que hacen de ‘Friends’ una comedia que resulta fabulosa de maratonear es que, desde el primer capítulo, la fórmula no ha fue modificada mucho. Sin duda resulta todo un viaje en el tiempo ver la moda de los 90, las referencias que hoy necesitan una búsqueda en Google o los sutiles cambios que sus personajes tienen a lo largo de la historia. Pero hay cosas que nunca cambian, como el tema de inicio titulado ‘I’ll be there for you’, por la banda ‘The Rembrandts’. De hecho, la popularidad del show llegó a un punto en que esta canción era la más pedida en la radio y sonaba casi todo el día.

Un último dato. Es posible que cuando hables de ‘Friends’ tengas que describir el episodio contando lo que pasó, en vez de usar el nombre oficial. Esto es porque al igual que otros Sitcom, ‘Friends’ no muestra el título durante su emisión. Como una broma interna, cada capítulo sigue esta idea con títulos como ‘El de la nueva novia de Ross’, ‘El de la lista’ o ‘El del sándwich de Ross’. El primer capítulo es el único con dos versiones oficiales: ‘En el que Monica consigue una nueva compañera de habitación’ y ‘En el que todo empezó’.

¿Cuánto ganaban los actores de ‘Friends’?

Como suele ocurrir con los éxitos, la fama que les llegó a las estrellas del show fue una agradable sorpresa. En especial para aquellos que llegaron a la serie buscando un primer gancho. Matt Leblanc, que interpretó a Joey, comenzó la serie con tan solo 11 dólares en su bolsillo. Según cuenta, lo primero que hizo cuando recibió el primer cheque fue comprarse una cena caliente.

Inicialmente, todas las estrellas de ‘Friends’ ganaban por episodio 22.500 dólares. Pero, en la segunda temporada solo Jennifer Aniston y David Schwimmer renegociaron sus contratos para un aumento a 40.000 dólares por episodio. A partir de la tercera temporada todo el grupo de amigos decidió negociar de manera grupal los contratos, de manera que ninguna de las estrellas recibiera una paga menor a los otros. Para la décima temporada los seis protagonistas ganaban un millón de dólares por capítulo.

La magia de ‘Friends’

Podríamos pasar una semana entera hablando de ‘Friends’ y es probable que no cubriéramos cada detalle curioso de esta serie.

Algo que, por ejemplo, la apartó de otras series en su época era la cantidad de estrellas que la serie lograba reclutar para sus historias. Algunos de estos cameos eran pequeños, otros ocupaban capítulos enteros. Lo cierto es que para las estrellas de películas era un honor estar en una serie de TV.

Uno de mis favoritos ocurre en ‘The One with the Ultimate Fighting Champion’, durante la tercera temporada. Se trata de uno corto, que ocurre al inicio del capítulo cuando Billy Crystal y Robin Williams ingresan a la cafetería.

Esta aparición no fue planeada dentro del libreto. Ambos actores, por coincidencia, estaban en el mismo edificio donde se grababa la serie. Los escritores, aprovecharon la oportunidad para preguntar a ambos si estaban interesados en hacer un cameo y ese mismo día se grabó su participación. Por supuesto, sin estar preparados, Crystal y Williams tuvieron que improvisar (algo en lo que ambos tenían experiencia) la conversación, incluyendo la respuesta a la interrupción de Joey (que no estaba en el guion).

Por 15 años de amigos, peleas por si Ross y Rachel estaban en un “break”, ejercicios de Unagi e intentos fallidos de conquistar usando la línea de “how u doing”, los invitamos a que salgan hoy, vayan a su café favorito y se sienten a tener una conversación como las que vimos muchos años atrás en ‘Central Perk’.

Imágenes: IMBD

Pero este domingo también se celebró otro aniversario, un poco anterior. El juego de cacería más famoso (y un poco frustrante) del mundo cumplió 35 años. Desarrollado por Nintendo para la Nintendo Entertaiment System (NES) fue uno de los primeros juegos que se lanzaron para la máquina de la compañía japonesa.

Refrescando la memoria de los cazadores

Para aquellos con menos memoria, ‘Duck Hunt’ es un juego de disparos en el que el objetivo es acertar a objetivos en la pantalla. El título clásico cuenta con tres modos. El primero y el segundo tienen como objetivos patos, siendo la diferencia el número de aves que aparece en la pantalla. El modo tres cambia los blancos por discos. En todos los modos de juego hay tres disparos por nivel y se debe acertar un número de blancos para pasar al siguiente. El máximo al que puede llegar un jugador es el nivel 0 o 100, en el que los patos se mueven a altas velocidades y es imposible matarlos.

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El título se jugaba usando una Nintendo Zapper y disparando a la pantalla, apuntando a los objetivos en ella. Si se acertaba, se sabía gracias al perro que aparecía y felicitaba al jugador. Cuando fallaba, el can salía de los matorrales para burlarse del jugador. Por supuesto, a mayor distancia más complicado era acertar, pero esto también dio lugar a la más famosa trampa que era apuntar y disparara con la pistola pegada a la pantalla de la TV.

¡Magnum o revólver!

‘Duck Hunt’ es recordado por varías cosas. Pero el elemento que lo hizo inmortal fue la pistola que servía como control para apuntar y jugar. Este accesorio se llama Nintendo Zapper y se trata de una pistola de luz.

Como dato curioso, la versión original de la Nintendo Zapper era muy similar a un revolver. Sin embargo, cuando la pistola fue llevada a Norteamerica su diseño fue modificado para que pareciera menos realista, siendo más cercana a una pistola de ciencia ficción. El diseño que muchos tuvieron seguramente era de varios tonos de gris, pero versiones que le siguieron lo cambiaron a un naranja.

El funcionamiento de la pistola es similar al de una cámara. Nos explicamos. Si prestan atención, al momento de disparar la pantalla se pone por completo negra. Luego regresan las imágenes y de nuevo se pone por completo blanca, con solo un fragmento negro en donde se detectó el disparo.

Ya sea que este título fuera tu primer acercamiento a los shooter, la causa de que tu mamá te gritara que te ibas a quedar ciego por andar pegado a la TV o tu main en Super Smash Bros, ‘Duck Hunt’ es nostalgia pura y de la buena.

Imágenes: Nintendo.

Y ¿cómo no? Era una época en la que el mejor plan del mundo era salir al parque con los amigos, improvisar arcos con dos piedras, dos prendas de vestir o lo que hubiera en el camino, sacar un balón y jugar hasta que la oscuridad de la noche nos impidiera ver el balón o hasta que la mamá del dueño del esférico lo entrara a la casa y nos dejara a todos viendo un chispero.

Ver a un Óliver Átom (Tsubasa Ozora) que amaba el fútbol tanto como nosotros, que se desvivía por ese deporte y nos decía que el balón era nuestro amigo, nos inspiraba a seguir jugando, a esforzarnos, a querer ser mejores en ese deporte. Por eso, quizá, muchos de mis amigos soñaron en algún momento de su vida ser futbolistas profesionales. Yo tomaba el balón, que había obligado a mi amá a comprarme, y me lo llevaba para que me acompañara a cualquier mandado a la tienda, emulando a Átom, que no soltaba la pelota nunca.

Los otros héroes de ‘Supercampeones’

Pero yo no apreciaba tanto a Óliver como a Tom Misaki (Taro Misaki), que me parecía noble y tranquilo, un gran amigo, con una calidad impresionante, pero silenciosa. También admiraba el espíritu de superación, el personaje cómico que era y el sentido de amistad de Bruce Harper (Rio Ishizaki). Pero, incluso más que a ellos, mi máximo ídolo de ‘Supercampeones’ era el invencible Benji Price (Genzo Wakabayashi). Por él comencé en el fútbol tapando, a pesar de mi baja estatura, aunque luego me volví defensa para seguir los pasos de otros ídolos de la vida real, como Paolo Maldini, a sabiendas de que mi habilidad no me daba para ser un 10.

Pero también recuerdo con cariño a muchos de los rivales de Óliver y Niupi. ¿Cómo no recordar a Steve Hyuga (Kojiro Hyuga) y su poderoso, aunque violento, estilo de juego? ¿Cómo olvidar al bueno de Andy Johnson (Jun Misugi), el Caballero de cristal, el único con una calidad de juego similar a la de Óliver, pero con un problema en el corazón que le impidió brillar como debía? ¿Quién no intentó emular las imposibles jugadas de los hermanos Korioto (Kazuo y Masao Tachibana)? ¿Cómo no admirar el impresionante estilo en el arco, que mezclaba artes marciales con fútbol, de Richard Tex Tex (Ken Wakashimazu), el único rival a la altura de Benji?

El ópening decía que ya comenzaban los mejores, aunque extensos, partidos de nuestra infancia

Sin embargo, una de las cosas que más recuerdo de ‘Supercampeones’, y en la que seguramente muchos me apoyarán, es, sin duda, el ópening. El primero, llamado ‘Moete Hero’, fue creado por Hiroyuki Okita, que en Latinoamérica fue nombrado como ‘Arde Héroe’ y lo interpretaba Ricardo Silva. Más que la letra, lo más memorable de esa canción era las primeras notas de guitarra, que empezaban con el pitido del árbitro y que nos hacían saber que empezaba la diversión.

Luego, cuando Óliver y nuestros héroes se volvieron adolescentes, el ópening cambió un poco. La canción era similar, al menos en Latinoamérica, cuyo intérprete seguía siendo Ricardo Silva, aunque en Japón el compositor cambió a Takayuki Takemoto. Las notas eran iguales a las del primer ópening, aunque con imágenes diferentes, que mostraban el uniforme de Niupi con rayas rojas, a diferencia de las azules de la primera versión, más infantil, del equipo.

¿Por qué este #TBT?

‘Captain Tsubasa’ fue un manga creado, escrito e ilustrado por Yoichi Takahashi en 1981, que en Japón se convirtió en animé en 1983, con un gran éxito internacional. El manga original duró hasta 1988 y el animé se emitió en el país asiático hasta 1986. Luego tuvo varias versiones más. Una de ellas salió para el Mundial de Corea y Japón en 2002. El manga de esa versión se comenzó a publicar en 2001, con 15 volúmenes que duraron hasta 2004, llamada ‘Captain Tsubasa – Road to 2002’, que se convirtió en un animé que fue emitido entre 2001 y 2002 con el mismo nombre, de 52 capítulos y cuyo ópening, ‘Dragon Screamer’, fue interpretado para Latinoamérica también por Ricardo Silva.

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Esa versión contaba las aventuras de Óliver después del Mundial Juvenil, en el que representó a Japón junto a sus amigos y rivales, para luego ser fichado por el Barcelona (llamado Catalunya), proveniente del Brancos (Sao Paulo) de Brasil. También contaba las aventuras de Benji en Alemania, de Tom en Francia y de Steve Hyuga en la Juventus de Turín, en Italia, (equipo al que llamaban Piamonte).

La serie finaliza con el primer partido del Mundial de mayores, entre la Japón liderada por Óliver y compuesta por todos los jugadores que conocimos en la infancia y un talentoso nuevo personaje llamado Aoi Shingo, (que fue presentado por primera vez en esta versión,) que se enfrentaba a una Brasil plagada de estrellas como Rivaul (evidente homenaje al gran Rivaldo) y al que llamaban El hijo del dios del fútbol’, Carlos Santana.

