La empresa de software estadounidense, presentó las últimas actualizaciones que prometen abordar las necesidades de flujo de trabajo de los editores y diseñadores de movimiento profesionales de la actualidad mediante la automatización de tareas que requieren mucho tiempo.

Con las nuevas funciones impulsadas con inteligencia artificial, Adobe asegura que los editores ya no dedicarán tiempo a editar (o tareas que llevan tiempo) sino que se podrán dedicarse a crear y darle forma a las historias

“Los profesionales del video de hoy están compitiendo para satisfacer la demanda insaciable de contenido destacado en todas las plataformas y superficies. Estamos entusiasmados de avanzar en los flujos de trabajo e inspirar nuevas expresiones creativas con las últimas innovaciones de vanguardia de Premiere Pro y After Effects, que permiten a los profesionales creativos centrarse en el oficio de crear, al tiempo que eliminan las tareas que consumen mucho tiempo y prolongan la ideación, la creación y el desarrollo del contenido, dijo Ashley Still, vicepresidente sénior del Grupo de Productos Creativos de Adobe.

Edición basada en texto

Representa un cambio innovador en los flujos de trabajo de posproducción. Con la tecnología de Adobe Sensei, la edición basada en texto analiza y transcribe automáticamente los clips para que los editores, productores y asistentes puedan simplemente copiar y pegar oraciones en el orden que deseen y verlos aparecer instantáneamente en la línea de tiempo.

Las transcripciones se pueden buscar en la ventana de transcripción para identificar palabras y frases exactas.

Mapeo automático de tonos y la detección de color de registro

permiten a los editores mezclar y combinar material de archivo HDR de diferentes fuentes en el mismo proyecto SDR y obtener un color consistente y de gran apariencia. Esto significa que los editores no necesitan usar tablas de búsqueda (LUT) o equilibrar manualmente el metraje para obtener imágenes de gran apariencia.

Premiere Pro presenta mejoras significativas bajo el capó y es la versión más rápida jamás enviada . Además del rendimiento mejorado, las nuevas funciones incluyen guardado automático en segundo plano , opciones de reinicio del sistema y un administrador de efectos para complementos.

La aceleración de GPU para AVC Intra y formatos profesionales como ARRI RAW, RED RAW y Sony Venice V2, junto con los ámbitos de video, las transiciones y las plantillas de títulos acelerados por GPU, hacen que la experiencia de edición sea increíblemente rápida y receptiva para que los editores ahora puedan trabajar con imágenes de 8K. en la línea de tiempo.

Premiere Pro también agrega soporte de formato mejorado para cámaras RED V-Raptor X, ARRI Alexa 35 y Sony Venice v2; soporte ampliado de voz a texto para holandés, noruego, sueco y danés ; Aceleración de GPU para efectos de debayering y transición; focalización de seguimiento más simple; y la capacidad de exportar y renderizar directamente a Adobe Media Encoder.

Nuevas innovaciones en After Effects

De acuerdo con Adobe After Effects tendrá un nuevo Panel de propiedades ofrece acceso rápido y fácil a las configuraciones de animación más importantes. Éste será “sensible al contexto y muestra automáticamente a los usuarios los controles más importantes necesarios en función de las selecciones, lo que reduce el tiempo necesario para navegar por la línea de tiempo y reduce la curva de aprendizaje para los nuevos usuarios”, explica la compañía.

Las nuevas características adicionales brindan optimizaciones de rendimiento, incluida una selección más rápida de la capa de la línea de tiempo y la representación de formas de múltiples cuadros, además de nuevos atajos de teclado para los mates de pista seleccionables.

Las nuevas funciones estarán disponibles a partir de mayo de 2023.

Imagen: Adobe

¿Quién no se ha gastado mucho tiempo ajustando el balance necesario de un color al editar una imagen en un editor de fotografía? ¿O escogiendo la opacidad exacta para darle el toque especial que requiere esa mezcla en la foto? Si eres de aquellos que sabe los pormenores de la edición de imágenes y diseño, sabrás lo desgastante que es encontrar el ajuste indicado a nuestro trabajo moviendo el cursor de un lado al otro.

Los desarrolladores de Palette han entendido muy bien esta necesidad y decidieron crear una consola modular, con botones, deslizadores, dimmer (botón que se puede girar, como el de algunas luces) y un cuadrado con una pantalla LED, que a la vez sirve de cerebro de todo este conjunto.

Una de las ventajas que tiene este dispositivo es el poder seleccionar cada módulo y adaptarlo a la necesidad del usuario, según el programa que uno vaya a utilizar. Por ejemplo, si uso Photoshop y quiero que el deslizador me cambie los parámetros de opacidad, el programa que trae la consola me permite configurar esta opción. Esto se puede hacer con todos los módulos que tengamos para facilitar el trabajo.

Cada módulo tiene una luz LED que es personalizable para poder diferenciar el ajuste que le hayas dado en la programación. Los programas con los que trabaja Palette principalmente son: LightRoom CC, After Effects CC, Photoshop CC Illustrator CC, Audition CC e InDesingCC . En estos momentos, los desarrolladores están probando funciones en Premier Pro CC y Final Cut Pro X.

Las personas de Adobe han estado apoyando este proyecto y ya le dieron su visto bueno en vista de que han comprobado la utilidad de la herramienta a futuro para todos los software que producen.

Hay 3 opciones de consola modular que se pueden adquirir: Starter, Expert y Professional; cada una tiene más módulos que la anterior, según la necesidad del usuario. El precio de cada consola es de 199 dólares, 299 dólares y 499 dólares, respectivamente. Si quieres seguir ampliando tu consola, puedes comprar más módulos e ir conectándolos según tus requerimientos.

Imagen: Palette.

En la mayoría de países de Latinoamérica el estreno de ‘Los Vengadores’ (‘The Avengers’), la continuación de la historia de Iron Man, Capitán América, Thor y Hulk -conocido como El Hombre Increíble-, será este 27 de abril. Como esta es una de las películas de superhéroes más esperadas en la temporada, le contamos lo que usted debe saber antes de entrar a la sala de cine.

Los dilemas de Hulk.

Cuando se supo que estaba en producción ‘The Avengers’, una de las mayores dudas es quién interpretaría a Bruce Banner, nombre de pila de Hulk. No se sabía si sería Eric Bana, quien actuó en la primera cinta; Edward Norton, a quién amaban los fanáticos en la segunda película; o si sería otro actor. Después que Norton no aceptara, el nombre en el que pensaron los productores fue el de Joaquin Phoenix, pero el elegido fue Mark Ruffalo , quien en diferentes entrevistas ha dicho que es un honor reemplazar a Edward.

El 3D fue trabajo de post-producción.

Ahora hay muchas películas, como ‘Prometheus’ y ‘The Hobbit’, que son filmadas en 3D con las cámaras especiales para ello. ‘The Avengers’ no fue una de esas. Todos los elementos de tercera dimensión que se van a ver en las salas de cine fueron trabajados después y pensados para el lanzamiento. Marvel hizo lo mismo para las películas de ‘Thor’ y ‘Capitán América’.

Problemas legales con otros Avengers.

Si son seguidores de toda la serie de comics, saben que el grupo de Avengers que aparece en esta película no está completo. El problema para crear una historia con todos los protagonistas es legal. Algunos reconocidos que faltarían son Quicksilver, The Scarlet Witch y Magneto de ‘X-Men’, Doctor Doom de ‘Los 4 Fantásticos’ – los derechos de estos cuatro son de Fox Studios-, y Norman Osborn o el Duende Verde de Spider-Man -cuyos derechos son de Sony-. Marvel está interesada en recuperarlos para agregarlos a la franquicia.

El gancho en el DVD y el Blu-Ray.

Josh Whedon, director de la película, tuvo que recortar varias escenas para la versión en salas, pues la original duraba alrededor de tres horas. El estudio se negó rotundamente a proyectarla así y devolvió al director a la sala de edición. La noticia es que la media hora de escenas faltantes -casi todas del Capitan América- estarán presentes en la versión para DVD y Blu-Ray.

Veremos Avengers en varias partes.

Ya los productores empiezan a coquetear en público con la idea de hacer una secuela, pero lo próximo que saldrá es un videojuego. El universo de ‘The Avengers’ es inmenso y ya hay videojuegos, pero Marvel confirmó que habrá algunos nuevos derivados de la película. Como reporta Forbes, ya hay una alianza con Facebook, pero los productores que ese es solo el comienzo.

La primera aparición televisiva.

El videoclip es un género relativamente nuevo, pero uno de sus antecesores son los programas de entretenimiento norteamericano en los que se presentaban artistas en vivo. The Beatles estuvieron en el show de Ed Sullivan en 1964, cuando en Estados Unidos eran desconocidos. Después de tres presentaciones seguidas, el programa llegó a tener 73 millones de espectadores, lo que los llevó a la popularidad.

Las primeras películas.

Ya habíamos tocado la importancia de ‘Yellow Submarine’ (1968) como película pionera de la sicodelia y la animación. Pero antes, el mismo año de la presentación de Sullivan, se presentó ‘A Hard Day’s Night’ de Richard Lester. Un éxito comercial y financiero, esta película mostró, a manera de documental falso, un par de días en la vida de The Beatles; una trama ahora común en videos musicales.

El legado visual de Lennon.

Aunque Imagine es una canción de 1969, después de la muerte John Lennon en 1980 la canción está en la mente de todas las personas. No es solo la construcción del mosaico de Imagine en el Central Park de Nueva York, o que fuera usada en 2003 para despertar a los tripulantes del transbordador Columbia. También ha aparecido en películas como Forrest Gump, es el himno oficial de Amnistía Internacional y hasta Google, para el aniversario 70 de Lennon, hizo un videoclip de 32 segundos.

Es posible volver.

En 1995 se lanzó ‘The Beatles Antology‘, documental en el que los entonces supervivientes McCartney, Ringo Starr y George Harrison dan una mirada al pasado. La Free As a Bird fue escrita en 1977, pero Yoko Ono solo permitió su publicación hasta este documental. El video de Joe Pytak tiene referencias a muchos de los temas de la banda y sin duda es uno de los mejores de la década de los noventas.

Paul, acá y ahora.

Antes de comenzar la gira latinoamericana en Uruguay, Paul McCartney mostró el video de My Valentine, protagonizado por Natalie Portman y Johnny Depp y dirigido por Wally Pfister, director de fotografía de Christopher Nolan. El video es muy sobrio, en blanco y negro, adecuado a una canción inspirada en su hija Stella.

