Hoy, el gigante presentó Art Camera, un dispositivo pensado para preservar el arte, gracias a una tecnología que permite hacer capturas de resoluciones muy altas, informó The Verge. Esta cámara fue creada para el Instituto cultural de fotografía de Google, el cual trabaja aliado con múltiples museos alrededor del mundo para archivar y digitalizar las obras de arte que componen estos espacios.

Según Google, la cámara es tan poderosa que puede hacer el zoom perfecto para ver en detalle cada una de las pinceladas de una pieza en óleo de Van Gogh.

En este GIF que creó la compañía y compartió en su blog oficial, se puede ver exactamente el tipo de acercamiento que hace la cámara para ver los detalles de cada cuadro:

Según Google: “Millones de personas pasan tiempo explorando nuestras imágenes ‘gigapixel’, de ultra-alta resolución, pulgada por pulgada y encuentran algo nuevo cada vez, como una firma oculta o los toques individuales de una  pintura.” Ahora, con esta nueva cámara, la idea es que el equipo encargado de este proyecto viaje por todo el mundo para poder compartir con todas las personas interesadas en el arte estas imágenes de alta resolución.

Una imagen ‘gigapixel’ está hecha de miles de millones de pixeles y poder traer estos detalles prácticamente invisibles al ojo humano para crear este tipo de imágenes digitales de tan alta resolución es un desafío tecnológico muy elevado. Hasta el momento, y según cifras compartidas de Google, el Instituto cultural de la compañía, en sus cinco años de trabajo, ha podido compartir con las personas unas 200 imágenes de este formato. Como la idea es compartir aún más, por eso crearon la Art Camera.

Para ver las obras de arte que Google tiene digitalizadas, pueden ingresar a este enlace. Aquí les dejamos un video de muestra de la cámara que Google creó y tener una mirada más profunda de su nuevo dispositivo:

Google se prepara para recibir a 25 museos más que formarán parte de este Instituto.

Imagen: Google.

En asociación con el Museo Orgánico de Romerillo, un espacio cultural que abrió sus puertas el año pasado en La Habana, Cuba, Google presentó al público algunos de sus más recientes productos como el Cardboard o Chromebooks conectados a internet, informó The Verge.

Para quienes visiten la instalación, la idea es que a través de los Chromebooks conectados a internet de la operadora oficial Etecsa, el público pueda tener acceso a la rtd, que por tanto tiempo se les ha restringido. Además, es una excelente oportunidad para que los niños cubanos puedan conocer más acerca de la realidad virtual y experimenten visitar diferentes lugares del mundo.

En el comunicado oficial de Google, la compañía asegura que esta exhibición en el Museo es solo el comienzo de algo mucho más importante y que ocurre en paralelo a los esfuerzos de otras empresas de tecnología de Estados Unidos para expandir el acceso a internet en Cuba, ya sea a través de banda ancha o de Wi-Fi. Según Google: “También estamos explorando posibilidades adicionales para aumentar y mejorar el acceso a Internet, pero estos son los primeros pasos.”

Este anuncio fue justo hecho durante la visita del presidente Barack Obama a la Isla. La nueva iniciativa del gigante no es el primer acercamiento de Google en la isla. De hecho, en 2014 Google lanzó en Cuba varios de sus productos como Google Chrome, Google Play para apps gratuitas y Google Analytics.

“Además de eso, después de que fueron tomadas medidas para normalizar las relaciones entre Cuba y los Estados Unidos, introdujimos la barra de herramientas de Google en Cuba en enero de 2015, para ayudar a las personas a buscar en la web con mayor facilidad.”, explicó Google.

Imagen: Museo Orgánico Romerillo (vía Facebook).

Estuvimos en la inauguración de ARTTEC, la feria que se está realizando en Bogotá hasta el 6 de septiembre y que es producto de la mente creativa de dos artistas colombianas, Daniela Stanich y Natalia Reyes, quienes vieron este tipo de festivales en el extranjero y quisieron traer este circuito que mezcla el arte y la tecnología a nuestra ciudad.

Entre talleres, conferencias y una muestra de las obras de artistas nacionales e internacionales, a la que recomendamos mucho que vayan y que se está realizando en el salón de exposición del edificio Gerardo Arango de la Universidad Javeriana, ARTTEC hizo su primera presentación al público y acá les contamos lo que más nos gustó.