Esta versión de ‘Supercampeones’ estará en Netflix a partir de este martes 28 de marzo, para que todos recordemos nuestra infancia. Aunque seguramente apreciaríamos que en el servicio de streaming, más que esta versión, estuviera la original que vimos en los 90 y que tantos lindos recuerdo nos trae. Sin embargo, es bonito recordar nuestra infancia, aunque sea con esta versión un poco más moderna. Ahora solo resta decir: “¡Niupi, Niupi ganará! ¡Urra, urra, ra, ra, rá!”.

Imágenes: Imdb.

Otra anécdota que uno se encuentra sobre la pasión del nobel ha sido titulada por varios portales como “el día en que Gabo rescató ‘La estrategia del caracol’”. Sergio Cabrera, director de la película, confesó que García Márquez estuvo enamorado de la idea de un grupo de personas que se trasteaban su casa entera. Tres años después de grabada, cuando el metraje se estaba llenando de polvo en una bodega porque a Cabrera se le había acabado el dinero, Gabo vio el material y ese mismo día le ofreció toda la ayuda para que llegara a las salas de cine.

Gabo y el cine son dos ideas inseparables. Como los Buendía y Macondo, los coroneles y sus gallos o el cólera y los primeros amores. Ayer (martes 6 de marzo), el nobel habría cumplido años; esto y el anuncio de Netflix de llevar ‘Cien años de soledad a la pantalla’ nos dan una buena excusa para seguir hablando de su historia en el cine y la televisión.

La historia de las adaptaciones de Gabo

Adaptar una novela ya de por sí es un reto. Pero cuando uno le suma el realismo mágico de García Márquez, es difícil imaginar cómo traspasar el lenguaje del nobel al lente de una cámara. Esto no quiere decir que directores y productores no lo intentaran.

Unos de los primeros intentos se hicieron en 1987, cuando el director Francesco Rosi adaptó ‘Crónica de una muerte anunciada’, que estuvo protagonizada por Rupert Everett, Ornella Muti, Gian Maria Volonté, Irene Papas, Lucía Bosé y Anthony Delon.

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En 1999 el director Arturo Ripstein filmó su versión de ‘El Coronel no tiene quién le escriba’, protagonizada por Fernando Luján, Marisa Paredes, Salma Hayek y Rafael Inclán. Una cinta más reciente es la versión de ‘El Amor y otros demonios’ dirigida por la costarricense Hilda Hidalgo, que se estrenó en 2010.

Quizás la que más fresca está en la memoria de muchos fue la interpretación de del director británico Mike Newell de ‘El amor en los tiempos del cólera’, que se pensó como una adaptación para Hollywood en vez de una cinta más regional. Entre algunas de las cosas por las que la cinta es recordada es por contar con el talento de Javier Bardem, Giovanna Mezzogiorno, John Leguizamo, Catalina Sandino (recordada por su nominación al Óscar gracias a ‘María llena eres de gracia’) y Benjamin Bratt.

Gabo también gustaba de adaptar a otros

El nobel no solo disfrutaba ver las películas, sino que también escribía guiones. Como usualmente uno jamás es profeta en su propia tierra, Gabo fue un escritor prolífico para proyectos audiovisuales en México. Allí se encargó de participar (aunque bajo un seudónimo) en ‘El gallo de oro’ (1964), de Roberto Gavaldón y ‘Tiempo de morir’ (1966), de Arturo Ripstein.

También metió la mano en los libretos de ‘En este pueblo no hay ladrones’ (1965), ‘Patsy, mi amor’ (1968), ‘Presagio’ (1974), ‘María de mi corazón’ (1979) y ‘El año de la peste’ (1979).

A modo personal, una de esas cintas sorpresa que vine a descubrir que tenían la firma de Gabo años después fue ‘Milagro en Roma’, una cinta de 1988. La película cuenta con el talento colombiano de Frank Ramírez, que interpreta al padre de una niña que fallece, pero cuyo cuerpo, años después, sigue por completo intacto. Así que este oficinista viaja hasta Roma para pedirle al Papa que la santifique. Aquellos que son lectores asiduos de Garcia Marquez reconocerán esta misma historia como ‘La santa’, uno de los relatos en ’12 Cuentos Peregrinos’.

Así es, Gabo se adaptó seis años antes de que su compilación se publicara.

Imágenes: 20th Century Fox.

Sin embargo, ni Betatonio ni Blockbuster contaban con la llegada de nuevos formatos para consumir películas y series, que llegaron en los 2000 y que acabaron por afectar sus negocios hasta que se declararon en bancarrota. La piratería (potenciada por los DVD), los servicios por demanda de Internet, la televisión por cable y los servicios de streaming lograron que estas videotiendas cerraran casi todas sus sucursales.

Hay pocas personas que desconocen la historia de Netflix y Blockbuster, que es, además, paradójica y demuestra que ellos mismos se pusieron la soga al cuello. En caso de no conocerla, acá te la resumimos: en 2000, cuando el negocio de alquiler de videos parecía aún rentable, Blockbuster tuvo la oportunidad de mantenerse por muchos años más al comprar a Netflix por 50 millones de dólares.

Para leer más sobre Netflix, ingresa a este enlace.

Sin embargo, quien lideraba la empresa en ese entonces pensó que ese era un mal negocio y que la gente seguiría prefiriendo ir a las tiendas. Cuatro años después, Netflix los superaba en cifras y, aunque Blackbuster intentó renovarse con servicios en Internet, nunca logró recuperarse y en 2010 se declaró en bancarrota y a partir de 2014 comenzaron el proceso para cerrar todas sus tiendas en el mundo.

Las últimas sobrevivientes de una especie en peligro de extinción

Yo pensaba que a estas alturas ya habían cerrado todas las tiendas y que solo serían parte de la nostalgia, que se activa gracias a escenas como la que vimos en uno de los tráilers de ‘Capitana Marvel’. Sin embargo, la Australian Associated Press nos hizo saber que hay dos sobrevivientes, pero uno ya sucumbió ante los servicios de streaming y comenzó a cerrar sus puertas: el que queda ubicado en Morley, un suburbio ubicado en Perth, una ciudad australiana.

Los cinéfilos, nostálgicos y coleccionistas podrán comprar los productos de alquiler que había en la tienda desde este 8 de marzo. Sin embargo, quienes no alcancen podrán tomar un avión e ir a visitar la última tienda Blockbuster que quedará estoica y solitariamente en pie, ubicada en Bend, Oregon, en Estados Unidos. Hay que ir a tomarse una foto con el  icónico letrerito azul y alquilar una peli, para nunca más regresarla, antes de que esta videotienda también acabe por desaparecer.

Imágenes: Wikipedia.

Para aquellos muy pequeños, ‘Hombres de Honor’ fue una serie producida en colaboración con el Ejército Nacional de Colombia. La serie se emitió originalmente en Canal Uno desde 1995 al año 2000, con retransmisiones frecuentes hasta 2017. Su primer capítulo se llamó ‘Un nuevo amanecer’ y el último ‘Entre la vida y la muerte’.  Es, además, una de las series que se trabajaron en temporadas, con cuatro tandas de capítulos y un total de 156 episodios.

Soldados actores

Debido a que la serie fue creada en colaboración con el Ejército, Canal Uno y Fox Telecolombia y Teleset contaron con el apoyo de las Fuerzas Armadas. Una de las cosas que hicieron fue asignar a una unidad para que ayudara, no solo como fuente de información y extras, sino incluso para interpretar personajes principales dentro de la historia. Uno de los recordados es el suboficial Henry Dulce, que se convirtió en uno de los principales rostros dentro de la historia.

En una entrevista para el portal Semana, Dulce comenta que inicialmente no le agradó mucho la orden de sus superiores. “Nos seleccionaron de diferentes unidades, para ese entonces era instructor de la Escuela de Lanceros en Tolemaida, acababa de llegar de un curso en los Estados Unidos y realmente no concebía cómo un comando pasara a la televisión de un momento a otro y siendo un instructor. Al principio para ser sincero, no me gustó mucho la idea, porque tenía otro rol dentro del Ejército”, afirmó.

De hecho, en retrospectiva resulta muy interesante (y por momentos divertido) regresar a esos episodios y redescubrir la cantidad de soldados que tenían papeles menores y obviamente estaban haciendo su mejor esfuerzo por actuar.

Actores colombianos y hombres de honor

La lista de actores que pasaron por ‘Hombres de Honor’ está llena de nombres de veteranos y estrellas en ascenso. Andrés Felipe Martínez interpretó al capitán Bermúdez y luego fue remplazado por Juan Carlos Gutiérrez (el Capitán Rivera), que luego pasó el liderazgo a Andy Martínez (el capitán Toro).

Esto por solo mencionar a algunos otros actores de su elenco: Andrea Vázquez, Juan Carlos Trujillo, Mauricio Guerrero, Carolina Patiño, Javier Sáenz, Héctor Cruz, Daniel Ochoa, Oscar Borda, Jorge López, Horacio Tavera, Hernán Alzate…

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Valentía muerte y propaganda

Si puedo recomendarles, sugiero que se peguen un regreso a ‘Hombres de Honor’ 19 años después. Aunque recordaba que ver la serie era uno de esos rituales de familia todos los sábados, a diferencia de otros productos de la época eran pocos los detalles que tenía de su tono e historia.

Es uno de esos viajes en el tiempo que resultan interesantes y divertidos. En retrospectiva, era claro cuál era el propósito de la serie: vender una imagen positiva sobre el Ejército Nacional. El grupo de soldados en cada capítulo se enfrentaba a alguna amenaza, actuaba con valor y decisión y ayudaba a la población en peligro. También me llamó la atención la cantidad de muertes en la historia (la mayoría en algún sacrificio o atentado por parte del enemigo).

Otra cosa interesante de la serie es la influencia que la TV americana tuvo en ella. ‘Hombres de Honor’ tenía sagas, capítulos divididos por partes, finales abiertos que dejaban con ganas de ver más. Había drama e incluso la acción conseguía crear tensión, considerando los recursos de la época y de un proyecto de ese tipo.

Después de mi maratón me quede con la duda: ¿cómo sería un ‘Hombres de Honor’ hoy? Quizás esta es una de esas series que solo pudo ser un producto de su época.

Imágenes: capturas de pantalla.

Una empresa recomprada

Palm es una empresa que en los últimos años ha sido comprada por dos grandes. En primer lugar, HP la compró en 2010 con la esperanza de aumentar las ventas de sus dispositivos. Sin embargo, esto no ocurrió y al final TCL (la compañía detrás de los dispositivos Alcatel y BlackBerry) compró los derechos de la marca.

Durante sus años en la industria móvil, la compañía tuvo equipos con sistema operativo propio de Palm, Windows Mobile y webOS. Este último sistema operativo sobrevive gracias a que LG se hizo con él y en la actualidad sus televisores inteligentes y uno que otro wearable funcionan con él.

TCL, el dueño de Palm, hace dos años anunció que le daría un nuevo impulso a la compañía, como informó Cnet. En los últimos años, la compañía china se ha encargado de sacar adelante la estrategia de dispositivos móviles de BlackBerry. El BlackBerry KEYone fue el más reciente lanzamiento y trajo al mercado de vuelta los dispositivos con teclado.

Eso sí, TCL prometió, de acuerdo con la nota citada de Android Police, que los nuevos dispositivos de Palm llegarán en 2018.