“Este tipo de recursos narrativos no son comunes en Colombia, porque estamos aprendiendo a hacer cine”. Eso comenta Alexander Giraldo, director de 180 segundos. La frase habla sobre cómo uso ‘motion graphics’ para contar la historia de una banda de ladrones que va a hacer el robo de su vida.

After Effects tuvo una charla con Alexander quien nos contó el proceso de hacer ‘motion graphics’ para un largometraje, y presentamos algunos detalles de 180 segundos.

Esto puede funcionar con ‘motion graphics’.

180 segundos está contada en fracciones, y al principio surgió más como un ejercicio de construir algo con experiencias personales. Alexander siempre quiso mostrar la mente de Zico, el protagonista, quien es el que inventa el plan para el robo perfecto. Pero al comienzo la solución fue con diálogos.

Como un guión no se escribe solo una vez, fue hasta la quinta que empezó a pensar en la solución: “Una forma interesante fue pensar cómo meterse en el cerebro de Zico, sin que tenga que hablar. Mi trabajo en cortometraje es un híbrido constante: imagen real con animación y conozco muy bien la técnica, por eso fue muy fácil llegar a ‘motion graphics’ para presentar un personaje”.

Hay que hacer dibujos.

Alexander dibuja en sus guiones para imaginarse cómo son los personajes. Por eso, las bases de los ‘motion graphics’ fueron las fotografías de los lugares en los que se filmó, en las que hizo dibujos que serían de guía para el diseñador. El trabajo de creación fue con RCN Comerciales, conocido como E-nnova, al que llegaron por un acuerdo en el que la compañía decidió apoyar el proyecto.

“El diseño empieza tras el montaje de corte final en octubre del año pasado. Yo paso a E-nnova mis dibujos y una persona empieza a hacer bocetos a partir de mis ideas. En diciembre estaban claros los diseños y en enero empezamos a trabajar en la producción de los efectos. Terminamos en febrero, pero fue 24/7. En Bogotá trabajamos créditos y ‘motion graphics’ y en Cali la producción de unas imágenes de videojuego 3D que aparece en una parte”.

Hacer ‘motion graphics’ no es tan simple.

Hay retos al filmar una escena pensando en un efecto de este tipo. El primero es que en 180 segundos todo se hizo con cámara al hombro, por lo que las posibilidades que la toma funcione para el efecto se reducían. “Teníamos un técnico HD que hacía el análisis de la toma: el escenario lo llenamos de marcas de tracking, que luego se reemplazan para que la animación se quede fija. El técnico nos decía que teníamos que hacer las cosas con trípode y yo le decía que eso es imposible, la película tiene un concepto fotográfico y es así”.

Los actores no interactuaban con algo físico sino que debían hacer su trabajo sin preocuparse por lo técnico. Y el proceso de post producción también tiene sus restos: “El material se digitaliza y por aparte se hacen los gráficos. Después se tiene que equilibrar con la corrección de color”.

¿Cómo lo lograron?

El equipo que se usó para hacer esta película es el que se está usando en las producciones colombianas promedio: el rodaje fue hecho con una cámara Red One y la edición fue hecha en un iMac con Final Cut en la casa de los montajistas. Y en E-nnova trabajaron el ‘motion graphics’ con After Effects y Adobe Premiere CS5. El videojuego fue elaborado en 3DMax y el sonido fue hecho en Pro Tools, pero la maqueta se hizo en Final Cut.

“El hecho de editarlo en una casa no tiene que ver nada con hacer cosas de gran calidad. Nosotros hicimos corrección de color final en México y el fotógrafo que fue el único que pudo ir, nos mandaba fotos y nos decía que ellos estaban sorprendidos”.

Las reacciones con el resultado final.

Pasar de tener un guión que describe unos gráficos a escenas con ‘motion graphics’ es un acto de fe. “En los primeros cortes salían los personajes moviéndose en el aire. Entonces todo el mundo me miraba y se preguntaba si estaba bien, y yo les respondía ‘esperen…’. Evito que los actores vean cosas, así que cuando vieron la película finalizada fue un shock. Yo recuerdo la cara de Manuel Sarmiento”, Zico en la película, “que se preguntaba cómo era posible”.

La sorpresa también pueden llevársela todos los espectadores cuando vean ‘180 segundos’ en salas de cine este próximo 13 de abril, en toda Colombia.

Por eso After Effects, el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual, decide presentar algunos trabajos de Lynch que muestran que no solo hace cine, sino que el director explora diferentes formatos, géneros y técnicas desde diferentes ángulos, para crear visuales, comerciales y otras extrañas obras.

David Lynch es popular desde su primera película ‘Cabeza Borradora’ (‘Erasehead’) que es admirada por críticos y amantes del cine y la música, pero fue ‘Terciopelo Azul’ (‘Blue Velvet’) la película que lo llevó al reconocimiento por su estilo, que incluye elementos surrealistas que muchas veces apuntan a la vida como algo inexplicable. Por eso verlo en trabajos más expuestos al publico es llamativo.

Lynch, el que hace comerciales.

Una de las últimas facetas que se han visto del director es la de dirigir comerciales. Puede ser para marcas reconocidas como Gucci, la cerveza Pabst Blue Ribbon o para su propia línea de café (sí, el director es un aficionado tan dedicado que decidió que podía arriesgar su nombre en ello), y hay algunos interesantes como el que hizo para PlayStation o para Sci-Fi Channel.

Lynch, el que va de la mano con otros artistas.

No solo se ha declarado fanático de bandas como Rammstein sino que trabajó con artistas como Sting, Chris Isaak y David Bowie. Ahora sus trabajos con músicos buscan experimentar con visuales en presentaciones en vivo. Un ejemplo es lo que hizo para Duran Duran, pero también el corto que hizo para Interpol en su presentación en Coachella del año pasado, con quienes tiene una larga relación.

Lynch, el que hace su propia música.

Tal y como hace con su línea de café, el director parece querer estar en todo y en noviembre del año pasado lanzó su disco Crazy Crown Time. Esta semana mostró al mundo el video de su primer sencillo, que es el que lleva el titulo de la canción. Para quienes conocen el trabajo del director, encontrarán muchos de los elementos habituales de sus películas. Para quienes no, esta es una excelente forma de conocer su trabajo: agresivo y un poco decadente.

El teatro se alimenta de todos los recursos que tiene a su alrededor. Si bien en un comienzo el cine tomó prestadas técnicas teatrales, ahora en los escenarios se ve la mezcla de actores con proyecciones y algunos elementos tecnológicos que complementan las obras.

Ya comenzó el Festival Iberoamericano de Teatro de 2012 con su característico desfile inaugural que terminó con un concierto de Toto La Momposina que dejó a la ciudad con la mejor expectativa de lo que serán los próximos 15 días.

After Effects, el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual, presenta algunas obras que tienen un componente tecnológico dentro de su puesta en escena y que consideramos son una representación prometedora de la cultura digital.

Donka, una carta a Chejov.

La compañía suiza Finzi Pasca en conjunto con el Festival Internacional de Teatro Chejov presenta algo que cabe dentro de la categoría de circo contemporáneo. Mezcla danza y acrobacias para contar la vida del director de teatro ruso y las proyecciones no son solo la escenografía, sino que se conjugan con los ocho actores en escena y toman fuerza como un interprete más.

Discurso de un hombre decente.

Una de las formas más importantes de recuperación de la historia se hace a través del arte y en esta obra se une ficción y realidad. Mientras se proyectan archivos y documentos en el trasfondo, se hace una reflexión sobre un hecho importante para la historia de Colombia. La obra que hace la compañía Mapa Teatro gira en torno a una carta que se encontró en la camisa de Pablo Escobar el día de su muerte.

Diario de una crucifixión.

Esta es una de las obras más transgresoras dentro de su puesta en escena, creada exclusivamente en el marco del FITB. La compañía teatral L’Expose quiere hacer una reflexión en torno al cuerpo y por medio de la obra de Francis Bacon del mismo nombre, este mismo cuerpo es exhibido en una cabina de cristal en la que la piel sirve como telón de proyección y se ve una desnaturalización a la que ha sido sometido el ser humano.

Leonardo – Trabajo Practico 1.

Los argentinos de la compañía La Arena Circo decidieron hacer un homenaje a una de las mentes creativas más importantes de la historia: Leonardo DaVinci. Tal y como el inventor y artista incursionó en diferentes áreas, esta obra combina no solo proyecciones de imágenes sino cámaras en vivo que muestran diferentes ángulos de lo que sucede en escena, todo a partir del libro de recetas de cocina que DaVinci escribió.

Estamos ya en la mitad de South by Southwest 2012, uno de los eventos que mejor habla de todos los temas de cultura digital como música y cine. Y uno de los protagonistas en medio de la fiesta es The Criterion Collection, una empresa que demuestra que el cine clásico y la tecnología van de la mano y que presentaremos hoy en After Effects.

Para los amantes del cine uno de los placeres más significativos es poder ver películas clásicas de directores como Luis Buñuel, Stanley Kubrick y Federico Fellini, más si es en su versión original. Pero conseguir estas películas en una excelente calidad puede ser un problema si las productoras no dan el acceso al material original para hacer copias digitales. Tampoco ayuda que Hollywood se sienta arrinconado por la tecnología.

The Criterion Collection entiende que los tiempos están cambiando y que entre el DVD, el Blu-ray y el streaming es importante ofrecer los mejores clásicos y joyas del cine independiente. Por esta razón las películas que distribuyen pasan por un proceso de telecine (por el cual se convierten imágenes en celuloide a imágenes electrónicas) y por uno de corrección de color que vigila la compañía rigurosamente.

Pero su intención principal no es solo lo técnico, tratan siempre de trabajar de la mano con los directores y el equipo para tener copias digitales que sean el reflejo fiel de las intenciones narrativas.

Cuando un espectador compra una película Criterion, va a tener la versión fiel y más completa que podrá encontrar, pues todas tienen una sección de documentales, cortos, detalles técnicos y story boards (borradores en dibujo de lo que sería la película) que hacen que tener DVD o Blu-ray de esta marca sea una de las mejores opciones del mercado.

Con esta filosofía, The Criterion Collection se trasladó a Austin, Texas, para hablar de lo que le gusta hacer. Está presente en SXSW en algo que llamó ‘Criterion Corner’ (‘el rincón de Criterion’) en el que hacen diferentes tipos de actividades para que los interesados en lo audiovisual puedan entrar en contacto con varios de los realizadores independientes que tienen relación con ellos.

Hoy, por ejemplo, hay una sesión de firmas con la directora independiente Lena Dunham y su película ‘Tiny Furniture’. También proyectan en exclusiva algunas de las películas silentes de su colección como la restaurada ‘La princesa de las ostras’ (‘The Oyster Princess’) de Ernest Lubitsch con una banda en vivo para recrear las primeras experiencias del cine mudo.