La ciudad como circuito

Anoche pudimos comprobar la promesa de ARTTEC: hacer de la ciudad un circuito artístico. En efecto, pudimos ir de un punto a otro para poder tener diferentes experiencias con la feria. La primera parada fue en la Javeriana (nuestra parte favorita del festival, en la calle 40), luego estuvimos en el Planetario (calle 26) donde pudimos ver varias proyecciones en el domo y escuchar un rato música eléctronica; finalmente la noche se cerró en Céntrico (Calle 32), donde tocaron algunas bandas nacionales como Mavidip & Steinlausky, MNKYBSNNS y Pablo Cahn, acompañados de visuales de Juan Cortés.

Nuestra selección de la Javeriana

12 artistas fueron los seleccionados para esta primera edición del festival. En la muestra destacamos el trabajo de Panoramika, un estudio multidisciplinario que mezcla el lenguaje audiovisual, digital e interactivo.

En esta obra llamada ‘Temporal’, “los vientos tienen diferentes nombres según su velocidad y duración… entre ellos está el Temporal. La obra hace confluir el universo análogo y digital, mediante la recolección de información del viento de acuerdo al horario y su ubicación en diferentes ciudades del mundo. Llamando datos desde un portal web y traduciéndolos en visualizaciones de color y movimiento”,  se lee en la explicación de la obra.

Hablamos con uno de sus realizadores, Ícaro, quien nos explicó sobre el software que está conectado tanto a un canal del clima online, como a los ventiladores que están en la pieza. La persona, al entrar en ese espacio, elige cualquier lugar del mundo y las luces y el viento empiezan a cambiar, mostrando cómo está el movimiento del viento en ese territorio, en tiempo real. Una experiencia que si están en Bogotá, recomendamos no perderse este fin de semana.

Otra de las propuestas más interesantes fue la de Colectivo + Play, dos colombianos (Álvaro Rodríguez y Carlos Serrano) que a partir de Oculus se animaron a crear tres realidades virtuales diferentes.  Según Serrano: “queríamos romper con el mundo real y traer una parte de ello a un mundo virtual. Para eso, creamos tres mundos diferentes: uno que simula la naturaleza y la parte física del planeta; otro, la parte urbana a partir de unos escaneo 3D de Bogotá, y por último, una parte mucho más surrealista, en donde combinamos técnicas de modelado 3D y texturización.”

Finalmente, queremos destacar el trabajo del español Aleix Fernández, director creativo de Onion Lab e ingeniero multimedia. Su obra llamada ‘#WordsofData’, reúne dos piezas de gran formato donde mediante el uso de técnicas de proyección ‘mapping’, recoge información de Twitter como su materia prima y consigue generar ese tipo de estructura visual que pueden ver en la foto de arriba. En el caso que esta pieza, el hashtag que eligió fue #Feel y cada vez que alguien tuitea algo con ese hashtag se proyecta de esta forma. Como ven, varias personas en el mundo están sintiendo muchas cosas.

Esta es solo una pequeña muestra de lo que está pasando en este momento en ARTTEC. Los invitamos a que se den una vuelta si están en Bogotá para ver el resto de las obras que están hasta el domingo 6 de septiembre.

Imágenes: ENTER.CO

Hace unos días les contamos sobre Arttec, un festival que mezcla arte y tecnología en varios escenarios de la ciudad y que se celebrará en Bogotá del 3 al 6 de septiembre. En este festival, los ciudadanos tendremos la oportunidad de ver diferentes exposiciones, talleres y conferencias en las que entre multimedia, video, arte interactivo, robótica y muchas formas más, se verá la relación que tiene el arte con la tecnología. 

Hablamos con Daniela Stanich, una de las creadores del festival, quien en compañía de Natalia Reyes se las ingeniaron para poder traer este festival que se celebra en otras ciudades del mundo a la capital colombiana. Stanich me dijo que la convocatoria nacional la presentaron a través de carteles por toda la ciudad, así como contactando a las facultades de arte de las diferentes universidades. De los 20 artistas que se presentaron, eligieron a ocho.