Palm con Android

Lo más probable es que veamos dispositivos Palm con Android. Si bien muchos a muchos usuarios les gustaría ver cómo funciona webOS en la actualidad en un smartphone, la realidad es que este la empresa no tiene los derechos para usarlo. Por lo tanto, la apuesta es porque estos equipos tengan el sistema operativo de Google.

La estrategia de TCL con Palm será llegarle a los antiguos usuarios de los equipos de la empresa. Así, no sería la única empresa que intentaría generar ventas basadas en la nostalgia. La industria de tecnología ha apelado a la nostalgia en varios lanzamientos. Por ejemplo, Nokia lanzó una versión remasterizada del Nokia 3310, así como Nintendo con sus consolas de NES y SNES.

Imagen: Michael Simmons (vía Flickr).

La productora de videojuegos Atari confirmó su regreso al mundo de las consolas. La nueva plataforma de videojuegos que la compañía está desarrollando se llama ‘Ataribox’.

En la edición pasada de la E3, Atari se presentó anunciando que regresarían a la industria. Sin embargo, en ese momento solo revelaron un teaser con el logo de la empresa. Además, abrieron una página web con la opción de notificaciones por correo electrónico para quienes estuvieran interesados.

Atari reveló que se trata de la ‘Ataribox’, la nueva consola que desarrollará la empresa después de 23 años de haber salido del mercado.

Mediante un correo electrónico, Atari dio a conocer nuevas imágenes de la consola a aquellos que se suscribieron en la página oficial, según informó The Verge.

Así será la ‘Ataribox’

En las imágenes se muestra que la consola optará por un diseño moderno. Tendrá forma rectangular con bordes redondeados y la superficie contará con un patrón lineal acanalado.

También se reveló que existirán dos versiones de la consola. Una con detalles en madera que recuerdan al estilo de la icónica Atari 2600; y otra más simple con diseño en rojo y negro.

Por otra parte, esta nueva versión contará con un puerto HDMI, cuatro puertos USB y soporte para tarjeta SD. Un detalle llamativo serán también una serie de luces que se iluminan en la parte frontal de la consola, junto al logo de la compañía.

Atari no se enfocará únicamente en la nostalgia

Aunque el mercado de la nostalgia sea el más seguro para la empresa, han confirmado que le apostarán también a un contenido más reciente.

De acuerdo a un boletín de Atari compartido por Polygon, la consola contará con clásicos de la compañía pero también tendrá nuevo contenido. Por lo tanto, no parece que vayan a optar por la estrategia que ha tomado Nintendo con las consolas mini.

Es importante recordar que la última consola de la compañía fue la Atari Jaguar en 1993. Pero eso no significó su salida total del mercado. Atari se mantuvo como distribuidor de unos cuantos títulos como Ghostbusters (2009) y Rollercoaster Tycoon.

Hasta ahora no se ha revelado nada acerca del precio, juegos o fecha de lanzamiento. Aunque Atari ha afirmado que seguirá entregando información mediante boletines de suscripción.

La Ataribox parece ser una apuesta muy arriesgada por parte de la icónica compañía. Dejaron claro que no quieren quedarse solo con juegos antiguos, así que es probable que busquen imponerse como una nueva competencia en el mercado.

Tendremos que esperar para conocer en qué terminará esta nueva consola de una empresa ‘retro’. ¿Qué opinas de la ‘Ataribox’? Danos a conocer tu opinión en la caja de comentarios.

Imágenes: Atari, Captura de Pantalla

Los finales de los años 90 fueron una de las mejores épocas para las series animadas. En ese entonces Cartoon Network nos regaló ‘Vaca y Pollito’ y ‘Soy la Comadreja’, dos de las series más extrañas pero divertidas de la década. Parece increíble que hayan pasado 20 años desde su primera emisión, por eso te refrescaremos la memoria con unos cuantos datos.

Fue el tercer elegido

El origen de esta serie se remonta a 1997, cuando en Cartoon Network empezó a transmitirse una serie de cortos conocidos como ‘Cartoon Cartoons’ (originalmente ‘What a Cartoon!’). De la franja se fueron escogiendo cortos para convertir en series; primero ‘El Laboratorio de Dexter’, luego ‘Johnny Bravo’ y finalmente ‘Vaca y Pollito’, creado por David Feiss.

La serie se enfocó en diversas historias de dos hermanos: Vaca, la menor, y Pollito, el mayor. Y sí, ambos son hermanos biológicos aun siendo un pollo y una vaca. Fue esta premisa de una familia imposible el mayor atractivo inicial del programa. Sin contar el misterio de los papás, a quienes solo se les veían las piernas.

En cuanto se lanzó, la serie fue un éxito. El episodio piloto fue ganador del premio Annie a ‘Best Animated Short Subject’. Desde entonces se transmitieron 52 episodios a lo largo de cuatro temporadas. El último capítulo fue ‘La balada de la Vaca y el Pollito’ en el que los amigos y la profesora de los protagonistas cantan una canción sobre ‘Rojo’, uno de los antagonistas en el show.

Sí, el aniversario es compartido

Cada episodio de la serie se componía originalmente de tres cortos; dos historias de Vaca y Pollito, y una de una comadreja llamada ‘I. M. Weasel’. Fue tal la acogida de este personaje que recibió su propia serie. Este programa fue transmitido en Latinoamérica bajo el nombre de ‘Soy la Comadreja’, que sería la traducción del juego de palabras original.

La serie se encargó de contar las historias de una comadreja inteligente, hábil y amada por todos, extrañamente llamada ‘Soy la Comadreja’. Mientras Jaimico (I. R. Baboon en inglés), un babuino tonto y desaliñado, hace todo por superar al pequeño roedor.

‘Soy la Comadreja’, irónicamente, duró más que su serie hermana. Tuvo 79 episodios con 5 temporadas que se transmitieron hasta el 2 de marzo de 2000.

La memoria de una vaca y un pollito

Estas dos series hicieron parte de un grupo de dibujos animados que marcaron la infancia de muchas personas. En retrospectiva son series muy extrañas, pero bien pensadas. Mediante historias que parecían exóticas y hasta surrealistas, se encargaron de transmitir un mensaje en cada episodio.

Tal vez al pensar en estas series tengas unos recuerdos vagos de lo que solías ver. Te invitamos a que vuelvas a echarles un vistazo. Su tono excéntrico y bromas inteligentes te harán pasar un rato divertido. ¿Qué recuerdas de estos programas de televisión? En la caja de comentarios puedes darnos a conocer tu opinión.

Imágenes: Captura de Pantalla, Cartoon Network

El 14 de julio de 1997 fue emitido el primer episodio de ‘Johnny Bravo’, el musculoso, egocéntrico y gracioso personaje que sólo buscaba conquistar chicas. Esta serie animada se centra en las aventuras de un hombre rubio y musculoso llamado Johnny Bravo.

En cada capítulo Johnny se encuentra en la mitad de situaciones hilarantes y descabelladas; pero su interés siempre es conquistar chicas lindas. Además de su protagonista, otros personajes importantes aparecen en la serie; Bunny Bravo, la mamá de Johnny; Carl Chryniszzswics, su vecino y mejor amigo, además de la pequeña Suzy, una niña de primaria enamorada del egocéntrico personaje.

El origen de Johnny Bravo

El personaje de Johnny Bravo surgió como el proyecto de tesis de Van Partible, quien presentó la propuesta a Cartoon Network. Tras analizar el proyecto, se lanzaron 3 cortos en la sección ‘What a Cartoon!’ – posteriormente conocida como ‘Cartoon Cartoons’ – de Hannah Barbera.

Después de la acogida que recibieron los cortos originales de ‘Johnny Bravo’ se lanzó al aire una serie completa centrada en el gracioso personaje.

‘Johnny Bravo’ tuvo 4 temporadas y 67 episodios. Ha sido también una de las series más exitosas de Cartoon Network. Fue nominada a 4 premios Annie, 1 premio Youngstar y 1 Golden Reel Award.

El público adulto fue la clave

El éxito de esta serie se basó en presentar un programa dirigido a un público adulto joven pero que pudiera ser consumido por toda la familia. El desarrollo de un contenido con tales características formó un dibujo animado con humor inteligente como su estrategia.

Esta animación estuvo llena de bromas para adultos y también referencias a la cultura pop. En varias ocasiones Johnny se encontró con iconos pop como Adam West y Mr. T.

El último episodio de Johnny Bravo fue emitido el 27 de agosto de 2004. Además, recibió un largometraje animado en 2011 por la conmemoración de sus 15 años de estreno. La película se llamó ‘Johnny va a Bollywood’.

¿Qué recuerdas de esta serie? Danos a conocer tu opinión en la caja de comentarios.

Imágenes: captura de pantalla, Cartoon Network 

El canal oficial de Nickelodeon en YouTube lanzó este lunes un adelanto de la nueva película de ‘Hey Arnold!’ y confirmaron que ésta retomará el misterio planteado al final de la serie. 

La película, llamada ‘Hey Arnold! The Jungle Movie’, retomará las aventuras del chico ‘cabeza de balón’ un año después del final de la serie.

El adelanto es narrado por el creador de la serie, Craig Bartlett, y explica las novedades que presentará la cinta. Entre los cambios mencionados están nuevos diseños de personajes que tendrán un toque moderno comparado a la serie original.

Aunque personajes como Arnold y Gerald recibieron actualizaciones en su estilo, el cambio más impresionante es el de Phoebe, la mejor amiga de Helga, quien pasará de ser la clásica chica tímida e inteligente a tener una apariencia más segura y desafiante.

Continuará la historia del papá de Arnold

Uno de los anuncios más importantes que menciona Bartlett en el video es el regreso del mapa que apareció al final de la serie, el cual aseguró que tendrá un rol importante en la película.

Cabe recordar que la serie terminó con el especial de dos episodios llamado ‘El diario’, en el cual Arnold encontraba el diario de su papá. El especial terminó en suspenso cuando al final del diario aparece un mapa con una ruta en el país mencionado por el papá del protagonista.

Respecto a la historia del largometraje, Arnold y sus amigos irán de viaje a Centroamérica a un país llamado San Lorenzo. Este país el mismo de los relatos de sus padres.

La película saldrá el 28 de Noviembre de este año y se transmitirá en el canal de televisión Nickelodeon.

Todo parece apuntar a que varias incógnitas serán resueltas en esta nueva historia. ¿Estás emocionado por ver el regreso de ‘Hey Arnold!’? Danos a conocer tu opinión en la caja de comentarios.

Imagen: Captura de Pantalla

La nostalgia nos invadió cuando vimos a este pequeño NES sobre la mesa, recordamos varias anécdotas jugando con esta consola, lo difícil o malos que eran algunos juegos y cómo esta pequeña caja marcó la infancia de muchos de nosotros.

La nueva consola es una réplica del NES original pero de menor tamaño. Se puede conectar al televisor usando un cable HDMI, incluye un adaptador de corriente mini USB y un control clásico de NES, el cual tiene cable (hay que decir que es un poco corto.

El precio en Colombia es de 329.000 pesos, un poco elevado en comparación al precio en el que se vende en el mercado estadounidense (60 dólares). Lo puedes encontrar en almacenes de cadena y tiendas especializadas de tecnología.

Como era previsible, la consola pesa muy poco y el control es muy liviano, lo que hace que la podamos llevar a cualquier lado sin preocuparnos por el peso o el tamaño. Tiene acabados en plástico y está muy bien construida. El control tiene la misma entrada que los classic controller (Wii) y classic controller pro (Wii U), así que si tienes una de estas consolas no tendrás que comprar otro control del NES, a no ser que quieras sentirte totalmente ‘retro’.