SXSW tiene una sección para interesados en formación audiovisual llamada ‘Mentor Sessions’ (‘sesiones de mentores’), en la que Criterion comparte su experiencia a través de dos de sus productores, quienes cuentan cómo es tener una compañía productora que quiere llevar los clásicos a la nueva era tecnológica.

Las películas Criterion se pueden comprar por medio de Amazon y algunas tiendas latinoamericanas están comenzando a traer títulos. Los precios oscilan entre los 25 y los 40 dólares para las películas tradicionales y algunas cajas especiales cuestan más de 60 dólares. Este precio puede parecer alto para un DVD o un Blu-ray, pero The Criterion Collection trae los clásicos, con la mejor calidad, a la sala de la casa.

Para cerrar nuestro cubrimiento de los Premios Oscar, presentamos en After Effects, el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual, una reflexión sobre un mensaje que envió la industria cinematográfica estadounidense frente a la tecnología durante la ceremonia.

¿Se vio alguna sorpresa en los Premios Oscar? Después de todas las especulaciones en redes sociales respecto a quiénes ganarían la apreciada estatuilla dorada, ‘The Artist’ se llevó el premio a mejor película, junto con otros cuatro Oscar a actor principal, mejor director, mejor banda sonora original y mejor diseño de vestuario.

Pero toda la ceremonia giró alrededor de una idea central: Hollywood quiere dar la pelea frente a algunas tendencias impulsadas por los avances tecnológicos, y busca que las nuevas generaciones regresen de vuelta a la sala de cine. Y esa es, muy probablemente, una de las razones clave por las cuales ‘The Artist’, de Michel Hazanavicius, le ganó a ‘Hugo’, película completamente en 3D, de Martin Scorsese.

La ceremonia de la entrega de los Premios Oscar se ha caracterizado por tener siempre alguna novedad, algún juego con un tema, y muchas veces ha incluido tecnología en medio de las presentaciones. Esta vez los organizadores decidieron dejar los artificios –excepto en la introducción, en la que salió el presentador Billy Crystal en medio de cintas de celuloide–, y hacer una reflexión mucho más analógica.

El regreso de Crystal, quien presentó por novena vez los premios, es uno de los primeros indicativos de ese sentimiento de querer volver al pasado. Junto con un primer comentario irónico que hizo respecto a ver películas en smartphones y tablets como el iPad, toda la noche envió el mensaje de que es mejor dejar de lado estos dispositivos e ir a la sala de cine para estar frente de la pantalla gigante.

La industria del cine no es ajena a los avances tecnológicos, y por ello la Academia tiene varios premios científicos y técnicos, que reconocen los avances para hacer películas. Sin embargo, en cuanto a la distribución de las producciones la visión es distinta –e incluso contraria a los avances, aunque no se manifieste explícitamente. Por ello, durante la ceremonia se buscó de distintas formas, incluso aludiendo a la bancarrota de Kodak y el nombre del teatro de manera muy triste, convencer de que no existe una experiencia igual a la de sentarse a ver una película en la sala de cine.

Los premios de las categorías técnicas se los llevó ‘Hugo’, que arrasó en esa área. Eso quiere decir que la Academia reconoce que la industria necesita de la tecnología para hacer películas, para contar historias. Pero es diferente cuando se habla de distribución y acercar a los espectadores a ver las cintas.

Los momentos más emocionantes –por eso, porque fueron emocionales– fueron los pequeños clips en el que reconocidos actores de Hollywood contaban sus experiencias frente a la pantalla grande, y lo inigualable de sus recuerdos al pensar en la primera historia que vieron en medio de la oscuridad del cine.

¿Está Hollywood apelando a la sensibilidad de los amantes del cine para combatir –o al menos frenar– fenómenos tecnológicos y sociales como el consumo de películas por streaming, la visualización en dispositivos móviles, y hasta la piratería? No es extraño que se quiera acudir al refrán ‘todo tiempo pasado fue mejor’. Lo que habría que analizar es si las nuevas generaciones se dejan convencer.

Una razón de peso –quizá no la única– por la que ‘The Artist’ ganó el Oscar a mejor película frente a ‘Hugo’, por más que fuera la película de un director del prestigio y trayectoria como Martin Scorsese, es que después de una presentación del Circo del Sol en la que se exaltó la sala de cine tradicional, y en la que hasta se repartieron palomitas de maíz en medio de la ceremonia, no se podía premiar a una película que abrazó las nuevas tecnologías con tanto ahínco, sino a una producción más cercana al pasado: una película muda en blanco y negro.

No queremos decir que una película sea mejor que la otra por los medios y las tecnologías que se usaron. Pero esto significa que Hollywood tiene una nostalgia tal por el pasado, que los premiados agradecen al ícono de la actuación muda Douglas Fairbanks y a uno de los mejores directores de comedia de la época dorada: Billy Wilder.

El gran interrogante es si los que vieron la ceremonia por televisión les creyeron a la Academia y a la industria tradicional del cine. Lo que está pasando con Kodak es la muestra de que si no se evoluciona, hasta la más grande empresa puede entrar en quiebra.

‘Star Wars’ o ‘La Guerra de las Galaxias’ está en todas partes. El 10 de febrero fue el estreno a nivel mundial de ‘Episodio I: La amenaza fantasma’ (‘The Phantom Menace’) en 3D y ya estamos cerca del evento en el que parte del equipo de las dos primeras películas de la saga, ‘Una nueva esperanza’ (‘A New Hope’) y ‘El imperio contraataca’ (‘The Empire Strikes Back’) nos contarán todos sus secretos: La Anatomía de Star Wars.

La saga tiene fanáticos en todo el mundo, por lo que no es de extrañar que en Cali, Colombia, se creara Star Wars Cali, un grupo de amantes de las películas que decidió comenzar a reunirse para hablar de todo aquello que los hizo fanáticos de las películas. Hoy en After Effects, el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual, hablamos con ellos sobre lo que hacen y lo que esperan de la conferencia de ‘Star Wars’.

“La idea surgió de conversaciones que van y vienen sobre ‘Star Wars’ en diferentes redes sociales, en particular de Twitter, y nos fuimos dando cuenta que no éramos pocos los aficionados a la saga”, nos comenta Alejandro Serrano (@alejoserrano), uno de los que participa en esta iniciativa.

Las reuniones comenzaron vía Skype con un grupo de personas: Diego Armando Ruiz (@dxp2), Catalina Villa (@catavillita), Vivian Castañeda (@vivicas128), Edward Oliveros (@ViejoSuricato), David Cano (@DavinchoKno), Mauricio Muñoz (@armagedonx8) y Juan Manuel Álvarez (@jmaquino). Al comenzarse a reunir, fundaron lo que llamaron ‘El consejo Jedi caleño’.

La primera reunión fue en el café Juan Valdéz de Granada el jueves 2 de febrero y ya en este proyecto llevan 2 meses, en los que las redes sociales han jugado un papel muy importante: “Al principio creamos sólo la cuenta de Twitter y así estuvimos casi un mes, buscando primero gente en la ciudad y de otros lados que estuvieran interesados en seguirnos. El comienzo fue lento pero luego se dispararon los Followers, seguramente al acercarse el estreno de ‘La amenaza fantasma’ en 3D”.

El grupo se movió rápido y para el estreno hablaron con CineColombia quien junto con la productora 20th. Century Fox para que Star Wars Cali las pudiera regalar por medio de sus redes sociales. “Esto nos llevo abrir la cuenta en Facebook y de ahí migraron muchos que ya nos seguían en Twitter. Ya 91 personas han dado ‘me gusta’ nuestro fanpage”, nos comenta Alejandro.

Pero su proyecto más ambicioso fue la realización de un flash mob -un video organizado con varias personas, en un sitio público, que se hace sin anunciar y queda registrado- en el centro comercial Chipichape en Cali. La idea surgió al ver el video que se hizo en Estados Unidos para el lanzamiento del video juego ‘The Old Republic’ y el grupo creyó que era posible hacerlo en su ciudad.

“La grabación estuvo a cargo de David Cano, quien tiene una productora llamada Kaox Producciones dedicada a hacer videos urbanos y videos experimentales. Lo hicimos con diferentes cámaras: una Canon Vixia HFR10 usando un estabilizador Opteka X-Grip, una Canon SX20 IX, una cámara Genius G-Shot HD 550T con las que tuvimos más de dos horas de material para edición”.

Pero el apoyo vino de diferentes partes: Hasbro, la empresa que distribuye todos los juguetes y productos de Star Wars, junto con Planeta Cartoon y consiguieron los trajes de Darth Vader y el de ‘clone trooper’ o soldado de la República. También, con todas las escenas grabadas, duraron 15 horas editando en un iMac y con Adobe Premiere CS5, apoyados por la Universidad Autónoma de Occidente. Todo un proyecto para unos fanáticos.

Este fue el resultado del flash mob de Star Wars Cali.

Ahora, están más que listos para viajar a Bogotá y conocer a Gary Kurts, productor de las dos primeras películas de la saga y Sandy Lieberson presidente de producción mundial de 20th. Century Fox en ese momento. “Queremos asistir y enterarnos de cosas sobre las películas que de otra forma no sabríamos. También agradecerles por todo, porque en cada detalle que pusieron para hacer las películas lograron hacer de ellas una obra magistral que no sólo nos marcó la infancia si no también el resto de la vida. ¡Y Poder saludarlos, darles la mano y tomarnos la foto con ellos, como buenos ‘geeks’!”

Nuestro concurso para llevar a dos fanáticos de ‘Star Wars’ al evento que será el próximo 2 y 3 de marzo continua, y decidimos que para que todos puedan participar, el cierre de la participación sea el próximo 20 de febrero. ¿Es fanático de la saga? ¿Quiere ir? Estas son las reglas del concurso.

En el comienzo de año hablamos que una de las tendencias más importantes en el mundo audiovisual sería el papel de las redes sociales en la distribución del cine y las alianzas con las productoras, para hacer llegar las ideas y las historias a los que hoy en día no son solo espectadores pasivos, sino también usuarios activos de la Red.

La película colombiana ‘Lecciones para un beso’, de Juan Pablo Bustamante, es la primera de Latinoamérica en dar el paso y mostrarse en una red social: desde el próximo 14 de febrero se podrá ver en Facebook. En After Effects, el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual, tuvimos la oportunidad de hablar con su director para conocer más detalles sobre este estreno virtual.