Con respecto a que hayan tomado la decisión de hacer el festival en distintos puntos de la ciudad, la creadora del festival me dijo que “con una sola locación es muy difícil lograr un mayor alcance, aunque en general todo está en la zona del centro. La idea es que los ciudadanos vean a la ciudad como un museo y que sea un circuito, que no tengan que desplazarse tanto y que sea de fácil acceso”. 

Entre los talleres tenemos:

MadMapper

Universidad Javeriana
5:00p.m. a 8:00p.m.
Jueves 3 a sábado 5 de septiembre 2015
10 cupos
$700.000 por cupo

Taller dirigido por Boris Edelstein, artista suizo cofundador del Mapping Festival de Ginebra, una plataforma dedicada al arte audiovisual y la cultura digital que se ha convertido en un referente importante en el campo de la imagen y la creación tecnológica a nivel mundial. En el 2011 Boris Edelstein se asocia con el colectivo francés 1024 Arquitectura para crear MadMapper, uno de los primeros software de video mapping en el mercado. Recientemente, se desarrolló el MiniMad, una herramienta de mapeo de proyección en miniatura que se presentará con MadMapper en la primera edición del Festival ARTTEC en Bogotá.

Mapping

Universidad Javeriana
5:00p.m. a 8:00p.m.
Jueves 3 a sábado 5 de septiembre 2015
20 cupos
$400.000

Taller dirigido por Aleix Fernández, director creativo de Onionlab (www.onionlab.com) e ingeniero multimedia. Este taller aborda las nuevas tecnologías entorno a la creación de videos proyectados sobre objetos, construcciones arquitectónicas y casi cualquier superficie, transformándola así en una pantalla de video dinámica. El taller tiene como objetivo enseñar el proceso de creación de un mapping, mediante la conceptualización, guionaje y técnica de elaboración. Apoyándose de casos en los que el artista ha trabajado personalmente.

Robot kids

Cine Tonalá
Cra 6 # 35-37
10:00 a.m. a 3:00 p.m.
Sábado 5 de septiembre 2015
12 cupos
$125.000

Taller dirigido por Panoramika, estudio multidisciplinario de nuevos medios, especializado en la concepción, realización y desarrollo de experiencias que involucran el lenguaje audiovisual, digital e interactivo. Este taller se concentrará en el campo de la robótica y narrativa para niños, basado en los juguetes electrónicos Little Bits. El taller esta dirigido a niños (9-12 años), brindándoles un espacio para que jueguen y construyan objetos y personajes de mundos fantásticos, a partir de entender las diferentes posibilidades que obtienen al conectar estos juguetes electrónicos. Será un taller inspirador para incentivar a los niños a la exploración, superando retos, invitándolos a ser los inventores del futuro.

Algunas de las conferencias son:

Proyecto sonoro: A0 Proyecto

Museo Nacional
Cra 7 # 28-66
5:00p.m. a 6:00p.m.
Viernes 4 de septiembre 2015
250 cupos
Entrada libre

Conferencia presentada por Julio Victoria, DJ y productor colombiano con un importante recorrido en el circuito electrónico en el país. Victoria ha conseguido llevar su música a importantes escenarios en una búsqueda interna de un sonido propio. A través del House y el Techno ha desarrollado un estilo donde la sensibilidad se combina con sonidos profundos. Después de un trabajo colectivo en que se recopilaron los sonidos de las campanas de la Iglesia de San Francisco en Bogotá, nace A0 Project. Un performance donde los sonidos acústicos de las campanas se unen con el contrabajo, el piano, la viola, la guitarra y bases electrónicas. Por medio de una conferencia dinámica, interactiva y con música en vivo, Victoria se busca contribuir a la conservación de los sonidos de las campanas de Bogotá y fomentar procesos de reinterpretación y creación de sonidos.

Mirage Festival: la convergencia entre el arte y la innovación

Alianza Francesa – Sede Centro
Cra 3 #18 – 45
5:00 p.m. a 6:00 p.m.
Viernes 4 de septiembre 2015
160 cupos
Entrada libre

Conferencia presentada por Jean Emmanuel Rosnet y Simon Parlant, directores del Mirage Festival de Lyon, los cuales expondrán el proceso de creación, desarrollo y sostenibilidad de este espacio cultural, así como de su trabajo y experiencia como artistas. Adicionalmente, dedicarán un espacio para hablar sobre la curaduría de la Exposición en la Alianza Francesa, tomando como referente la experiencia del Mirage Festival.