Recuerda que el NES Classic Edition tiene una interesante lista de 30 juegos que vienen instalados directamente en la consola.

A continuación te dejamos con estas imágenes:

¿No te traen un poco de nostalgia estas imágenes?

Imágenes: ENTER.CO

Qué hubiera sido de nuestra infancia sin las horas dedicadas a ver las aventuras de ese ‘todero’ legendario, que salía de los más diversos enredos con las herramientas más sorprendentes. Pues bien: MacGyver es el más reciente ícono cultural de finales del siglo XX que está preparando su regreso. Como informó Variety, Lionsgate está iniciando la producción de una película, y el canal CBS alista una nueva serie.

La serie, protagonizada por Richard Dean Anderson, relataba las aventuras del agente secreto Angus MacGyver, quien se enfrentaba a toda clase de problemas y los solucionaba sin recurrir a las armas. Tuvo siete temporadas, de 1985 a 1992, además de un par de películas de televisión y una miniserie en 2012. Fue un éxito de proporciones destacables, e incluso el termino ‘MacGyvering’ (algo así como ‘MacGyverear’) fue mencionado en otras series de televisión.

No se conocen mayores detalles de la película, excepto que estará a cargo de Lee David Zlotoff, creador de la serie, y de Neal Moritz, productor de la franquicia de ‘Rápido y Furioso’. Tampoco sabemos si Dean Anderson volverá en su papel, o si estará involucrado en alguna de las dos producciones.

Habrá que ver cómo el buen MacGyver, tan acostumbrado a las herramientas análogas, va a lidiar con la tecnología que tenemos hoy. ¿Será un entusiasta tecnófilo, o seguirá aferrado a su clip y su navaja?

Imagen: Tad Tafelsky (vía Flickr)

En IBM se tomaron muy en serio el proyecto de Bill Gates de poner un computador en todos los hogares del mundo. Uno de sus principales lanzamientos para conseguir esto fue la serie ThinkPad. Una línea de portátiles de altísima calidad y gran rendimiento. Hoy, 23 años después de su lanzamiento, nos tomamos un momento para recordar al modelo 700c, el más emblemático de todos.

El año era 1992. IBM estaba desarrollando un nuevo dispositivo que tendría un pantalla táctil con tecnología resistiva y los usuarios lo manejarían usando un lápiz. En la reunión para definir el nombre del nuevo producto, Denny Wainwright, experto en planeación, sugirió que el nombre debería ser ThinkPad, un nombre basado en la cercanía de IBM con el término ‘Think’. El término luego fue antagonizado por el ‘Think Different’ de Apple.

A final de ese mismo año, IBM presentó oficialmente al público su nueva serie de computadores portátiles e hizo que todas las miradas se posaran sobre sus productos. PC Magazine, lo que todos leíamos en esa década, no tuvo reparo en calificar al ThinkPad 700c como el dispositivo más valioso del año. Y así empezó la historia de esta familia.

El público estuvo de acuerdo con estas calificaciones, y la demanda de estos modelos, en especial el 700c, se disparó. IBM se metió en un nuevo negocio, y sus esfuerzos en crear mejores computadoras portátiles se intensificaron.

El robusto ThinkPad 700c, de más de dos kilos, tenía un disco duro duro que se podía retirar fácilmente y tambíen contaba con una pantalla de 10,4 pulgadas, un área nunca antes vista en un computador de este tamaño. Tantos logros de ingeniería juntos en un producto hacían que comprarlo no fuera nada barato, teniendo en cuenta el precio de 4.350 dólares de la época, el equivalente a 7.370 dólares de hoy.

Pero los beneficios que esta máquina ofrecía eran únicos, y ningún otro competidor se acercaba a tener un computador portátil tan completo como los primeros modelos de la serie ThinkPad.

Siete años después, llegó a Colombia

Mi encuentro con este bloque negro de poder computacional sucedió siete años después de su lanzamiento, en 1998, justo el tiempo que demoraban los dispositivos en llegar a un país como Colombia. Mi hermana trabaja en grandes proyectos de arquitectura, y para que ella pudiera recorrer todas las obras e inventariar los materiales usados, la empresa en la que laboraba le dio el ThinkPad 700c.

Lo recibimos lleno de polvo y con varios golpes, producto de las obras; pero el pobre dispositivo seguía funcionando con Windows 3.1, y el proyecto familiar de ese fin de semana fue actualizarlo a Windows 95. Fue yna tarea que nos llevó más de 12 horas y alrededor de 25 disquetes de 3 ½, cada uno con 1,44 MB de espacio.

Después del primer lanzamiento, IBM renovó la línea cada año y pudimos ver joyas como el T42, primero de la familia en integrar un sensor de huellas digitales. En 2005 Lenovo completó la adquisición de la marca ThinkPad, y desde ese año la empresa china continuó con los lanzamientos. La historia nos lleva al día de hoy, cuando el Lenovo ThinkPad X1 Carbon es el modelo más reciente de la serie.

El ThinkPad 700c fue el punto de entrada a la tecnología de muchos en mi generación, y es uno de esos dispositivos que marcó un antes y un después en el mercado de tecnología de consumo. Si tuviste contacto con este cualquier otro emblemático computador cuéntanos tu historia en los comentarios.

Imagen: IBM.

No estoy seguro de cuántas veces habré jugado este juego. Pero estoy seguro que no deben ser menos de unas 25 veces. Tantas veces que he saltado con el rechoncho y bigotón de traje rojo que los recuerdos fácilmente vienen a mi cabeza de épocas que creí haber olvidado con el paso del tiempo.

Era 1994. Un domingo. Exactamente el 26 de junio, día en el que Colombia le ganó 2-0 a Suiza en el Mundial de Fútbol de los Estados Unidos. Esa noche, conocí ‘Super Mario Bros. 3’.

En medio de la irremediable tristeza por la eliminación en primera ronda de Colombia que rondaba por la casa de mi abuela –en la que casi toda la familia de mi madre se había reunido– los únicos que estábamos felices eramos los pequeños: un tío, que por esos días no tendría más de 17 años, llegó a la casa; conectó el Super Nintendo que había sido desenchufado para ver el partido; sacó un casette y un pan de rollito de esos que valen 200 pesos de una bolsa negra, mordió el pan, puso el juego y dijo: “Yo juego; ustedes me miran”.

No sé si les pasó alguna vez una situación como esa a ustedes. Solamente había un control, y era dominado siempre por los más grandes. En el grupo, yo no era el menor, pero tampoco estaba cerca del totalitarismo de los mayores. Pero realmente eso no importa. Disfruté viendo jugar a mi tío y primos mayores mucho más que si yo lo hubiera jugado: ellos tenían la pericia, yo caía siempre en el mismo precipicio.

Más brillante que una pepita de oro

‘Super Mario Bros. 3’ primero salió en octubre de 1988, siendo el último título de la saga en publicarse para el Nintendo. Luego fue republicado -para Super Nintendo- en el aclamado ‘Super Mario All Stars’ unos años después. Diseñado por el padre de los videojuegos modernos, el japonés Shingeru Miyamoto, ‘Mario 3’, como se le conoce popularmente, cuenta la historia de un nuevo ataque al Mushroom Kingdom por parte del rey de los Koopas, Bowser.

El espinoso dragón envía a siete de sus hijos (Koopalings) al reino para hacer lo que se les antoje. Cada uno de sus vástagos toma el control de cada zona del reino, apoderándose de la varita mágica de cada uno de los siete gobernantes. Marioy Luigi son llamados para poner orden en cada una de las zonas atacadas, solo para enterarse que en la octava zona, el mismo Bowser había raptado -como cosa rara- a la causante de las negras pesadillas de este par de hermanos: la princesa Peach.

Un juego de plataformas en dos dimensiones de desplazamiento lateral, de mecánica muy similar a sus antecesores, pero con la particularidad de contar con puzzles, minijuegos, zonas secretas, poderes y habilidades, y la posibilidad de interactuar directamente con el mapa de cada uno de los reinos. Realmente era un juego difícil, con detalles visuales muy agradables, cada uno con una atmósfera distinta.

Mi favorito siempre fue el mundo acuático, en el que tenías la chance de montarte en una diminuta barquita para explorar una zona atiborrada de ‘casas de honguito’ (esa que tenía tres cofres que te daban poderes) y de ‘casa de las picas’ (en la que debías formar una figura con tres partes).

Y ni qué decir de los mundos en los que tenías la posibilidad de disfrazar a los fontaneros de ‘ranita’,  ‘mapache’ y ‘soldadito’. O en el que te metías en una botica verde (Kuribo’s Shoe) para atravesar una zona atestada de plantas pirañas.

Después de eso solo “una bolsa de mango deshidratado”, como diría el sujeto que tengo al lado mío.

Imagen: Captura de pantalla

En julio de 1998, un periódico de Raccoon City reportó que cerca a las montañas Arklay un grupo de personas fueron bizarramente asesinadas. Las víctimas aparentemente fueron devoradas. El recién formado grupo S.T.A.R.S. (Special Tactics And Rescue Service) envía al equipo Alpha para investigar la desaparición de sus colegas del equipo Bravo, quienes fueron asignados previamente a averiguar sobre los misteriosos asesinatos.

El equipo Alpha, integrado por el Capitán Albert Wesker; Chris Redfield, experto en tácticas militares y armas; Barry Burton, respaldo y amante de los revólveres de gran calibre; Jill Valentine, retaguardia y experta en mecánica; Joseph Frost, especialista en arreglo de armas; y Brad Vickers, piloto del equipo, encuentran el helicóptero de sus compañeros bastante averiado, como si hubiera tenido que aterrizar forzadamente.

Ninguno de los miembros del Bravo estaba dentro del helicóptero, pero extrañamente las armas y sus dotaciones sí. El equipo Alpha, mientras investigaba la zona en busca de sus compañeros, fue atacado por un grupo de rabiosos y desfigurados perros. Corriendo para salvar sus vidas, el Alpha decide refugiarse en una mansión aledaña al sitio de aterrizaje, creyendo estar a salvo. Lo que no sabían es que su peor pesadilla estaba justo por empezar.

Bienvenidos al horror. Bienvenidos a la mansión. Bienvenidos a nuestro tradicional #TBT.

Welcome to the Umbrella Corporation

Una de las grandes obras maestras en la historia de los videojuegos fue inventada en Japón en 1996 por el diseñador de videojuegos Shinji Mikami. Casi 20 años después, la franquicia creada por Capcom es el referente número uno de los videojuegos de ‘survival horror’.

‘Resident Evil’, que originalmente en su país de origen fue bautizado como ‘Biohazard’, desde su primera entrega logró cautivar a miles de gamers en todo el mundo. Fue capaz de conjugar una gran jugabilidad y una historia muy sólida con personajes bastante interesantes. Siempre estará en nuestra retina aquella introducción del juego realizada mediante acción real, con actores tan vivos como tú o yo, seguida de la irrepetible voz tétrica del anunciante al entrar a la mansión Spencer y decir ‘Resident Evil’. Un aspecto que de hecho se ha convertido en el trademark de cada uno de los videojuegos de la saga.