“Internet está cambiando mucho la manera de ver películas”. Con esa frase nos dice Juan Pablo sobre por qué mostrar su primera película en Facebook. Pero esto no quiere decir que piense que las salas de cine están mandadas a recoger: “La gente sigue y seguirá yendo a las salas de cine, pero creemos que en un futuro cambiarán y las salas serán lo que hoy son los auditorios para obras de teatro, los cuales existen y seguirán existiendo, pero no de una manera masiva”.

Lo que les interesa a Juan Pablo y Carlos, su hermano y productor de la película, es la conexión que las personas hacen en Facebook, y que puede ser muy útil para mostrar un trabajo audiovisual: “Habrá otros que prefieran ver esas mismas películas, conectados con sus amigos de todo el mundo, compartiendo escenas en Facebook y haciéndose fans de las páginas. Creemos que el futuro de la industria del cine está en la Red, en especial en las redes sociales”.

Por eso, después del lanzamiento de ‘Lecciones para un beso’ en Colombia en abril del año pasado, junto con Carlos y Nicolás Vivero, asesor para el comercio en línea de Talleres Uchawi, productora de la película, los dos hermanos fueron a California y llegaron a un acuerdo para que cada persona por un muy bajo precio pudiera ver esta historia.

“La venta es muy simple: cada persona paga 0,99 centavos de dólar (unos 1.800 pesos colombianos) y nosotros nos quedamos con un 80%. El precio de 0,99 fue puesto por nosotros: nos dijeron que podíamos cobrar hasta 10 dólares, pero nos gustó más el precio de $0,99 porque está al alcance de todos los espectadores que deseen ver la película”.

Pero, ¿de qué trata ‘Lecciones para un beso’? “Es una comedia para hombres sobre mujeres. Nació de mi torpeza para conquistar a la mujer de mis sueños, en el colegio. Para ella nunca fui más que su ‘amiguito’”. Y con una sonrisa, agrega: “Sí, yo sé, fue deprimente. Pero este punto en mi vida de colegio me llevó un día a fantasear sobre cómo hubiera sido lo mismo pero con la asesoría de un romántico, un mentiroso y un materialista”.

Por esta temática, esta comedia romántica filmada en Cartagena se estrena en pleno día de San Valentín, el cual cada vez más se celebra informalmente en Colombia y otros países latinoamericanos. Pero la expectativa va mucho más allá y lo que sus creadores quieren es alcanzar un público global: “Hasta ahora solo películas de las grandes como ‘Batman: El Caballero de la Noche’ (‘The Dark Knight’), ‘Matrix’, o la saga de  ‘Harry Potter’ han tomado esta vía en Facebook, pero exclusivamente para el mercado estadounidense. ‘Lecciones para un Beso’ estará abierta para todo el mundo, y sin duda queremos que mucha gente de distintos países la vean”.

Juan Pablo nos comentó que aunque no él y su equipo no tienen una idea de cuantas personas verán la película, están muy contentos con lo que han logrado, pues desde el día en que se confirmó el estreno en Facebook, la película está consiguiendo en promedio 2.000 fanáticos al día y ya se acerca a los 180.000 en Facebook.

Si todos los fans pasan del clic en el botón ‘Me gusta’ y deciden invertir los 99 centavos de dólar, la película será un verdadero éxito de taquilla en línea.

Los hermanos Bustamante saben que es una apuesta, que es un riesgo dentro del cine latinoamericano, pero les gusta ser pioneros: “Internacionalmente apostamos por esta plataforma en Facebook, porque creemos que el futuro de la industria del cine puede estar en la redes sociales. Y la única manera de saber si esto que creemos es cierto era aventurándonos a dar el primer paso, y eso hicimos”.

Toda historia tiene su principio. Suena obvio, pero cuando se habla de una saga como ‘Star Wars’ o ‘La guerra de las galaxias’, los fanáticos del cine y los que aman los efectos visuales siempre querrán saber más sobre cómo George Lucas, con un gran equipo de personas, llevó acabo desde 1977 su sueño de una ‘ópera espacial’, como él mismo la llamó al comienzo.

Con la expectativa de la llegada a Colombia el próximo 2 de marzo de Gary Kurtz, productor de ‘Una nueva esperanza’ (‘A New Hope’, 1977) y ‘El imperio contraataca’ (‘The Empire Strikes Back’, 1980), y de Sandie Lieberson, vicepresidente de producción de mundial de 20th. Century Fox en ese momento, After Effects, el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual, quiere entusiasmarlos a todos con datos sobre la importancia de la tecnología usada para hacer la primera película, y cómo esta revolucionó el cine con las herramientas del momento.

Una idea como esta, que cambió la forma como se hace ciencia ficción en el cine, tiene un proceso complejo. Primero, Lucas creó la historia en un borrador que parecía imposible y lo complementó con dibujos del artista Ralph McQuarrie para que todo el equipo tuviera claro qué buscaba.

“Los efectos visuales y de sonido en definitiva se pueden llamar experimentales. Los personajes eran originales, y la película movió el cine de ciencia ficción hacia el espacio de lo nuevo y lo moderno”. Este es el primer comentario que nos hace Lieberson, pues para ‘Una nueva esperanza’ Lucas creó la que más adelante sería la empresa de efectos visuales más grande de Estados Unidos: Industrial Light & Magic (ILM).

Entre los efectos que trabajó ILM se encuentran las fotografías de control de movimiento, que permiten la repetición de movimientos en cámara, que muchas veces se usan combinado con el croma o chroma key. En el caso de ‘Una nueva esperanza’, el efecto fue usado para combinar los modelos miniatura con los escenarios reales.

Esto también se vio reflejado en la construcción de las naves, en las que Lucas quiso manejar esa estética que para todos ya es conocida: lo desgastado y envejecido. “Era una nueva forma de usar la ciencia ficción para crear cine puro. Todo en ‘Star Wars’ se sentía diferente y avanzado, mientras que la mayoría de las películas de ciencia ficción hasta ese momento, que trataban de hablar del futuro, se sentían plantadas en el pasado”, dice Lieberson.

El hacer una película diferente de las demás en su momento, tiene sus propios riesgos y se sabe que para ‘Una nueva esperanza’ desde el comienzo existieron problemas en el desierto de Túnez, en especial eléctricos. Para el productor Gary Kurtz, quien fue el que tuvo que enfrentar todos los problemas, existió un momento muy complejo: “Intentar rodar en una tormeta de nieve, a 20 grados bajo cero, después de una nevada de 10 metros”.

Todos estos elementos hicieron que la parte de edición de la película y la posproducción de sonido también fueran un reto. Es en ese momento cuando Sandie Lieberson se integró al equipo, y la primera impresión que tuvo al ver lo que llevaban adelantado de la película le generó mucha intriga.

“Nos encontramos con ellos (Lucas y Kurtz) una noche en los Estudios Elstree, durante el descanso para comer, y me mostraron un corto segmento del material de ‘Star Wars’, todavía sin efectos especiales ni diseño de sonido. Debo admitir que fue imposible hacerme una idea de la estética y del sonido que finalmente tendría la película, pero quedé completamente intrigado tanto por Lucas y Kurtz como por el material que me estaban mostrando”.

Haciendo algo tan novedoso, ILM corrió riesgos y tuvo además que trabajar muchas veces en corto tiempo, pues muchas escenas, en especial de los disparos que fueron planeadas para hacerse en un año completo, se debieron hacer en tan solo seis meses. El sonido también resultó ser todo un reto, en especial para algunos personajes. Por ejemplo, la voz de Chewbacca es una combinación de diferentes animales, como perros, osos y leones.

Con la importancia que tiene las películas de Star Wars, las expectativas sobre qué más podrán contar Kurtz y Lieberson en La anatomía de Star Wars son altas. Pero también ellos esperan mucho de su visita al país: “Me interesa mucho conocer a los cineastas de Colombia y a los fans de Star Wars en Bogotá. Me encanta ver cómo los realizadores de diferentes lugares del mundo exploran y presentan, a través del cine, los diversos temas que los apasionan. Eso es lo que quiero descubrir en Colombia”, nos comentó Kurtz.

ENTER.CO llevará a dos verdaderos fanáticos de Star Wars para que puedan presenciar todo lo que revelarán estos personajes sobre las primeras películas de la saga.  Estas son las bases del concurso. ¡Todavía hay tiempo de participar!

En el género audiovisual de la ciencia ficción existen muchas películas importantes que marcaron no solo la forma de contar este tipo de historias, sino también por las innovaciones tecnológicas que se hicieron en las áreas de efectos visuales y especiales. Si buscan ‘La Guerra de las Galaxias’ o ‘Star Wars’ en Internet va a encontrar tanta información: después del lanzamiento de la primera película en 1977, sigue siendo un fenómeno dentro de la industria.

En una entrevista que George Lucas, creador de toda la serie de ‘Star Wars’, dio para Entertainment Weekly, habló de lo difícil que resultó para él la primera película, que llevó este nombre pero ahora es conocida como ‘Una nueva esperanza’ (‘A New Hope’): “Esta película fue muy dura. Fue doloroso y muy desagradable. Nunca había suficiente dinero o suficiente tiempo, y siempre estábamos comprometidos en todo, fue una experiencia difícil en todos los sentidos”.

Por eso hoy en After Effects tenemos una sorpresa para todos los amantes de la ciencia ficción y en especial de ‘Star Wars’. Si esto fue lo que dijo Lucas en una corta entrevista, mucho más podrán contar Gary Kurts, productor de las dos primeras películas -‘Una nueva esperanza’ y ‘El imperio contraataca’ (‘The Empire Strikes Back’)- y Sandy Lieberson, presidente de producción mundial de la productora 20th. Century Fox en el momento los estrenos.

La Anatomía de Star Wars es el evento en el que todos querrán estar, pues estos dos personajes estarán en Bogotá el fin de semana del 2 y 3 de marzo, contando paso a paso la construcción de las dos primeras películas lanzadas de la saga.

¿Quieren estar allá? ENTER.CO llevará a dos fanáticos de ‘Star Wars’: buscamos verdaderos amantes de las películas y de la tecnología en ellas.

Por ello, creamos un concurso en el que queremos que nos muestren por qué quieren estar allá y desplieguen su talento.

Las bases del concurso.