Para más detalles, pueden ingresar en este enlace.

Imagen: Arttec. 

La tecnología se suma a participar con las artes escénicas de maneras muy interesante. Ya vimos una mascota de software ir conquistando el mundo en forma de holograma. Los robots ya bailan junto a los artistas iluminando el espacio. Y, como reporta The Verge, ahora veremos cómo los pixeles interactúan en tiempo real con el acto del grupo francés de baile Adrien M / Claire B.

Pixel – extraits from Adrien M / Claire B on Vimeo.

En ‘Pixel’ pueden ver cómo los artistas crean toda la ilusión de profundidad y movimiento con puntos y líneas proyectadas sobre el espacio. Los terrenos se mueven, los actores pueden mover y quitar los puntos del mapa y con todo eso generan una coreografía muy interesante. Poco a poco los avances tecnológicos siguen sumándole a las artes escénicas para ser más interactivas con la audiencia y el espectáculo, y ojalá surgan proyectos más ambiciosos que estos. ¿Ustedes cómo lo ven?

Imagen: Screenshot video

No dejen que llegue el domingo sin haber ido a la cuarta versión de la Feria de Arte Contemporáneo en Odeón, ubicado en la avenida Jiménez con carrera quinta. La exposición abre sus puertas al público este 23 de octubre desde el mediodía hasta las 8:00 P.M.

Odeón es uno de los lugares más asombrosos que hay en Bogotá. Si todavía no lo conocen, esta es una buena oportunidad para darse una vuelta por esta exsala de cine y exteatro que fue adaptado como espacio cultural del arte contemporáneo después de casi 15 años de abandono. Entre ruinas y muros semi abandonados, Odeón se convierte en representante de la maravillosa arquitectura bogotana y recibe una de las ferias de arte más importantes de la ciudad.

De la mano de María Fernanda Prieto, encargada de prensa de la feria, tuvimos la oportunidad de conocer de cerca las obras y hablar con dos artistas que llevan la palabra tecnología en sus trabajos: Daniel Canogar, artista central de la feria y Alejandro Londoño, un colombiano que logra llevar su tesis de grado a otro nivel en esta oportunidad.

Daniel Canogar, una reflexión del paso del tiempo

Las piezas de Daniel Canogar (Madrid, 1964) son visualmente maravillosas. Puedes quedarte atrapado largos minutos mirando sus tres instalaciones y, en una especie de hipnosis, vas a quedar completamente sumergido en imágenes que van y vienen.

Esta serie se llama ‘Cuadratura’ y en palabras de Daniel: “Tiene mucho que ver con mi gran amor por el cine”. Para Canogar, su obra puede verse como un homenaje a las memorias colectivas y a diferentes aparatos en desuso que fueron en un momento la revolución para toda una generación. “Intento darles un nuevo soplo de vida”, me cuenta.

Las tres instalaciones giran en torno a imágenes que todavía pueden producir dispositivos que ya han perdido vida útil, reflexionando acerca del paso del tiempo, del paso de la vida, de nuestro miedo a la muerte, y quizá del miedo que tenemos a hacernos también obsoletos.

“Toda tecnología es una especie de diálogo con el tiempo, sobre todo porque la mayoría de los dispositivos se hacen obsoletos de forma muy rápida. Creo que cuando compramos un nuevo dispositivo sentimos que vamos a sentirnos un poquito más jóvenes”, dice el artista.

Canogar es consciente de que lo tecnológico está en todos los aspectos de la vida humana (la vida laboral, el ocio, la forma de comunicarnos), algo que atrae pero que a la vez preocupa a las personas. Ve al arte como una de las formas de expresión de esta dicotomía y su obra la define como “una especie de puente entre el presente y el pasado”. Sus instalaciones utilizan pantallas de televisores viejos, CDs, películas de 35 mm, luces e imágenes cinematográficas que lo dejarán realmente maravillado.