La particular mecánica del juego fue también uno de sus ases bajo la manga. Los personajes fueron creados a partir de diseños poligonales en 3D ubicados en un mapa de bits. Los ángulos de cámara eran predeterminados y estáticos, en vez de una tradicional cámara que siguiera al personaje. Este estilo de juego aportó mucho para crear una experiencia más miedosa. Los cambios de contrastes en los escenarios, la luz y las sombras, el sonido ambiente de la lluvia y los truenos, el crujir de la madera vieja y los ruidos de los endebles pero caníbales zombis le ponían los pelos de punta hasta al más macho.

La violencia abundante y explícita, y las mutantes criaturas que salían por tu espalda, de los cielorasos y de las ventanas para saciar su apetito con tu cuerpo, estaban a la orden del día en ‘Resident Evil’. El juego presentó la posibilidad de que tú mismo forjaras tu destino. Con finales alternativos que dependían de las acciones que realizaras, el final del juego cambiaba si decidías arriesgarte a salvar o no a los miembros del equipo o no, así hayas empezado a jugar con Jill o con Chris. Y todo esto es por culpa de la maldita pero genial Umbrella Corporation; del T-Virus desarrollado por los científicos de la farmaceútica; y del genial Albert Wesker, uno de los mejores villanos en la historia de los videojuegos.

Tal es el legado de esta obra maestra que para GameCube se realizó un remake en 2002 del título original, y este año salió para PC una remasterización en HD del remake del 2002. Pero no solo eso; este videojuego de 1996 impactó tanto en la cultura general que se convirtió automáticamente en un fenómeno imparable: la saga cuenta con 25 títulos diferentes –entre secuelas y ‘spin-offs’– una popular seguidilla de largometrajes (más bien mediocres) y publicaciones literarias escritas por la autora S. D. Perry.

Imagen: Captura de pantalla.

Sin embargo, al otro lado del océano Atlántico, el pequeño diario belga Le Petit Vingtième publicaba el primer número de ‘Las Aventuras de Tintín’ en 1929. Una obra del por entonces desconocido historietista Georges Remi, pero que con el tiempo logró posicionar a su protagonista y sus peripecias a la par, por qué no, de las del ratón de Disney.

Un reportero de copete y un fox terrier blanco

Otiginalmente llamada ‘Les Aventures de Tintin et Milou’, la creación de Hergé (seudónimo de Georges Remi) es una de las más influyentes historietas en el mundo. Tintín es un temerario y valeroso reportero de aspecto juvenil, caracterizado por sus pantalones bombachos y medias blancas, que recorre el mundo buscando las mejores historias junto a Milú, su leal y valiente fox terrier blanco, un acérrimo aficionado a los huesos.

Hergé, quien tuvo una educación católica en el colegio, pero que también prestó servicio miliar hasta llegar al rango de sargento, tenía una mente muy creativa y la habilidad intríseca -pues nunca estudió dibujo- para plasmar sobre las viñetas lo que quisiera.

En ‘Las Aventuras de Tintín’, las experiencias vividas por el historietista se reflejaron directamente en sus publicaciones: el acoso de la ocupación Nazi en los territorios franco parlantes de Europa durante la Segunda Guerra Mundial; el arresto por parte de autoridades de su país por considerarlo simpatizante del nacionalsocialismo (solo por no detener su trabajo durante la ocupación alemana); el periodo pre-descolonización del Congo de Bélgica; y el contacto con la cultura china a través del estudiante de intercambio Zhang Chongren, quien se convertiría en uno de sus mejores amigos.

Oficialmente, la colección ‘pura’ de ‘Las Aventuras de Tintín’ consta de 22 libros. Cabe resaltar que en el caso de ‘Tintín y el Lago de los Tiburones’ primero fue una película animada antes de ser una edición literaria, y además no fue escrita por Hergé, sino por Michel Regnier, uno de sus colaboradores.

Otro es el caso del álbum ‘Tintín en el País de los Soviets’, la primera publicación escrita e ilustrada de Tintín por Hergé, en el que el reportero viaja a Moscú para hacer una nota sobre la política de Stalin, este no hace parte de las ediciones adaptadas a color, pues el autor lo consideraba solo una “transgreción de su juventud”.

Un marino de agua dulce y un científico despistado

“¡Mil millones de rayos y centellas”, gritaba a más no poder Archibald Haddock, el capitán del pesquero Karaboudjan, cuando en pleno desierto del Sahara, en ‘El Cangrejo de las Pinzas de Oro’, unos ‘bebe-sin-sed’ rompieron sus botellas de whisky marca Loch Lomond .

Gran parte de la popularidad de las aventuras del reportero encopetado, no se debe propiamente a su protagonista. Es decir. Desde el tomo número ocho, Tintín conoció a uno de los mejores personajes en el mundo de las historietas: el capitán Haddock. Justo cuando se siente que el peso narrativo está tomando más peso en las aventuras que en el protagonista mismo, entra en cuadro el capitán. Este barbado marino, de pipa, gorrita y jersey azul oscuro, iracundo y adicto al ron por naturaleza, es justo el ‘picante’ que la serie necesitaba, pues Tintín, en su naturaleza jovial y fiel representante  de los buenos valores, no podía con una carga de ese calibre.

Archibald al principio es mostrado como un marino débil y alcohólico, pero con el tiempo se convierte en el más simpático de todas las aventuras. Y uno de mis grandes ídolos. De carácter impulsivo, Haddock es una fuente de insultos extravagantes, tales como: oricterópodo, coloquinto, carcamal, bachi-buzuk, ametrallador con babero, bebe-sin-sed, y otras perlas idiomáticas. Todo un bonito ejemplo de la belleza del lenguaje.

Además del iracundo personaje de la barba tupida, en ‘El Tesoro de Rackham el Rojo’ hace su primera aparición el profesor Silvestre Tornasol, el arquetipo de un científico despistado. Tornasol es un gracioso y peculiar personaje que, debido a su inevitable sordera, crea junto a Haddock varios de los momentos más graciosos de toda la serie. Desde su aparición, el profesor empezó a crecer en importancia. De hecho, el álbum ‘El Asunto Tornasol’, en el que hace las veces de personaje central, es considerado por la crítica como la mejor publicación creada por Hergé.

Tal fue el impacto que tuvieron las geniales ‘Aventuras de Tintín’, que la colección de álbumes fue adaptada a la televisión en 1991, en una coproducción franco-canadiense que constaba de 38 episodios de media hora cada uno, en una fiel representación de la obra maestra del fenomeal Hergé.

https://www.youtube.com/watch?v=iSGLNGJQMZg

Imagen: captura de pantalla

El caso es que el objeto de estudio esta vez en nuestro tradicional #TBT es el juego en el que los protagonistas son un desorientado oso y una suspicaz ave.

El oso y el pajarraco chillón

Para empezar, ¿a quién se le ocurre poner como protagonistas de un videojuego desconocido a un oso y a un pajarraco? Rareware fue el estudio que desarrolló ‘Banjo-Kazooie’ en 1998, antes de que en 2002 fuera comprado por Microsoft. Y es que si Rare estaba detrás del proyecto, el éxito estaba casi garantizado. Esta compañía británica fundada en 1982 fue la responsable de bellezas clásicas como ‘Donkey Kong Country’ y ‘GoldenEye 007’, un par de títulos que marcaron la historia de los videojuegos.

La historia de ‘Banjo-Kazooie’ empieza muy al estilo de un cuento germano de los hermanos Grimm. Gruntilda, una bruja malvada y narizona se entera, por medio de su apestosa caldera, que en la Spiral Mountain habita Tootie, una osita muy bonita. La bruja, ardiendo de los celos, le pide a su lugarteniente Klungo, un ogro color verde, que construya una máquina que permita transferir la belleza de una persona a otra. Una noche mientras Tootie está durmiendo en la casa de su hermano Banjo, es raptada por Gruntilda. Es entonces cuando Banjo y Kazooie emprenden viaje para rescatar a la pequeña.

La historia es digna de los hermanos Grimm

La mecánica del juego se basa en la exploración 3D no lineal de diferentes mundos, tal como la presentada en ‘Mario 64’ un par de años atrás. El oso y el pajarraco chillón, que siempre estaba dentro de la mochila del peludo mamífero, debían encontrar ‘Jigsaws’ (piezas de rompecabezas) para poder desbloquear y acceder a nuevas zonas dentro de Gruntilda’s Lair. Para eso, en el camino se encuentran un gran abanico de aliados, que incluso pueden llegar a ser más interesantes que los mismos protagonistas: Bottles, el topo que otorga los poderes y las habilidades; y el gran Mumbo Jumbo, el chamán con cara de cráneo, que convertía a Banjo y a Kazooie en una termita, un cocodrilo, una pequeña calabaza, una morsa e incluso en una lavadora, cuando el hechizo le salía mal.

Una pintura digna de los maestros del óleo

El 29 de junio de 1998, hace casi 17 años, salió a la venta uno de los juegos que más recuerdos me traen de una infancia en la que lo único que importaba era levantarse temprano para prender el Nintendo 64 y jugar.

‘Banjo-Kazooie’ llegó a mi vida hace varios años, pero pareciera que fue solo hace una decena de días. Cuando tenía unos 10 años, mi mamá prometió regalarme el juego como compensación de una amarga intervención quirúrgica que debían hacerme en uno de mis pies. La verdad yo no conocía el juego, solo una vez lo vi en un BlockBuster. A mi progenitora le pareció buena idea comprarlo, pues en la carátula salían coloridos animalitos, por lo que se aseguraba de que el juego era indicado para un niño de mi edad.

Luego de la operación estuve en cama cerca de dos semanas, en las queno hice más que jugar ‘Banjo-Kazooie’. Identificarse con los personajes, sus habilidades y sus aventuras fue fácil. Realmente era un juego de altísima calidad que te atrapaba, mucho más que ‘Mario 64’, que había entrado a mi colección no hacía mucho. Tal vez esa sea la razón por la que prefiero al juego del oso y de la ave que al del fontanero, pero es una cuestión personal.

Cada mundo parecía un óleo del renacimiento

Más adelante, luego de unos años, cuando los emuladores para el computador eran furor, volví a jugar aquel mítico juego que tantos recuerdos me trae. Entendí que más allá de la mecánica de juego, los minijuegos, los personajes, los puzzles y de las aventuras propuestas en el recorrido, el verdadero valor de ‘Banjo-Kazooie’ radica en su diseño artístico y en la música original, compuesta por el estupendo Grant Kirkhope. Cada mundo tenía un nivel de detalle y desarrollo digno de los óleos más bonitos del renacimiento. Solo piensen en nombres como ‘Mumbo’s Mountain’, ‘Treasure Trove Cove’, ‘Freezeezy Peak’, ‘Mad Monster Mansion’ y seguro unas bonitas memorias llegarán a su cerebro.

La noche de los centinelas

Cuando la joven Jubilee (la de los shorts azules ‘noventeros’) descubre que tiene poderes mutantes, es atacada por los centinelas, unos robots morados y grandotes creados para exterminar a los ‘no humanos’. Rescatada por los X-Men del ataque de los centinelas, Jubilee abandona sus padres adoptivos y se une a los hombres equis.

El grupo de mutantes formalmente estaba conformado por Charles Xavier, la cabeza del grupo -literalmente-; Wolverine; Cyclops y su novia Marvel Girl; Rogue, Gambit, Storm, Beast y la recientemente incorporada Jubilee. Entre tanto, el ‘villano’, además de los xenófobos humanos, era Magneto/Eric Lensherr, quien en realidad no es que quisiera fervorosamente derrotar a los X-Men sino que contrario a ellos, no imagina un futuro en el que humanos convivan con mutantes.