Para esto, deben tener en cuenta los siguientes puntos:

• El premio consiste en una entrada individual para La Anatomía de Star Wars, que se hará el próximo 2 y 3 de marzo en el Centro Empresarial Salitre de la Cámara de Comercio en Bogotá. Habrá un ganador por cada categoría. (Su valor comercial es de 430.000 pesos colombianos, unos 250 dólares).
• Todos los participantes deben vivir en Bogotá o tener la facilidad de viajar a la ciudad por su cuenta durante los días del evento.
• Deben ser fans de la página de Facebook de ENTER.CO y La Anatomía de Star Wars.
• Cada participante solo puede concursar en una de las dos categorías creadas: el mejor cartel o afiche de película, y el mejor video.
• El premio es personal e intransferible.
• El concurso consiste en responder  a la siguiente pregunta: ¿Cómo Star Wars y la tecnología presente en las películas ha cambiado su vida?

Para ello, los participantes pueden usar dos medios:

• Un cartel o afiche de película: debe ser de forma 4:3 vertical, como un clásico cartel de cine. Se puede usar cualquier tipo de técnica artística, pero la presentación al concurso será de manera digital.
• Un video: debe durar un máximo de 2 minutos con créditos. También se puede usar cualquier tipo de técnica audiovisual.

Si se utiliza material que no es de propiedad del participante, se debe citar de manera adecuada el lugar de procedencia –y debe tener permiso de uso, por lo que sugerimos que solo se apoyen en contenidos con licencia Creative Commons–. Para el cartel, en la publicación correspondiente, y en el video, en los créditos. De no hacerse adecuadamente, será descalificado.

El concurso tendrá unas etapas de selección y clasificación:

1. Recibiremos sus propuestas del 1 al 23 de febrero. Cada participante debe publicar su cartel en su cuenta de Flickr y su video en su cuenta de YouTube, y compartir el enlace en nuestra página de ENTER.CO en Facebook.
2. Nuestro equipo periodístico escogerá los cinco trabajos en cada categoría que mejor respondan a la pregunta, y los publicaremos en ENTER.CO el 24 de febrero en la sección After Effects.
3. Publicaremos a los seleccionados en nuestra página de Facebook, para que ustedes mismos, nuestros usuarios, sean quienes escojan a los ganadores en cada categoría, pues quien se llevará la entrada será el cartel y video más popular, el que obtenga más ‘likes’ (‘me gusta’). La posibilidad de dar clic en sus favoritos será entre el 24 y el 27 de febrero.
4. El 28 de febrero se publicará el cartel y video ganador del concurso en ENTER.CO.

¿Ya están pensando en qué hacer para participar? ¿En qué categoría? Compartan sus ideas… a menos que teman que se las copien.

El arte de contar una historia en poco tiempo no es fácil. Los cortometrajes son la forma en que muchos directores audiovisuales comienzan sus carreras: con poco presupuesto, algunos recursos y mucho para decir, se lanzan a la aventura que generalmente no deja dinero pero es la mejor forma de aprender y de ser posible, dar a conocer su trabajo.

Si alguien dice ‘videos en línea’, la respuesta inmediata es YouTube. Muchos directores de cortos la utilizan como medio para mostrar su trabajo, y ellos lo saben. After Effects presenta la nueva idea de la plataforma de videos de Google: Your Film Festival.

¿Qué sucede si la más reconocida plataforma de videos se une con el festival de cine de Venecia, Scott Free Productions -la compañía productora del reconocido director de Alien, Ridley Scott- y Emirates Airlines? Surge un festival pensado en que los directores, sin importar la región del mundo en el que estén, puedan contar su historia, y de paso, quien gane tendrá la oportunidad de trabajar con el reconocido director.

Pueden participar realizadores mayores de 18 años, con un video de no más de 15 minutos de cualquier estilo, género y técnica, pues como nos comento Nate Weinstein, gerente de marketing de YouTube, están buscando contadores de historias. Solo basta con subirlo al canal de Your Film Festival desde el 2 de febrero hasta el 31 de marzo de este año.

Scott Free se encargará de ver los videos uno por uno y crear una lista de 50 finalistas. Después depende que la historia encante al público, pues serán sometidos a votación, los 10 primeros irán al festival de cine de Venecia a mostrar su trabajo en uno de los eventos cinematográficos de mayor prestigio del mundo.

La mejor historia, será escogida entre un jurado especializado y recibirá 500.000 dólares (algo menos de 100 millones de pesos colombianos) como ayuda para hacer un nuevo cortometraje en conjunto con YouTube y Scott Free.

Ya Ridley Scott se había involucrado en proyectos con YouTube como ‘La vida en un día’ (‘Life In A Day’) película que se hizo a partir de cortos que los usuarios subieron a la plataforma, pero Scott tiene un interés particular en los cortos: “La realización de cortometrajes es exactamente el lugar en donde inicié mi carrera hace más de 50 años, así que el ayudar a nuevos cineastas a encontrar la entrada a esta industria es fantástico”.

¿Qué espera YouTube de los realizadores? ¿Qué expectativas existen al trabajar con alguien como Ridley Scott? ¿Hay alguna restricción en cuanto a temáticas? After Effects, el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual, tuvo una larga charla con Nate en la que respondió estás preguntas y nos contó algunos detalles increíbles, en especial sobre la importancia de los medios tecnológicos, que mostraremos el próximo lunes 23 de enero.

Por ahora dejamos la presentación oficial del evento para que todos se animen a participar.

¿Qué nos deparará el próximo año? La pregunta es válida no solo frente a las pantallas de cine, sino en el televisor, en los computadores y reproductores portátiles. En esta edición de After Effects tratamos de responder esta pregunta y presentamos las tendencias para 2012 entre una alianza que no tiene fin: audiovisual y tecnología.

3D ya no será solo una opción.

No se trata de ver las tres dimensiones como algo nuevo, porque películas con esta técnica llevan un buen tiempo en carteleras, pero 2012 será el año del establecimiento del 3D no como un plan B, sino como la primera opción de muchos directores y productores.

Una muestra de esto es lo que está pasando alrededor de ‘La invención de Hugo’, película de Martin Scorsese: se encuentra nominada como mejor película de drama a los Golden Globe. El que una película en 3D esté nominada en esta categoría confirma que se está viendo la técnica de manera seria, y no solo para cierto tipo de producciones.

Hay dos películas en 3D que ya tienen todas las expectativas del público: ‘Prometheus’, de Ridley Scott, es una de las más esperadas desde que en Comic-Con el director declaró que jamás volvería a hacer una película sin 3D, y ‘El Gran Gatsby’, de Baz Luhrmann (‘Moulin Rouge’, ‘Romeo + Juliet’), la cual es una adaptación de libro de F. Scott Fizgerald y es un clásico de los años 20, y está siendo rodada con la Red Epic, una de las mejores cámaras 3D. Pero el fenómeno no es solo para las salas de cine: la popularidad de los televisores 3D va en aumento y si se llega a dar la unificación de las gafas o se continúa avanzando en dispositivos que no las necesiten, como el Nintendo 3DS, las tres dimensiones llegarán con mucha más fuerza a los hogares.

Entre superhéroes y ciencia ficción.

Muchos de los amantes de la tecnología también aman personajes y géneros en el cine como los superhéroes y la ciencia ficción. 2012 está lleno de estrenos que en gran medida van enfocados a esta área.

El próximo año se esperan cuatro películas que ya están dando mucho de que hablar. ‘El caballero oscuro: la leyenda renace’ (‘The Dark Knight Rises’), de Christopher Nolan, es el final de la trilogía de Batman, y con todo el material que ya está circulando se sabe que muy buena parte de la película tiene bastantes efectos y fue hecha para el formato IMAX. También están ‘Los Vengadores’ (‘The Avengers’), que continuará la historia del Capitán América, Iron Man, Thor y El Hombre Increíble (Hulk), de la que se ha conocido un par de cortos que han tenido buena aceptación.

‘The Amazing Spider-Man’ es otra versión de ‘El Hombre Araña’, que también fue grabada con la Red Epic, por lo que se espera que esté en 3D. Y hace poco se supo que a finales de 2012 se estrenará ‘Skyfall’, dentro de la franquicia de James Bond, que siempre sorprende con el uso de armas y tecnología en los automóviles, típico del agente 007.

Lo audiovisual está en todas partes, y más en Internet. Basta entrar a un sitio web –y no tiene que ser de tecnología–, para encontrarse con videos, multimedia y elementos interactivos para que los usuarios participen. De eso se trata el crossmedia y el transmedia tal y como vimos en After Effects: la tecnología ha cambiado no solo la forma como se hace el audiovisual, sino como se cuentan las historias.

Para conocer mejor qué es crossmedia y transmedia, hablamos con Michel Reilhac, quien estuvo en Bogotá en el marco del Seminario Cross / Transmedia, y nos comentó su experiencia como director ejecutivo de Arte France Cinéma y director de Adquisiciones de Cine de ARTE France sobre cómo funcionan estos proyectos y cuál es la mejor forma de ingresar como realizador a este universo creativo.

“Hay curiosidad para descubrir lo que es”, nos comenta Reilhac al preguntarle qué es realmente transmedia. “Es un término nuevo, es un nuevo idioma y lenguaje que se inventa para contar historias de otra manera, después de lo tradicional y lineal. Se hace utilizando varias plataformas disponibles para que cada cosa se vea y se experimente de manera diferente dentro de la historia. No es lo mismo en cada plataforma, es un rompecabezas, cada plataforma es una ficha diferente, un universo narrativo completo”.

Por eso, pensar en un proyecto transmedia resulta a veces muy difícil. Como Reilhac dijo en medio de su charla, el medio es el mensaje, por lo que no prestarles atención a las nuevas plataformas y lo que se puede hacer con ellas es un error.

Cuando tienes una experiencia que involucra cine, televisión e Internet, a la que se accede con tablets, computadores y celulares, y se crean proyectos como Tippexperience, de publicidad interactiva en YouTube, o Iron Sky, una película en la que el público participó en la escritura del guion, el diseño de los escenarios y en la recolección del presupuesto, hay que tener cuenta una estrategia.

¿Qué es lo primero que hay que pensar? “Que son historias interactivas, por lo que la es audiencia activa, es un participante que comparte la experiencia y puede contribuir”, responde Reilhac, por lo que lo primero es pensar en una historia que valga la pena, que sea digna de ser contada y después en el público, para que él se pueda relacionar.

“Lo ideal es comenzar a pensar por qué la gente se involucraría en la historia, más que en cómo lo haría: el enlace no sirve al final, hay que pensar en la relación con el público”, recalca Reilhac. Por esta razón, el público debe estar presente desde la planeación y  hay que privilegiar el punto de vista del espectador, crear un espacio para la interacción e invitar a la gente a contribuir en el contenido narrativo. “La intención del transmedia es que los espectadores se vuelvan productores”.