En un momento le pregunté su opinión acerca de la tendencia de querer volver a la fotografía análoga, a escuchar música de vinilos. Le pregunte qué significa esta vuelta al pasado en un mundo que se hace cada vez más tecnológico. “Estamos tanto tiempo ante pantallas: el ordenador, el celular, internet, Facebook. De repente creo que estos dispositivos análogos tienen una textura, una materialidad, una presencia física que de alguna forma lo digital camufla o elimina. Queremos volver a tocar las cosas y sentirlas, especialmente la gente joven que no tuvo la oportunidad de conocer este tipo de tecnología del pasado”, respondió el artista español.

‘Sikka Magnum’ es mi instalación favorita. Se trata de una especie de círculo luminoso atrapante compuesto por 200 discos de películas compradas en un mercado de pulgas. Daniel vio los 200 DVD de películas clásicas del cine que a su vez se proyectan en estas pequeñas piezas. “Volvemos a lo mismo, estas piezas se están haciendo cada vez más obsoletas, ahora todo el mundo está con el streaming” explica el artista. Daniel la define como una “escena de danza, una idea calidoscópica, hechizante y un homenaje a la fascinación que produce el cine”. Sin duda, de lo mejor que pueden encontrar en toda la feria.

Alejandro Londoño: obras de arte e impresiones asombrosas

Alejandro es un joven colombiano que presenta por primera vez en Odeón su trabajo ‘Historia universal de la pintura’. La obra compuesta por 38 pinturas en lienzo reúne diferentes obras de la historia del arte convertidas a código binario a través de un programa especial que toma la imagen en bitmap y la decodifica en cadenas interminables de ceros y unos.

Como resalta el autor, estas piezas no pretenden ser en ningún momento un manifiesto teórico o académico sobre la pintura, simplemente fueron elegidas por el capricho y gusto de Londoño: “Empecé a recopilar pinturas que me gustaran, de libros, de internet”, nos cuenta Londoño en frente de su obra.

“Todo empezó con mi tesis de grado cuando me gradué de la Universidad de los Andes en 2012. Allí presenté 15 pinturas de las negras. Pero siempre supe que este proyecto daba para algo más”, recapitulo el colombiano. La obra que presenta en Odeón se compone de piezas negras y rojas.

Cada pintura es única e irrepetible “no solo porque su código madre es diferente a cualquier otro sino porque la manera en que se ejecuta la pintura es todavía manual, errática, a pesar de su envoltorio digital”, explica. Para ello, Londoño utiliza una impresora de matriz EPSON FX-1180, la cual resiste el lienzo y, como destaca el autor, en algún momento de la historia fue un dispositivo asombroso muy utilizado en las empresas para sostener largas horas de impresión.

Hoy, este dispositivo vuelve a tener un significado en la obra del artista. “Al momento de imprimir, comienzo a darle diferentes formas a mis pinturas, juego con diferentes interlineados, cambio las cintas, que ya están de diferentes tonos. Es realmente un juego. Hay momentos en que yo elijo cambiar el movimiento de la impresora, para generar resultados diferentes”, cuenta.

A Londoño no le gusta hablar de ‘nostalgia’, cree que esa impresora es su herramienta de trabajo. “Hice miles de pruebas con impresoras diferentes, me gusta mucho el lado manual de la impresión. Quería que fuera una impresora que trabajara de forma continua. Siempre la idea fue sobreimprimir el código sobre el código que ya se había impreso anteriormente. Esta máquina se adaptaba exactamente a lo que yo buscaba” explica Londoño.

Sin duda otra obra que no pueden dejar de ver. No olviden que la feria que reúne a 16 galerías nacionales e internacionales estará hasta el 26 de octubre. La entrada al público general es de $15.000 y $7.000 para estudiantes.

Imágenes: ENTER.CO.

Como muchos saben, este es el mes en el que galerías, ferias y espacios culturales se concentran en mostrar las obras de diferentes artistas nacionales e internacionales. Si una de tus pasiones es el arte en combinación con la tecnología, no puedes dejar de tener el radar a Voltaje, un salón que reúne a 13 artistas colombianos que muestran cómo la tecnología es una gran herramienta para crear arte.

De acuerdo con el comunicado de prensa, “Voltaje es una muestra que busca dar un panorama de la forma en la que diferentes artistas colombianos exploran, cuestionan, enfrentan y asumen las múltiples relaciones existentes entre arte y tecnología”.