La serie fue un ícono durante los años en que estuvo al aire y unos cuantos más después de haber finalizado. Producida por Fox, ‘X-Men’ contó con con cinco temporadas y 76 episodios, entre los que hubo apariciones y cameos de otras figuras del universo Marvel como Punisher, Spider-Man, Miss Marvel y Captain America, entre otros.

Pero lo que mejor supo hacer la serie fue manejar de gran manera temas maduros como las relaciones sentimentales entre los personajes o el conflicto social humano-mutante. El triangulo amoroso entre Logan, Jean Gray y Scott Summers; y la compleja y graciosa relación entre Remy LeBeau y Anna Marie son un ejemplo de esto. También había una contundente crítica a temas religiosos, de esclavitud y racismo e intolerancia, temas que la serie supo manejarlos formidablemente, pues nunca abandonó su sentido inicial: una serie animada para niños.

X-Men: Mutant Apocalypse

Poco tiempo después de que ‘X-Men’ estrenara, Capcom desarrolló y publicó en 1994 un videojuego para Super Nintendo basado en la serie animada y con varios elementos presentes en los cómics.

A diferencia de la serie, el juego tuvo un abanico más reducido de personajes principales (los jugables). Repetían en el casting Wolverine; Cyclops; Beast y Gambit, agregando a Psylocke, pero se perdía a Rogue, Marvel Girl y Jubilee. El juego era realmente complicado. Por esos días la mayoría de juegos lo eran, pues contabas con vidas limitadas y si morías había que empezar desde el principio; la opción de guardar tu progreso no estaba sobre la mesa. Pero a pesar de ser un juego considerablemente difícil era muy divertido. Retrataron muy bien cada una de las habilidades de los cinco mutantes, por lo que la jugabilidad se sentía muy fiel a lo que veíamos en la serie animada.

Realmente los noventa eran otra cosa, incluso con los videojuegos. Antes te agradecían cada vez que te tomabas el tiempo de terminar sus juegos. Hoy lo que hacen es cobrarte 60 dólares por un juego que ni te da las gracias al final.

21 de noviembre de 1990. Una fecha que tranquilamente puede marcar el antes y después de, por qué no, la mayoría de gamers en la historia. Esa fecha cambió mi vida; estoy seguro que cambió la tuya. Uno de los juegos más bonitos y divertidos que hayan podido inventar salió a la venta ese día en Japón, país que por entonces mandaba en la parada en la creación de videojuegos.

Es hora de sacar un pañuelo; es momento de un nuevo #TBT. Bienvenidos a ‘Super Mario World’.

Welcome to Mario World (?)

Realmente el videojuego no debió haberse llamado ‘Super Mario World’ sino ‘Yoshi’s World’. El lugar donde ocurren los eventos del juego se llama ‘Dinousaur Land’. Es una tierra habitada por dinosaurios de todos los colores, con diferentes habilidades, que se alimentan de un fruto parecido al ‘tomacco’.

Luego de que el par de hermanos rescataran a la princesa Peach en ‘Super Mario Bros. 3’ decidieron tomar unas vacaciones en la isla de los dinosaurios. Un día, al despertarse, Mario y Luigi se percataron que la princesa y otros pequeños dinosaurios habían sido raptados por Boswer y sus siete hijos. Con la ayuda de Yoshi, tanto el hermano rojo y el verde emprenden una cruzada para salvar a su rosada y rubia damisela.

Producido y diseñado por Shigeru Miyamoto, el ‘Walt Disney de los videouegos’, ‘Super Mario World’ pudo no ser único en su especie, pero fue la culminación satisfactoria de un estilo que arrancó en 1985. Habiendo pasado por ‘Super Mario Bros.’, ‘Super Mario Bros.: The Lost Levels’ y Super Mario Bros. 3′, ‘Mario World’ es un videojuego en dos dimensiones desarrollado para SNES en cartuchos de 4 bits, siendo la séptima entrega de los juegos del fontanero. Es el juego más vendido de la consola con 20 millones de copias y fue relanzado tres veces: la primera, en 1994 para ‘Super Mario All-Stars’; la segunda, con ciertas modificaciones en el gameplay en 2001 para Game Boy Advaced; y en 2007 para Wii.

Es difícil dejar atrás la nostalgia y los recuerdos derivados provenientes de este juego. Por esos días en los que soplábamos los cartuchos de Super Nintendo cuando no funcionaban, los secretos en los videojuegos eran parte del argot popular. Nada de Internet, nada de YouTube, nada de Wikipedia. El conocimiento sobre cómo acceder a diferentes niveles como los de la Star World y mucho más a la Special Zone variaba de persona en persona: unos llegaban por acá; otros por allá.

Es más, dentro del círculo en el que yo me movía (primos de parte de padre y madre), cuando terminábamos la Special Zone visualmente el juego cambiaba mucho, obteniendo una tonalidad ‘achocolatada’, por lo que pensábamos que el mundo se convertía en chocolate. Para sorpresa mía, en realidad no es que cayeran millones de litros de cacao fundido, sino que se dejaba la primavera y se pasaba al otoño.

‘Super Mario World’ tiene una característica especial que ha trascendido más allá del tiempo y de los avances que la programación y animación han alcanzado: es un juego que no envejece. Fácilmente, por más PlayStation 4, Xbox One o un sólido PC ‘gamer’, siempre será un buen momento para jugar por octogésima tercera vez ‘Super Mario World’.

Es más. ¿Saben qué? Ya mismo voy a jugar un rato, pues mi jefe aún no llega a la redacción.

Los veo fijo dentro de ocho días. ¡Pásenla bien!

Imagen: Captura de pantalla

Y como el largometraje de las Tortugas Ninja no logró retumbar nuestros corazones con un producto de calidad, nuestro #TBT semanal tiene la tarea de poner orden en la casa. Amárrense su antifaz, sujétense el cinturón y agarren su arma predilecta para combatir a Destructor. Bienvenidos a un nuevo #TBT: ‘Teenage Mutant Ninja Turtles’.

https://www.youtube.com/watch?v=C550S9bTur8

Di no a las drogas, di sí a la pizza

Aunque originalmente las Tortugas Ninja fueron creadas en 1984 por los escritores y artistas estadounidenses Kevin Eastman y Peter Laird, los antropomorfos animales alcanzaron la fama a fines de los ochenta y principios de los noventa.

Como buen producto ‘ochentero’, la fórmula debía provenir de ideas bizarras, bien al estilo de Dalí: unas tortugas con forma humana, entrenadas en el arte del nijutsu por una rata sensei, que viven en las alcantarillas de Nueva York y que luchan contra mutantes y aliens mientras se mantienen escondidas de la sociedad a la que protegen.

Las cuatro tortugas, bautizadas en honor a los grandes maestros de la pintura y la escultura del Renacimiento italiano, Donatello (Donato di Niccolò ‘Donatello’), Leonardo (Leonardo di ser Piero da Vinci), Rafael (Raffaello Sanzio) y Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti), fueron de lo más grande que pudo haber sido creado para los niños.

Los personajes eran muy coloridos, con voces muy particulares, por lo que la experiencia tanto visual como sonora era de primera. Con un bonito sentido del humor, la serie lograba conjugar lo mejor de la cultura pop norteamericana con la esencia ancestral asiática.

De hecho, es gracias a las aventuras de las adolescentes tortugas ninja que muchos de nosotros sentimos una imperiosa necesidad de aprender de artes marciales: nunca se sabe cuándo debemos patearle el trasero a alguien, como hacían ellas con el temible Destructor y con el fastidioso y pegajoso Kraang.

Solo había una cosa que realmente apasionara más a las tortugas que combatir a Destuctor: la pizza. ¿Acaso podrían ser más geniales?

Kawabonga!

Era 1995. Luego de varios meses jugando Tortugas Ninja en cuanta máquina de Arcade encontrara –especialmente en la cadena de pizzerías más famosa de la ciudad por esos días–, gastando las monedas de mis padres como si no hubiera un mañana, la gente de Konami escuchó finalmente mis plegarias aunque nunca las hubiera recitado: ‘Teenage Mutant Ninja Turtles: Turtles in Time’ era la bienvenida de las tortugas al Super Nintendo.

Claro. Cuando Konami se percató del éxito de la serie televisiva de las intrépidas tortugas reaccionó inmediatamente, porque para noviemnbre de 1992 lanzó uno de los mejores videojuegos que el Super Nintendo pudo conocer. Un juego impecable que mantenía la esencia de los Arcade de la época en su mecaníca de juego, pero que también aportó una experiencia más fluida y dinámica, que supo cómo condensar la fuerza de la serie de televisión en un cartucho de 16 bits.

‘Teenage Mutant Ninja Turtles: Turtles in Time’ era un juego en dos dimensiones, natural para la época, en la que Donatello, Leonardo, Rafael y Miguel Ángel debían salvar a la reportera April O’Neil luego de unos ataques inesperados en la Estatua de la Libertad. Cuando los verdosos y ágiles héroes pensaron que habían detenido a Destructor cayeron en una especie de máquina del tiempo que los teletransportó hasta la prehistoria, por ejemplo.

Realmente el juego era dificil; y si te quedabas sin créditos debías comenzar de nuevo, como en los Arcade. Un producto creado especialmente para disfrutar en modo cooperativo, pues no había nada más importante que terminar un nivel y corear en grupo “Kawabonga!“.

Los veo dentro de ocho días. Pásenla bien.

Imagen: Captura de pantalla

El inicio de la simulación en el fútbol

Tras el crecimiento del fútbol luego del Mundial de los Estados Unidos en 1994, era el momento ideal para que los desarrolladores de videojuegos tuvieran la excusa perfecta para trabajar fuertemente en las primeras generaciones de los simuladores deportivos. La fórmula presentada en 1995 por ‘International Superstar Soccer’ (ISS), un juego que debutó en Super Nintendo, fue muy diferente a la de sus competidores. Mientras juegos como ‘FIFA’ o ‘Super Soccer’, que existían desde antes, tenían un estilo de juego más bien caricaturesco, ISS planteó una forma más seria y adulta de ver y jugar el fútbol en una videoconsola.

El videojuego fue toda una revolución en su arte. Fue la primera vez que se incorporaron comentarios durante el partido, pues anteriormente solo se escuchaba la voz del anunciador cuando se anotaba un gol. La animación se sentía más legítima debido al look de los jugadores y del balón; aunque algunas maniobras de los muñecos no eran muy ortodoxas, como tampoco las dimensiones de la bomba central, de las áreas de cada equipo y del tamaño de los arcos con respecto a la envergadura de los futbolistas.

“¡Fútbol excitante! ¡Horrible oye!“

Más allá del aparente enfoque de realismo y madurez que el juego quería imponer en la audiencia, era también un producto gracioso y peculiar. Si corrías con un poco de suerte, los tiros desviados del arco podían impactar de frente a los camarógrafos y tumbarlos.

Pero no solo eso. Podías editar completamente el uniforme del equipo que seleccionaras. No importaba que los colores de Brasil fueran el tradicional amarillo, azul y blanco, se podía colorear el uniforme –por ejemplo— totalmente de negro, y camuflarte con el árbitro para despistar a tus rivales, y de paso a ti mismo.