El transmedia no es pensar en la utilización de herramientas: “Primero, es un estado de espíritu, es una manera de pensarse no solo como un realizador, sino como un contador de historias, y ver que tenemos más opciones, algunas tecnológicas y otras sencillas: organizando fiestas que sean parte de la historia, haciendo un flashmob, trabajando con redes sociales. No es tanto utilizar nuevas herramientas, sino buscar a las personas”.

El trabajo en transmedia es, para quien desee comenzar, verse como un ‘arquitecto narrativo’, un ‘diseñador de experiencias’, que debe buscar cómplices: después de la historia, el escoger un equipo que tenga todas las características para involucrarse en un proyecto que como bien lo dijo Michel, es un rompecabezas, lo es todo.

Con la historia y los cómplices, comienza la verdadera aventura. Hay que establecer los fundamentos del universo narrativo, en todos los aspectos antes de comenzar, por eso el story board –que es la historia dibujada en planos– debe ser muy preciso. También se debe fabricar la matriz del proyecto: con cronología y coordinación. Es un plano de producción –que es un mapa-guía de lo que se debe hacer–, pero tiene Internet, vida real, metadata, casting y difusión.

A Michel le impactó en su estadía en Colombia. Primero, el número de personas que vieron el streaming del seminario: 12.000. Eso para él es una señal de curiosidad que tienen las personas por empezar a generar proyectos de esta índole. Y lo segundo fueron las experiencias colombianas compartidas como el reportaje 360 Grados, que realizaron el periódico El País y Pequeño Tirano, de Parodiario TV.

En varias conferencias se utilizó una frase para explicar qué es transmedia: es como el sexo adolescente. Todo el mundo quiere hacerlo, nadie sabe cómo, y cuando finalmente se hace la sorpresa no es tan grande. En medio de risas, lo que se quiere dar a entender es que hay mucho que explorar: “Las historias transmedia son parte de una conversación. No importa el género, es un asunto de pensar que la realidad no es única: esto impacta nuestras vidas y afecta nuestras prioridades”, nos dice Michel Reilhac para finalizar.

Muchos se pueden preguntar: ¿Qué sucede cuando la historia que quiero contar no es de ficción, sino tiene un trabajo documental? Para responder esta pregunta hablamos con Natalie Cloutier, quien trabaja con National Film de Canadá y nos contó desde su experiencia cómo abordar los proyectos y qué impacto tienen para los países latinoamericanos. Sus impresiones las compartiremos en una entrega especial de After Effects.

Mientras tanto, esto es parte de lo que Michel Reilhac habló durante el Seminario Cross / Transmedia.

Otras notas de After Effects:

After Effects es el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual.

• La gira 360° de U2 puso a 300.000 espectadores en primera fila.
• Crossmedia y transmedia: el audiovisual evoluciona y se mezcla con casi todo.
• ¿Cuál es la parte de arte y tecnología en Soma 2011?
• 4+1: cine de autor, de los teatros al computador.
• Mezcla de música y memoria hecha con Internet.

Ver un video como el que tenemos arriba de la gira 360° de U2 hace pensar en el poder que tienen muchos de los shows de estadio, que se volvieron muy populares desde la década de los 80, y con los que esta banda siempre ha generado gran impacto. Comenzando por la experiencia ‘concierto-televisión’ de Zoo TV, la enorme pantalla LED para criticar el consumismo en Popmart Tour y un primer intento de inclusión de público en Vertigo Tour, la gira 360° es una puesta en escena llena de tecnología que busca hacer sentir la música como una experiencia superior a la norma.

En After Effects queremos presentar el otro lado de la gira: los elementos visuales que permitieron que miles de personas alrededor del mundo disfrutaran del primer espectáculo 360° al aire libre, en el cual el sistema de cámaras, monitoreo y pantallas de seguimiento, así como el mismo escenario con la pantalla de LED cónica retráctil, fueron los que hicieron que, por ejemplo, 300.000 personas en Ciudad de México vivieran un show como si estuvieran en primera fila.

¿Cómo hacer que una persona que está en el último asiento de un estadio se sienta tan cerca de su artista favorito? No bastaba el carisma de Bono, el cantante de U2,pero el diseño completo de la presentación y la tecnología utilizada ayudaron a lograrlo.

Comencemos con que el reto de crear un show que se pudiera ver desde cualquier ángulo consiste en que no existió ninguna pared en la que se pudieran poner luces, video y sonido, sino tener al público alrededor, lo que hizo que surgieran formas creativas para solucionar los inconvenientes.

El reto era crear un armazón lo suficientemente alto en el que se pudiera colgar cualquier luz, pantalla o elemento por utilizar, y por eso lo primero fue el diseño de este gran ‘pulpo’ que fue colocado en medio del estadio, que paradójicamente genera más cercanía con el público permitió incluir muchos más espectadores en cada concierto.

Después de la creación del escenario, la firma Live Nation, encargada de la producción del concierto, tenía un mayor problema por resolver: ¿Cómo tener todo en orden y poder hacer monitoreo de cada elemento? Por eso, creó una alianza con Dell en la que pudo tener una tienda de campaña para todo el control con estaciones de trabajo Dell Precision R540 y monitores UltraSharp U2711. Además, contó con estaciones móviles Precision M6500 de 17 pulgadas para no perder un solo detalle.

Esta tienda se ubicó en la parte trasera del estadio y fue el sitio en el que se hizo seguimiento a todo lo que sucedía en el show, y eso tiene que ver también con uno de los elementos de innovación tecnológica que tuvo la gira: la enorme pantalla cónica LED que debía poder ocultarse en medio de la estructura y expandirse de diferentes formas en varios momentos durante el concierto.

En Bogotá, este 10 y 11 de noviembre se reúnen conocedores sobre los cambios que se están viviendo en los proyectos audiovisuales, en el Seminario Cross / Transmedia, para compartir sus experiencias y de paso, escuchar también todo lo que puede estar sucediendo en el país y en Latinoamérica.

Los términos ‘crossmedia’ y ‘transmedia’, surgen para definir proyectos que no se pueden abarcar desde una sola mirada, sino que incluyen audiovisual, publicidad, videojuegos e interactividad, y han transformado la distribución y sobre todo la interacción con el público. Estas palabras surgieron un poco más ligadas a los trabajos multimediales que se presentan en las aulas de clase, pero pronto se trasladaron al campo artístico.

Al presentarse este tipo de proyectos ya no se puede pensar en planteamientos tradicionales. ¿Existe una forma diferente de contar una historia para una serie que verán exclusivamente por la Red? ¿Qué sucede cuando se planea un proyecto para diferentes formatos como televisión, Internet y videojuegos? ¿Cómo abordar la participación del público en proyectos audiovisuales interactivos?

Las preguntas parecen complicadas, pero además hay una principal: ¿Es posible tener el dinero para hacer un proyecto de esta índole?

En el seminario los participantes tratarán de encontrar respuestas o acercamientos a estas y otras preguntas.

Para ello, cuenta con la participación de cuatro invitados internacionales. Michel Reilhac, director ejecutivo de Arte France Cinéma y director de Adquisiciones de Cine de ARTE France, quien es el encargado de definir los términos y mostrar las formas para poder realizar un proyecto transmedia.

Ben Grass, director de Pure Grass Films, que produjo las primeras series de MySpace y MSN fuera de Estados Unidos, hablará sobre la forma de producir proyectos transmedia, Natalie Cloutier, productora de National Film Board de Canadá, mostrará su documental interactivo sobre la explotación minera, llamado Hole Story, y Max Valentin, presidente de Fabel Comunicaciones, expondrá algunos casos realizados en países escandinavos para Amnistía Internacional.

Junto con ellos, se hará análisis de casos nacionales como el de Pequeño Tirano, se hablará sobre la relación que debe tener los espectadores con la pantalla y la realización de 3D por, como lo comentamos en su momento, la empresa encargada de realizar la conversión de Pequeñas voces, Brass 3D.

La idea de Distrito Cinema al organizar el Seminario de Cross / Transmedia es comenzar a generar espacios en los que se pueda hablar de este tipo de proyectos, y con ello abrir campo para el próximo año poder realizar un festival a gran escala en el que se pueda no únicamente hablar sino ver proyectos cross y transmedia en los que la tecnología tiene mucha mayor participación.

ENTER.CO estará presente en el seminario, y en una próxima entrega de After Effects hablaremos con Ben Grass, Natalie Cloutier y Max Valentin sobre la importancia de este tipo de proyectos y si es posible trasladar algunas de sus experiencias al contexto latinoamericano.

¿Tienen alguna pregunta que les gustaría hacer a alguno de estos tres expertos en cross y transmedia? ¡Pueden dejarlas y les plantearemos a ellos las mejores!

Otras notas de After Effects:

After Effects es el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual.

• ¿Cuál es la parte de arte y tecnología en Soma 2011?
• 4+1: cine de autor, de los teatros al computador.
• Mezcla de música y memoria hecha con Internet.
• Un juego social con muchos fanáticos: Dofus.
• Explorando la cultura del ocio en SOFA 2011.

Todos están pendientes de Soma 2011, el evento de música, arte y tecnología que se llevará acabo esta noche en Bogotá, y lo que ha llamado la atención es el cartel de bandas que trae este año, en especial Interpol. Pero no hay que olvidar que por algo las palabras arte y tecnología también están presentes.

Esto llamó la atención de After Effects, que se fue a hablar con Hamilton Mestizo de Librepensante y Camilo Cantor de Cartografías Sonoras, encargados del montaje, para saber qué sorpresas nos traerá Soma 2011.

Hamilton es artista visual, que por un momento de crisis encontró en la programación y el ‘hackeo’ de objetos electrónicos viejos como electrodomésticos, la forma perfecta de expresarse. Camilo es diseñador gráfico, que decidió no conformarse con la academia y comenzó a participar desde que estaba en quinto semestre en la revista El Newton que lo llevo a trabajar investigación, producción de proyectos y montaje.

El cine es un movimiento global, no solo porque en cualquier lugar del mundo siempre habrá un realizador que quiera contar alguna historia, también porque con el avance tecnológico, se puede ver una película de cualquier parte del mundo, en cualquier momento y casi con cualquier dispositivo. Se está comenzando una nueva era en el audiovisual.

Hoy en nuestro espacio After Effects presentamos el Festival 4+1 de la Fundación Mapfre, que se realiza en simultánea en cuatro ciudades latinoamericanas: Buenos Aires, Ciudad de México, Rio de Janeiro y Bogotá, más la ciudad organizadora, Madrid.  Con este festival se busca mostrar lo más representativo de lo que se ha llamado ‘cine de autor’ y que por falta de difusión no alcanza a llegar a un público amplio, por lo que se ha apoyado en la transmisión de películas en línea por medio de la plataforma MUBI.