La exposición busca, por un lado, responder positivamente acerca de si el arte tiene un lugar en medio del crecimiento acelerado de la tecnología en la vida de las personas. Para sus creadores, los dos campos han coexistido desde la creación hasta hoy.

Por otro lado, algunas obras toman un papel más crítico y cuestionan el papel de la tecnología, así como el poder de la imagen, el papel de los medios, entre otras temáticas.

El salón abrirá sus puertas del 25 al el 27 de octubre, desde las 12 del mediodía hasta las 8:00 p.m.. La exposición se realizará en el centro creativo textura, el mismo lugar de la Feria del Millón, ubicado en la Cra. 54 No. 5C – 33 en Bogotá.

Imagen: Voltaje.

El reconocimiento de la música electrónica en eventos reconocidos se empieza a ver con lo sucedido durante los Premios Grammy, en los que el DJ Deadmau5 se presentó con proyecciones en cubo y un ‘videocasco’. Tal como lo comentamos, esto no es nuevo. La alianza entre música electrónica y visuales viene desde la década de los sesenta con Kraftwerk, el grupo alemán que creó el género.

El Museo de arte de Nueva York (MoMA) organizó una exposición llamada Kraftwerk – Retrospectiva 1 2 3 4 5 6 7 8, con la que quiere celebrar a los padres de la música electrónica al recordar cada uno de los ocho álbumes que el grupo tiene y todo su legado audiovisual, con proyecciones en 3D.

La innovación que Kraftwerk trajo a la música electrónica tiene que ver primero con los instrumentos que utilizaron, que incluyen un sintetizador vocal con el que comenzaron a generar todas las voces. Fueron los primeros en hacer música basada solo en instrumentos electrónicos.

Pero no solo la tecnología influenció la forma en que hicieron y hacen música. Las letras, aunque simples, buscan hacer una reflexión sobre temas relacionados con lo que esta tecnología había traído para la vida urbana de la época: los automóviles, las computadoras y los teléfonos.

Su mayor trabajo fue el hecho para el Tour de Francia, pero su reflexión sobre el papel de lo tecnológico se puede ver en canciones como Radio-Activity, en la que se hace referencia a los peligros de una guerra nuclear. Sus trabajos fueron reconocidos como ‘electro-pinturas sonoras’ (‘electro sound paintings’)

Además de influenciar a muchas bandas que vendrían después, tanto de música electrónica como sonidos hip-hop, las presentaciones de Kraftwerk están llenas de elementos visuales como robots, trajes con luces y proyecciones, todo en medio de un ‘look’ serio y formal.

Es por esto que han participado en exposiciones de artes visuales en las que se ha reconocido no solo su valor musical, sino también el aporte que han hecho a temas como el video, la construcción de escenarios y, en general, la forma en la que han convertido todo su trabajo en una obra de arte.

Es por esto que el MoMA organizó esta exposición del 10 de abril al 17 de mayo, en la que cada día se hará una presentación por álbum. En ellas se podrá apreciar trabajos como el que la banda hizo en el DVD de 2005 ‘Minimum Maximum’; visuales con los que han ido de gira por todo el mundo incluyendo países latinoamericanos como México, Argentina, Chile y Brasil.

Compartimos algo del trabajo de Kraftwerk, por el que es reconocido como pionero en lo musical y lo visual.

Todos están pendientes de Soma 2011, el evento de música, arte y tecnología que se llevará acabo esta noche en Bogotá, y lo que ha llamado la atención es el cartel de bandas que trae este año, en especial Interpol. Pero no hay que olvidar que por algo las palabras arte y tecnología también están presentes.

Esto llamó la atención de After Effects, que se fue a hablar con Hamilton Mestizo de Librepensante y Camilo Cantor de Cartografías Sonoras, encargados del montaje, para saber qué sorpresas nos traerá Soma 2011.

Hamilton es artista visual, que por un momento de crisis encontró en la programación y el ‘hackeo’ de objetos electrónicos viejos como electrodomésticos, la forma perfecta de expresarse. Camilo es diseñador gráfico, que decidió no conformarse con la academia y comenzó a participar desde que estaba en quinto semestre en la revista El Newton que lo llevo a trabajar investigación, producción de proyectos y montaje.