Más allá de eso, una de las características más bizarras de ‘International Superstar Soccer’ eran las decenas de versiones sin licencia que se conseguían en el mercado negro. Un sinnúmero de hackers crearon versiones piratas del juego en las que en vez de jugar con selecciones lo hacías con clubes como Boca Juniors o el Real Madrid, o variaciones del juego oficial en un español y portugués pobre en calidad, tanto en la narración de los partidos como al navegar por los diferentes menús del juego.

Recuerdo mucho uno que se llama ‘Fútbol Peruano 97’ en el que la selección inca tenía todos sus jugadores con habilidades estratosféricas, como si en su plantilla tuvieran a Lothar Matthäus, Romario, George Weah, Roberto Baggio o al gran ‘Tino’ Asprilla.

Imagen: Captura de pantalla

Las puertas del parque se abren; bienvenidos al #TBT de ‘Jurassic Park’.

La vida encuentra el camino

‘Jurassic Park’ -basada en la novela homónima de Michael Crichton- fue una película dirigida por Steven Spielberg, un cineasta que con mucha frecuencia se interesa en proyectos cinematográficos en los que cosas extraordinarias le ocurren a personas ordinarias. Luego del primer filme –que estrenó en 1993– se realizaron un par de entregas má,s que de ninguna manera dieron la talla con la predecesora. Ahora bien. Hace solo una semana estrenó ‘Jurassic World’, un reboot que intenta refrescar la franquicia y, de la misma manera, mostrarnos por fin el tan anhelado sueño del buen John Hammond: abrir al público un mundo jurásico en nuestra era.

Con un presupuesto de 60 millones de dólares, ‘Jurassic Park’ revolucionó el cine el año en que estrenó. Sumándose a Richard Attenborough (hermano del pionero de los documentales de naturaleza David Attenborough), quien interpreta a John Hammond, está Sam Neil como el doctor Alan Grant y Laura Dern, caracterizando a la paleobotánica Ellie Sattler. Pero el filme no solo tenía un elenco de gran nivel y renombre, sino que gracias a los efectos especiales proporcionados por Industrial Light & Magic, los ‘animatronics’ de los dinosaurios parecían estar respirándote en la nuca.

Una máquina de hacer dinero

‘Jurassic Park’ puede ser uno de los filmes que más veces he visto. No importa el momento, ni el día, si la llego a pescar en algún canal -por más que ya haya empezado- me engancho. Al doctor Grant, por ejemplo, le guardo bastante cariño, pues tiene cierta semblanza física a mi padre. Sin embargo, los verdaderos protagonistas de este filme son el triceratops, los velociraptors y, por supuesto, el depredador más grande que haya pisado este planeta: el T-Rex.

Sin lugar a dudas, ‘Jurassic Park’ (Universal Pictures, propiamente) son los dioses para vender cuanta mercancía relacionada al filme se les ocurra. En la primera mitad de los noventa, no había niño que no quisiera ponerle las manos encima a un juguete de la película.

Recuerdo, como si fuera ayer, que mis primos, recién llegados de un viaje a Orlando, trajeron varios ‘dinos’ de juguete. Al T-Rex, por ejemplo, se le podía quitar y poner un pedazo de carne para emular una mordida luego de un combate mortal contra un Spinosaurus. Los muñecos eran muy reales, se sentían sus escamosos cuerpos, y hasta podías pincharte un dedo con los filosos dentes de los carnívoros.

Pero no solo los juguetes hacen parte del impresionante abanico de mercadeo derivado de la película. Desde las famosas camisetas, gorras, calzoncillos, medias, vasos y vajillas hasta parques de diversiones (como el que hay en Islands of Adventure), así como varios videojuegos, unos malos, y otros rescatables.

Después de todo, ‘Jurassic Park’ marcó a varias generaciones, desde niños, jóvenes y adultos, pues las cifras que ha alcanzado ‘Jurassic World’ en su primer fin de semana lo demuestran. Pasarán muchos años, muchas películas, pero aquellos bienaventurados que disfrutamos de ‘Jurassic Park’ nunca olvidaremos cuando el T-Rex se devora al ‘pisco’ que está haciendo del cuerpo en el retrete.

Esa escena es como ver a Jesús: inolvidable, ¿no creen?

Imagen: Jurassic Park (Facebook)

¡Bienvenidos a un nuevo #TBT: ‘Dragon Ball Final Bout’!

Kame Hame Ha

En la redacción de ENTER.CO estamos divididos. Hay quienes aman a Dragon Ball; hay quienes no se lo aguantan, o que al menos creen que está sobrevalorado. En todo caso, si existe en la faz de la tierra un sapiens sapiens que se atreva a negar la calidad y la fuerza (lo que no significa que deba gustarle) de los personajes y la historia creada por Akira Toriyama, seguro no es un ser muy evolucionado.

Dragon Ball fácilmente puede ser una de las series más cautivantes y famosas del anime. Originalmente, antes de estar en la pantalla chica, fue un manga –publicado originalmente en 1984– ilustrado y escrito por Akira Toriyama. Tan grande fue su acogida, que solo dos años después, en 1986, Toei Animation realizó su adaptación a la televisión.

Y a casi treinta años del primer episodio de Dragon Ball en la televisión, llega ‘Dragon Ball Z: La Resurrección de Freezer’, una nueva película que ya estrenó en Japón pero que en Latinoamérica está prevista para finales de este mes, y que peculiarmente mostrará una nueva transformación de Goku, esta vez con el pelo teñido de azul, cosa que nunca se vio en la serie.

Casi 10 años después de haber debutado en la televisión japonesa, Dragon Ball presentó para el PlayStation -en 1997- uno de los mejores videojuegos de la consola, y, por qué no, de toda la saga creada por Toriyama: ‘Dragon Ball Final Bout’.

Derecha, izquierda, arriba, abajo (X3)
Tres veces triángulo, tres veces equis

Si sabes qué significa eso que escribí en el intertítulo, ustedes son de los míos. Sin embargo, si no sabes qué es, con gusto te explico: cuando el cinematic introductorio de ‘Dragon Ball Final Bout’ terminaba, antes de presionar START, si introducías esa secuencia de botones, tendrías acceso a un abanico más amplio de los personajes jugables, como Vegito o Goku Super Saiyajin Fase 4.

El juego tiene una mecánica similar a los juegos de pelea de la época, pero incorporó ambientes y escenarios en 3D, lo que fue muy llamativo. Sin embargo, lo que más recordaremos aquellos que pasamos horas pegados al juego, eran los combates entre los poderes únicos de cada uno de los personajes de Dragon Ball Z o GT. Con un comando similar para desbloquear a Vegito o a Goku en la cuarta transformación, puedes ejecutar una espectacular técnica especial propia de cada peleador, como el Kame Hame Ha de Goku, el Makankōsappō de Piccoro o el Masenko de Gohan. Pero eso no es todo. Durante el ataque especial, el oponente puede hacer dos cosas: desviar el ataque (lo que le diminuye en un buen porcentaje el daño recibido) o contraatacar. Si el atacado decide tomar represalias, ambos personajes entran en un combate tipo ‘bullet time’, en el que el ganador será aquel que presione más rápido determinados botones del control.

Pero a pesar de la gran acogida que tuvo el juego en el público, la crítica especializada lo volvió papilla. Por ejemplo, GameSpot -uno de los sitos web más reconocidos y respetados de la industria- lo calificó con 3,3 sobre 10, para que se hagan una idea. Pero al fin y al cabo, no importa lo que los demás digan, pues lo que importa es que uno se haya, divertido como si no hubiera un mañana, o ¿no?

Imagen: Captura de pantalla

¡Verde, verde, semáforos en verde! ¡Acelerador a fondo porque arranca un nuevo #TBT!

La vuelta al mundo en menos de 80 días

La infancia de quienes tuvimos un Super Nintendo a principios de los noventa no hubiera sido la misma sin ‘Top Gear’. ‘Top Gear’ es al Super Nintendo lo que el aceite es al motor, y el agua al radiador. En 1992 en Japón salió a la venta un juego de carreras que tal vez no haya sido el pionero en su género, pero que sí se encargó de revolucionar y popularizar el estilo, siendo el punto de partida para las futuras generaciones.

Si Phileas Fogg duró 80 días en darle la vuelta al mundo, en la fabulosa obra literaria de Julio Verne, en ‘Top Gear’ podías lograr una hazaña similar y estoy seguro que no te demorabas tanto tiempo. El recorrido empezaba en los Estados Unidos, viajando de costa a costa desde Los Ángeles a Nueva York, pasando después por la cálida zona de Chichén Itzá, cuna de la civilización maya, hasta detenerse en la selva amazónica brasilera.

Cruzando el Océano Pacífico en su totalidad, ‘Top Gear’ nos traslada a la tierra de los samurais. En un corto recorrido atravesando la isla, siempre con el sol naciente sobre el horizonte, tenemos la oportunidad de visitar ciudades emblemáticas con Tokio, Kioto, Hiroshima y Yokohama.

Como si Asia no fuera lo suficientemente grande y llamativa, inesperadamente, la siguiente parada de la travesía global es en Alemania. Los corredores han atravesado todo el continente americano en auto, y el asiático, en avión. En Europa, el itinerario de ruta está organizado de la siguiente manera: Alemania, Escandinavia (Suecia, Dinamarca, Noruega y Finlandia), Francia, Italia y, cerrando con broche de oro y mucha champaña, el Reino Unido tendrá el privilegio de mostrar la bandera a cuadros a la vuelta al mundo.

Un juego que nunca muere

Tal fue el éxito de ‘Top Gear’ que inmediatamente en el año siguiente, y luego un par después, salieron ‘Top Gear 2’ y ‘Top Gear 3000’. La segunda parte del flamante juego de carreras mantuvo la mecánica de su predecesor y la idea de recorrer el mundo entero, pero le añadió la posibilidad de modificar muchas de las partes del auto con dinero que ibas obteniendo carrera a carrera.

Esto fue un punto de desequilibro muy grande porque llegaba un momento en el que si no habías acumulado suficientes mejoras para tu carro, como aumentar el cilindraje del motor o añadirle un turbo más duradero y potente, no tendrías oportunidad alguna de vencer, pues la CPU se ponía muy seria (demasiado, en realidad) en la recta final del juego. Otro par de cambios que más valor tuvieron con la llegada de ‘Top Gear 2’ fue que si jugabas tu solo (forever alone) la pantalla no se dividiría, como sí sucedía con la precuela. Por otra parte, se añadieron factores climáticos más detallados: podías iniciar una carrera con un radiante sol pegando de frente sobre tus ojos y terminar con una tormenta de nieve que dificultará la visión en cada una de las curvas.

Para ‘Top Gear 3000’, que en realidad fue poco lo que lo habré jugado, la cosa perdió un poco de verosimilitud y ahondaron un periodo en el que las cosas ya perdían sentido. Originalmente, ‘Top Gear 3000’ se llevaba a cabo en el año 2962 (paradojicamente), en donde la idea ya no es recorrer nuestro planeta, sino darse una vuelta por el universo. No sé ustedes, pero creo que para esa época, si la raza humana no se ha suprimido entre sí, o Skynet ha tomado el control, dudo mucho que los carros aún tengan llantas y que transiten sobre carreteras, pero bueno.

Después de todo, la trilogía de ‘Top Gear’ se disfrutó a más no poder. Es de esos juegos nostálgicos que valen la pena darles una jugada hoy en día, pues su carácter y esencia, por más que gráficamente estén avasallados por las propuestas de las consolas de última generación, se mantendrán hasta que sus huesos y los míos sean solo polvo. Se los garantizo.