Al hacer el Festival 4+1 de manera simultánea en diferentes ciudades iberoamericanas, entre este 26 y el 30 de octubre, se busca por medio del cine unir estos lugares y así llamar la atención sobre sobre el papel que tienen los festivales para impulsar la industria audiovisual en los diferentes países.

Para crear ese lazo de manera más profunda, se aprovecha la tecnología, y junto con las presentaciones en los diferentes sitios de las ciudades se plantea el 4+1 ONLINE con la idea de llegar a todos los que deseen ver buen cine. Por eso, se hace la transmisión vía streaming de muy buena parte de las películas del Festival 4+1, que es probablemente el primero que lo hace.

En los cinco países en los que se realiza el festival se podrá acceder por medio de la plataforma MUBI, al catálogo de la sección oficial íntegra que tiene 14 películas, la retrospectiva de la directora belga, Agnès Varda, una de las pioneras del cine feminista, que tiene 34 títulos, y la retrospectiva de Apichatpong Weerasethakul, de Bangkok, cuya película ‘Tropical Malady’ (también titulada ‘Sud Pralad’, –extraño animal–) fue elegida por la revista Cahiers du Cinéma como la tercera mejor película de la década.

MUBI ya es un sitio reconocido de transmisión de películas por streaming, que se define a sí mismo como un teatro virtual: se enfoca en títulos clásicos, internacionales y de cine independiente, y funciona también como una comunidad en la que se pueden recomendar películas y organizar listas, todo girando en el ‘cine de autor’.

La plataforma surge con una inquietud muy similar a la del Festival 4+1 –por lo que se complementa tan bien– y es la posibilidad de acceder a películas de autor de excelente calidad que jamás llegarían a una sala de cine tradicional. Teniendo en cuenta que muchos no podrán ir a un festival como Cannes, la gente del festival pensó en brindar acceso vía Internet para que los fanáticos del cine alternativo puedan ver las películas desde su computador, y permanentemente amplía el catálogo y da posibilidad de interactuar a los usuarios.

Fundada en 2007 por Efe Cakarel, MUBI en este momento está respaldada por varias casas productoras reconocidas de cine de autor como Celluloid Dreams, Costa Films y la más importante, The Criterion Collection, teniendo el apoyo del Programa MEDIA de la Union Europea.

Para acceder al catálogo de películas que ofrece MUBI del Festival 4+1, se pueden pagar 2 dólares por cada película que se desee ver, o suscribirse y pagar 8 dólares al mes –un pago mensual similar al de Neflix–, y de paso acceder a todo lo que la plataforma puede ofrecer.

Pero si se encuentra en Bogotá, puede ver la programación e ir a la Cinemateca Distrital o a Cine Colombia Avenida Chile y disfrutar de lo mejor del cine independiente.

ENTER.CO tiene pases dobles para cualquiera de las funciones de la Cinemateca Distrital, participe en nuestro concurso por Facebook en el que entregaremos boletas dobles y haga parte de uno de los mejores festivales de cine independiente de iberoamérica.

Otras notas de After Effects:

After Effects es el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual.

• Mezcla de música y memoria hecha con Internet.
• Un juego social con muchos fanáticos: Dofus.
• Explorando la cultura del ocio en SOFA 2011.
• Electrópolis: artes electrónicas proyectadas en la ciudad.
• Las voces de niños desplazados impactan en película 3D.

“Internet es todo, de no ser por ello no existiría el proyecto”. En un momento en el que abundan propuestas musicales de toda índole, es interesante encontrarse con una que está detrás de crear memoria y traer recuerdos del pasado. Todo basado en una herramienta fundamental, que es Internet.

De Juepuchas es la propuesta de mezcla musical que queremos presentar en After Effects, un espacio en el que nos dedicamos a mostrar la relación entre tecnología y audiovisual, pero para el que no queríamos dejar pasar a este colectivo musical que se presentó en el marco de SOFA, que sacó muchas sonrisas y a muchos nos transportó al pasado.

Hablamos con ellos y lo primero que les pedimos era que nos explicaran qué es De Juepuchas para empezar a conocerlos: “Es un proyecto musical y performance electrónico que integra gran cantidad de géneros, todos por Internet, y buscamos plasmar todo esto en un gran collage electrónico”.

Si se asiste a una de sus presentaciones, va a encontrar géneros desde drum and bass, pasando por disco y champeta, hasta los populares canticuentos y uno que otro comercial y programa de televisión colombiano que lo devolverá a su infancia, todo en una misma canción.

“En cuanto al concepto, lo que queremos es un asunto de hacer memoria. En el primer disco que se llama Ser De Juepuchas, hablamos de la memoria colectiva colombiana, cómo ciertos sonidos nos identifican como colombianos”. De Juepuchas lleva ya un tiempo: su primer álbum lo publicó en 2009 y empezó a tocar en espacios como el Septimazo (uno de los espacios de cultura callejera más conocidos en Bogotá) y con el paso del tiempo ha mejorado su puesta en escena hasta llegar a lo que presenta hoy.

Eso es lo que intentan transmitir sus integrantes en su experiencia en vivo que ya está por terminar, a la que llamaron ‘Nanay Cucas’, con lo que muestran que dentro de la memoria también está el humor. “La gracia es tomar el cuento de la alegría y pasar un buen rato porque es un buen tiempo. Dejar la arrogancia y celebrar, es una excusa para pasarla bien, promover buena energía”.

En cuanto a la parte tecnológica, es Internet la que permite que surja De Juepuchas, como lo comentaron en la frase que colocamos al comienzo. “De hecho aprendimos a manejar el software musical porque pude bajarlo. Internet trajo los programas, los tutoriales y los sonidos que usamos”.

Y es que en el momento de pensar en hacer memoria, es necesario tener archivo. Internet se ha vuelto importante para géneros como el remix y el mashup, pero no faltan quienes piensan en los derechos de autor: “Estamos en un punto especifico en el que Internet está cambiando las reglas del acceso al conocimiento. Nosotros realmente no nos apropiamos de las creaciones de otros autores, las resignificamos, pero siempre el autor se reconoce, no decimos que eso es nuestro sino que reconocemos de quién es y lo significamos. Internet está reorganizando e inspirando”.

Por eso,  si quiere oír la música de De Juepuchas, solo tiene que entrar a su sitio web y podrá descargarla sin ningún costo, pues hace parte de la filosofía del grupo: “La música es gratuita, y todos nuestros medios de difusión y promocionales son a partir de la Web, sin necesidad de abarcar medios tradicionales. Es nuestra estrategia; si se puede decir, es trabajar con distribución independiente, porque Internet es independiente”.

De Juepuchas aprovecha toda la tecnología que tiene a la mano. Ahora la idea no es tener ocho teclados al tiempo, sino que con un controlador y sus computadores portátiles pueden armar la presentación. Sus integrantes nos comentaron sobre un programa que es parte fundamental de sus vidas: “Hemos pasado por tantos programas individualmente, pero llegamos a Ableton Live, que es con lo que está pensada toda la plataforma de De Juepuchas, que lo consideramos un brazo más de nuestro cuerpo porque nos permite expresarnos musicalmente”.

Con un sentido abierto, siempre están esperando lo mejor, en especial del público, que en su presentación en SOFA resultó ser especial para ellos: “Venimos porque nos sentimos más cercanos a este público. Nos gusta llamarnos ñoños y ese es el término, este es el público de De Juepuchas y creemos que es el que mejor nos va a entender: nosotros somos nerds y geeks y al aprender de tutoriales bajados ya nos clasifica en algo y toda esta gente está metida en este universo. A nosotros nos define este estilo de vida”.

El resultado: mucha alegría, que era lo que ellos esperaban. “Con el asunto de la memoria, lo que queremos es romper esa barrera de artista músico y pasar a hacer algo más genuino, que todo el mundo colabore, que esté estimulado por los sonidos y que cada quien tenga su experiencia personal”.

Por eso, les compartimos algo de lo que es De Juepuchas para que cada quien tenga su propia experiencia y nos dejen su comentario sobre este proyecto de realizar memoria a través de sonidos encontrados en la Web.

Otras notas de After Effects:

After Effects es el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, 
iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual.

• Un juego social con muchos fanáticos: Dofus.
• Explorando la cultura del ocio en SOFA 2011.
• Electrópolis: artes electrónicas proyectadas en la ciudad.
• Las voces de niños desplazados impactan en película 3D.
• Revelamos el mejor secreto en 3D del Diablo.

¿Qué hacer con el tiempo libre? Aunque muchas veces parece haber poco tiempo, todos tenemos algo que nos gusta más: ir a cine, jugar video juegos, oír música, leer, sea ficción o comics, ver series de televisión o de anime, y vincularse a algún tipo de red, en la que evidentemente Internet tiene una gran participación. Pasatiempos hay y de todas las formas.

Imagínese a todos los que aman esto en un mismo lugar. No hablo de Comic Con, la feria de entretenimiento más grande de Estados Unidos. Esto está un poco más cerca: es el Salón del Ocio y la Fantasía, más conocido como SOFA, que este año se realizará por tercera vez, en Corferias en Bogotá.

La idea nace de varias reuniones de amigos –que ahora es una empresa que apoya proyectos creativos, llamada Click On Design–, fanáticos del anime y todas estas temáticas. El reto, que era poder conocer a una famosa realizadora de doblaje de series de anime, terminó convirtiéndose en un pequeño evento en 2009 en Bima, un centro comercial a las afueras de Bogotá, al que asistieron solo los más cercanos a estas áreas.

La acogida llevo a pensar que SOFA llegó en un momento en el que las personas lo necesitan: alguien tiene que hablar de lo que está pasando con lo que deciden llamar, ‘la cultura del ocio’, y se creó el espacio para los fanáticos, los amantes de la tecnología, la academia, y todos los que están en la industria cultural.

El evento de este año se ve prometedor. Una de las cosas que sorprende es la popularidad que ha alcanzado: después de tener solo un pequeño pabellón el año pasado –que si ven las fotos es evidente que no daba cabida para todos–, ahora tienen 16 mil metros cuadrados, divididos en diferentes escenarios en los que se podrán encontrar actividades, talleres, conferencias y exposiciones permanentes de temas como ocio digital, juegos, expresiones urbanas y artísticas y ficción y fantasía.

Con tanto espacio, hay mucho que hacer en SOFA. Hoy en After Effects, pensamos que dentro de la gran agenda que tiene el evento este año, para los amantes de la tecnología existen actividades que no pueden perderse desde el 5 al 9 de octubre y por eso se las presentamos.