Imagen: Captura de pantalla.

Pero Nolan no es el único que ha logrado sublevar el poder de sus películas con las segundas partes. Francis Ford Coppola lo logró tambien con ‘The Godfather Part II’, tal vez uno de los mejores largometrajes en la historia. James Cameron, entre tanto, es otro virtuoso de la industria, afamado por ‘Titanic’ o ‘Avatar’, aunque con una perspectiva audiovisual distinta a la de Nolan y a la de Coppola.

Cameron, de pasaporte canadiense, es uno de los directores, productores y guionistas más visionarios de Hollywood. Es de esos que se embarca en un proyecto y los estudios de cine se pelean por los derechos de sus películas porque saben que serán un éxito masivo.

‘Terminator’ fue toda una revolución en el cine de ciencia ficción en donde un futuro apocalíptico, que cada vez más parece más inminente, pues el mismo astrofísico y teórico físico Stephen Hawking augura un porvenir en el que las máquinas pasarán por encima nuestro, es el escenario. Hazaña que fue borrada sin lugar a dudas por su segunda parte: ‘Terminator 2: The Judgement Day’, estelarizada también por la masa de músculo austriaca y ex Mr. Universe, Arnold Schwarzenegger, y Linda Hamilton (futura esposa de Cameron), junto al mancebo Edward Furlong y al impío Robert Patrick, en el papel del antagonista.

Bienvenidos al futuro. Bienvenidos a un nuevo #TBT.

“Hasta la vista, baby”

De los 100 millones de dólares que costó hacer la película, 15 fueron para el corpulento Arnold Schwarzenegger. Lo curioso es que ‘Arnie’ solamente dice 700 palabras en todo el filme, por lo que la frase “Hasta la vista, baby” le costó 85.716 dólares a la producción.

Para la época, ‘Terminator 2: The Judgement Day’ fue el largometraje con el mayor presupuesto en la historia. Una cantidad que fue quintuplicada fácilmente en taquilla, pues el filme fue un éxito rotundo, demostrando que hasta las películas de acción, si tienen una buena historia, y unos buenos personajes, por más que la preponderancia narrativa esté plagada de persecuciones, disparos y  explosiones, puede llegar a ser un excelente producto audiovisual si es bien tratado y pensado.

La anterior escena es el ejemplo perfecto por la cual obtuvo el Premio de la Academia a Mejores efectos visuales. Pero ese no es el único caso. James Cameron se encargó de recrear escenas fascinantes, realizadas mediante las primeras imágenes por computador para recrear al T-1000, un prototipo de metal líquido que es capaz de transformar su figura en cualquier persona u objeto punzante, mucho más avanzado y capacitado para exterminar que el mismo Terminator.

De hecho, de los dos pares de películas sobre ‘Terminator’ que se han realizado, la segunda parte fue nominada a seis Premios de la Academia, ganando cuatro, todo un hito en las películas de su género.

Incluso las máquinas pueden sonreír

‘Terminator 2: The Judgement Day’ es fácilmente la película que más veces he visto en mi vida. No había domingo en la tarde en cualquier canal que no pasaran la obra maestra de Cameron, quien no solo la dirigió, sino que la produjo y la escribió, como hacen los grandes.

Pero más allá de las fabulosas secuencias de acción –como las persecuciones por las calles de Los Ángeles, el rescate de Sarah Connor del Pescadero State Hospital o por la visionaria idea de implementar CGI para explorar nuevos terrenos en efectos visuales- lo más sobresaliente del filme es la naturalidad y lo fácil que es sentirse identificado con cada una de las situaciones tratadas en la misma, pues, si se mira bien, ‘Terminator 2’ no es más que la historia de un padre y una madre dando la vida por su hijo en un mundo próximo al apocalipsis.

Sarah Connor representa la otra cara de la moneda, ya que no es una mujer del montón. Es una madre ejemplar, muy a su manera, que incluso es más fuerte que la misma máquina, porque a pesar de que no goza de su misma efectividad para asesinar o para sobrevivir, procura hacer lo mismo: defender a su hijo y tratar de evitar el día del juicio final, incluso si le cuesta la vida. Sara Connor es la viva imagen de la liberación femenina: una mujer a la que no le queda nada grande, ni siquiera detener a Skynet.

Entre tanto, ver a John Connor junto al Exterminador clarifica muchas cosas. La máquina nunca se detendría, nunca lo dejaría, nunca le haría daño, nunca le gritaría. Siempre estará ahí; incluso moriría por él. Esa es la idealización perfecta de una figura paterna, por más que no sea de carne y hueso, o que sonreír no sea parte de sus patrones de funcionalidad.

Y es que al final de la película, la misma Sarah sintetiza perfectamente lo que vimos a lo largo del filme: “De todos los aspirantes a padres que iban y venían en los últimos años, esta cosa, esta maquina, era el único que estaba a la altura. En un mundo corrompido, era la opción más sana”.

“I’ll be back”, como ya es costumbre, con otro #TBT. Un abrazo.

Imagen: Captura de pantalla.

Ese deseo, casi narcótico, de obligar a mi mente a no olvidar los buenos momentos que forjaron mi vida me han hecho el sujeto que soy –plagado de ridículos vicios y solo una que otra virtud–. Gran parte de eso es culpa de la música original de la trilogía de ‘Donkey Kong Country’, pues sin ánimo de parecer osado, puedo sostener que la composición orquestal realizada para estos juegos, liderada por David Wise, es la pieza musical más grande que alguna vez se haya creado para un videojuego.

Bienvenidos a un nuevo #TBT: ‘Donkey Kong Country’.

Renacimiento florentino en el siglo XX

Todo comenzó en 1981, cuando Nintendo exportó al papá del género de plataforma al resto del mundo. Era un juego con una mecánica muy simple: un hombrecito saltarín, llamado Jumpman, que luego se convertiría en el fontanero italoamericano más famoso del mundo (Mario Bros., si duermes bajo una roca), tenía como misión rescatar a una damisela en peligro que había sido raptada por Donkey Kong, un rabioso y energúmeno gorila gigante. Sin duda, este juego fue un guiño a aquella película ‘King Kong’ de 1933.

Fue a partir de ese segundo año de la octava década del siglo pasado en que la popularidad de Nintendo tuvo su crecimiento exponencial. Popularidad que alcanzó, en mayor medida, gracias a dos de sus mas grandes estrellas: Mario y Donkey Kong. Si bien sus historias al principio tenían una misma línea, el fontanero y el primate se separaron, exitosamente, eso sí, porque en 1994 nació una de las trilogías más espectaculares que la raza humana haya presenciado: ‘Donkey Kong Country’.

Los tres títulos lanzados inicialmente para Super Nintendo lograron revolucionar la forma en que se hacían videojuegos, pues puso sobre la mesa una jugabilidad mucho más desarrollada, un arte conceptual de primera categoría y la inclusión de bandas sonoras especialmente creadas para ambientar cada instante de la experiencia.

Su detalle gráfico fue lo que más me impactó al principio. ‘Donkey Kong Country’, para ser un juego de solo 16 bits y en dos dimensiones, realmente es una obra maestra. Así como Miguel Ángel Buonarroti tuvo sus frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina; Rafael Sancio a ‘La escuela de Atenas’ y Leonardo Da Vinci a ‘La Gioconda’, Nintendo lo tuvo con ‘Donkey Kong Country’. Cada nivel, cada escenario, desde una tradicional jungla tropical, llena de barriles, bananos y globos, hasta un bosque encantado, unas ruinas antiguas, una fábrica sin luz, un parque de diversiones, un panal de abejas, un fétido volcán, un barco fantasma anclado en densos manglares o las profundas aguas oceánicas, plagadas de calamares, pulpos y tiburones, reflejaron el virtuoso concepto artístico del que les hablo.

Un ‘pompadour’ al estilo de Elvis y una elegante corbata roja

Crear un universo en el que los protagonistas son primates no es pan comido. Estos simios, protagonistas ellos de su propia historia, en un ‘país’ aparentemente dominado solo por animales antropomorfos, no solo por sus cualidades físicas, sino por su mismo comportamiento y habilidades dignas de quienes gozamos de pulgares oponibles, son la estructura de una creación sublime.

La fuerza de ‘Donkey Kong Country’ no solo radica en la espectacularidad de sus paisajes, dignos, como mencioné, del pincel y la brocha de los genios del renacimiento. Me quedaría corto si solo alabara este aspecto. Donkey Kong, el protagonista del primer juego junto a su sobrino Diddy, el pequeño y agil miquito de cachucha, es un gorila con un estilo similar al del ‘rey del rock’n roll’. Juntos deben recuperar su gran abastecimiento de bananos que ha sido ultrajado por el brutal King K. Rool y su ejercito de ‘kremlings’, una raza de cocodrilos, la mayoría bípedos, como su mandamás.

Luego de rescatar su interminable dotación de platanos, en la segunda parte, conocida como ‘Donkey Kong Country 2: Diddy’s Kong Quest’, el feroz King K. Rool, ahora Kaptain K. Rool, secuestra a Donkey, por lo que su sobrino emprende su búsqueda junto a Dixie, su novia de largos y dorados cabellos. Caso similar sucede en la tercera y última parte de esta increíble trilogía: ‘Donkey Kong Country 3: Dixie Kong’s Double Trouble!’, en la que es ahora Dixie quien tiene que buscar a su novio y a Donkey, pues se han perdido luego de irse de pesca. En esta última aventura, como es tradicional en los videojuegos, la dupla se construye con Kiddy, un gorila bebé, pero de un tamaño y fuerza poco ortodoxas para su corta edad.

A lo largo de los tres juegos, la familia Kong no ha estado sola. Junto a ellos ha estado un ejército de lugartenientes tan coquetos como los peludos. Tal es el caso de Rambi, el rinoceronte; Winky, la rana; Enguarde, el pez espada; Expresso, la avestruz; Squaks, el loro, entre otros animales que ayudaron a mantener el orden en la multiforme región.

La cereza en el pastel

No hubiera sido consecuente haber finalizado este #TBT sin haber hecho una mención honorífica al contenido musical de la trilogía de ‘Donkey Kong Country’ porque es lo mejor de este trío de obras maestras. Es por eso que, para cerrar como se debe, he curado su grandiosa lista de canciones. A continuación encuentran mis favoritas, ya sea porque me transportan a una época en la que lo único que importaba era patear un balón de fútbol o no soltar el control del Super Nintendo.

Pónganse sus buenos audífonos y disruten, que la música de este juego es legendaria y merece un pedestal en el Olimpo de los videojuegos, si tal cosa existiera. Nos vemos dentro de ocho días. De verdad espero que hayan disfrutado este #TBT tanto como yo. ¡Pásenla bien!

Donkey Kong

1. DK Island Swing

2. Tree Top Town

3. Fear Factory

4. Life in the Mines

5. Aquatic Ambiance

Donkey Kong Country 2: Diddy’s Kong Quest

1. Snakey Chantey (Rattle Battle)

2. Krook’s March

3. Lockjaw’s Saga

4. Forest Interlude

5. Hot-Head Bop

6. Bayou Boogie

7. Mining Melancholy

8. In a Snow-Bound Land

9. Stickerbrush Symphony

Donkey Kong Country 3: Dixie Kong’s Double Trouble!

1. Treetop Tumble

2. Rockface Rumble

3. Nuts and Bolts

4. Cascade Capers

Imagen: Captura de pantalla.