• Conversatorio del papel de las redes juveniles como desarrollo social. Auditorio. Miércoles, Jueves y Viernes. 11 a.m. a 12 m. ¿Cuál es la importancia de todas las agrupaciones, tanto virtuales como reales, que se están dando? La reflexión gira en torno a como pueden ser útiles, en especial para la formación.
• Conferencia Soporte. Stand Ankama. Miércoles 2 a 3 p.m. Todavía muchos no están relacionados con el tema de seguridad con sus cuentas, en especial con aquellas que usan para juegos en línea. Este es el lugar para aprender sobre el tema.
• Presentación de animaciones. Auditorio. Viernes 12 m. a 2 p.m. Con la muestra de estos trabajos, en los que está el estreno de Pantano, corto ganador de la convocatoria Bogotá tiene talento 2010, se puede ver lo último en tecnología aplicado a la animación.
• Terror nacional: El Páramo. Auditorio. Sábado 3 a 4 p.m. Pronta a estrenarse, Jaime Orozco y su equipo presenta una película de un género poco realizado en el país y que ha llamado la atención de todos, incluyendo el Festival Fest en Austin, Texas.
• De Juepuchas. Tarima. Sábado 4 a 5 p.m. inspirados por proyectos como Girl Tank, que utiliza tecnologías para realizar creación sonora, en especial ‘mashups’ –mezclas de diferentes fragmentos en una sola canción–, este grupo presentará una mezcla en vivo de más de 1000 de sonidos de la cultura popular.
• Para dónde va el 3D. Auditorio. Domingo 2:30 a 3:30 p.m. Con el auge que ha tenido el 3D en nuestras salas, Laboratorios Black Velvet, una de las productoras más grandes del país, desea hacer una reflexión sobre este tema y la importancia para los realizadores y espectadores.

Además, si va por ahí caminando puede ver cosas asombrosas como los diferentes ‘cosplay‘ –disfraz que usan algunas personas, referentes a series de anime, manga o fantasía– que muchos de los visitantes preparan con esmero, así como un evento sorpresa de mapping y realidad aumentada que incluye una serie de proyecciones en Corferias.

Está también la zona de videojuegos en las que habrá posibilidad de probar DOFUS, WAKFU, Jalabol y Arena, y también Islands of Wakfu y su juego para XBOX 360. Junto a ello están las exhibiciones permanentes de RC Offroad y Onroad, con la muestra de carros de carreras manejados a control remoto, en los que las personas podrán participar y aprender a manejar uno de estos modelos y también de aviones y helicópteros, y el museo del videojuego en el que traerán la historia de las consolas de Nintendo, Atari y Sega, en las que se podrán ver juegos como el clásico Pong.

¿Qué piensan sobre este tipo de eventos? ¿Quieren asistir a SOFA 2011? Estén pendientes, pues ENTER.CO regalará entradas y mostrará algunas de las cosas que sucedan en este Salón del Ocio y la Fantasía.

Otras notas de After Effects:

After Effects es el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual.

• Cuatro tendencias en Comic Con 2011.
• Electrópolis: artes electrónicas proyectadas en la ciudad.
• Las voces de niños desplazados impactan en película 3D.
• Revelamos el mejor secreto en 3D del Diablo.
• La tecnología que hizo al Diablo.

Una de las posibilidades que ha dado la combinación de arte y tecnología son las intervenciones urbanas. A eso le está apuntando Electropolis, el primer festival de artes electrónicas urbanas, que se realizará en Bogotá. En el evento se podrá apreciar la creación de un grafiti con la técnica de mapping –imágenes proyectadas en arquitectura y objetos tridimensionales, que funcionan como pantalla y escenario–, y otras expresiones artísticas que mostrarán la ciudad tal y como la perciben los artistas.

Los gestores de este proyecto son Intel y la Universidad de los Andes, y a la cabeza están Jaime Martínez, gerente de mercadeo para el cono norte del gigante de los procesadores,  y Carmen Gil Vrolijk, artista e investigadora. ENTER.CO habló con ellos y en After Effects presentamos una de las iniciativas, en las que lo más importante es la participación en medio de lo audiovisual y lo tecnológico.

El hacer un show electrónico gratuito tiene que ver con la percepción tanto del arte como de los medios tecnológicos que provee Intel. “Cuando hablamos con Carmen”, nos comenta Jaime, “pensamos en el arte basado en componentes audiovisuales, que es la nueva expresión de los jóvenes, es una tendencia en el mundo y se hace posible con el computador. Hace 10 años podía tener muchas ideas en la cabeza, pero no existía forma de ejecutarlas, o por lo menos no con eficiencia. Hacer un render que podía durar semanas ahora dura horas”.

Pero también está que la producción de arte digital en Colombia va en aumento, y es el momento propicio para empezar a abrir este tipo de espacios: “Es importante mostrar el nivel artístico que hay en el país y dejar de mirar hacia afuera: empezar a ver hacia adentro. Que la gente vaya y se acerque a la gente a la tecnología como forma de proyección y creación de arte”, comenta Carmen.

“La tecnología trae cosas tan buenas, que ha cambiado la forma como los jóvenes se conectan con el mundo. La expresión ahora está basada en lo visual y el sonido, y lo mismo pasa con los artistas: el computador es el pincel, la tecnología es el lienzo. En el departamento de mercadeo de Intel y nos pareció una idea interesantísima fue gestado de manera conjunta con Carmen”, afirma Jaime.

El proceso de Electrópolis ha tenido varias etapas. Primero, se realizó una convocatoria de artistas que deseen mostrar su sentido de ciudad. Carmen realizó la curaduría en la que se invitaron los seis artistas que participarán en el montaje con un perfil específico: “Busqué personas que tuvieran trayectoria en medios digitales como artistas. No hay gente que venga del diseño, ni de la publicidad, sino que se le dio preferencia al arte. Personas con estudios y exposiciones, una hoja de vida artística bastante sólida que pudieran trabajar arte sonoro, video arte, instalaciones y diferentes campos que cubren los medios electrónicos”.

La siguiente parte de la convocatoria fue buscar personas que apoyaran a estos artistas en el montaje: quienes participarán en Electrópolis trabajarán con colaboradores para la presentación de sus obras, que tuvieran algún tipo de experiencia y su portafolio. Para esto se recibieron 58 portafolios y se escogieron los mejores, que participan en el Taller Electrópolis.

“Desde el primer momento se buscó un común denominador: que fueran colombianos”, nos comentó Jaime. Lo más importante es que el evento es para todos: “No es solo para estudiantes de arte, sino para todo el mundo. Cualquier joven sin estudiar arte, pero tenga un gusto por lo visual, puede participar en ‘ayúdanos a construir Electropolis’”, que es la parte en la que con las fotos y videos que todos envíen se construirá el mapping que se presentará en la Plaza de Lourdes.

Y ese es otro de los puntos llamativos, el lugar. La Plaza de Lourdes está en medio de Bogotá, lugar ideal para este proyecto, aunque en realidad se pensaron en otros lugares: “Cuando Carmen y yo empezamos a trabajar en el concepto inicial, nos queríamos enloquecer por esta ciudad, inicialmente pensamos en un panorama del centro de Bogotá, pero por permisos y requerimientos no se pudo. La plaza de Lourdes la pensamos porque está  situada en el corazón de Bogotá y tiene muchos puntos de vista. Al párroco y el Ministerio de Cultura, que está haciendo la restauración les pareció interesante”.

Esta idea de presentar un mapping en un lugar que es ícono de la ciudad no es nueva: ya se realizó en España, en la catedral de Santiago de Compostela, para la celebración de sus 800 años. Al ver esto, quedaron todos convencidos: en la iglesia de Lourdes se encuentran fascinados con la realización del evento. La reflexión no se hace con ninguna intención o sobre una ciudad en particular: “Son reflexiones sobre la ciudad: imaginadas y reales. Algunos artistas trabajarán Bogotá y otros serán más experimentales. No es sobre sectores sino sobre cómo vivimos la ciudad”, dice Carmen.

¿Qué esperar de Electrópolis? El evento central es el mapping: la creación de un grafiti en la fachada de la iglesia con las fotos que las personas envíen, que realizará el colectivo de Carmen, retroVISOR. Se contará con la exhibición de las obras de los distintos artistas y las diversas expresiones, en una silueta de la ciudad, que se montará para ello y habrá música en vivo.

Intel quiere hacer de este evento algo para todos: “El grupo objetivo principal son jóvenes, pero puede ser una experiencia familiar. Por qué no mostrárselo a un niño, una noche diferente en Bogotá”, nos dice Jaime.

Y es que la idea es que Electrópolis se vuelva pionera en América Latina y un evento recurrente todos los años: “Esta es la primera que esperamos que se conviertan en más a partir de la acogida. La idea es que sea una fecha particular de Bogotá pero dependemos de la acogida que tenga el proyecto. No quisimos llamarlo solo Electrópolis, sino que le pusimos 2011, porque  en seis meses podemos pensar en la versión de 2012, y queremos que los jóvenes lo sientan como suyo. Ahora va a ser una sola noche, pero pensando en perspectiva, queremos que sea un fin de semana, pero por ahora queremos ver cómo sale todo”, agrega.

Cualquier persona puede participar a través del envío de fotografías en al sitio de Electropolis e invitar a amigos a participar. Y de paso, los que se animen a ayudar a construir el mapping podrán ganarse uno de los cinco computadores portátiles con procesador Core i5 de segunda generación que entregará Intel. “La idea es poder decirle a la gente que aproveche su computador, que tiene una buena máquina que le ayuda en procesamiento y que tiene componentes visuales. Lo importante es la creatividad, creer en lo que más le gusta. Esto puede ser a nivel personal, pero en el tema artístico es igual: es la máquina que le acompaña”, concluye Jaime Martínez.

Invitamos a quienes se encuentren en Bogotá, el 30 de septiembre, a pasar por la Plaza de Lourdes: se esperan unos 8.000 asistentes que disfrutarán de esta experiencia de arte en vivo. Además, es el momento para abrir espacios de puestas en escena urbanas, en las que arte y tecnología van siempre de la mano.

Otras notas de After Effects:

After Effects es el espacio de ENTER.CO dedicado a destacar proyectos, iniciativas e innovaciones relacionadas con la tecnología y el mundo audiovisual.

• Las voces de niños desplazados impactan en película 3D.
• Revelamos el mejor secreto en 3D del Diablo.
• La tecnología que hizo al Diablo.
• La tecnología salvó al Diablo.
• Las bandas dicen: nuevo disco, nueva experiencia.

Para este After Effects, ENTER.CO habló con Jairo Carrillo, director de este proyecto al que le dedicó casi 10 años de su vida. Entre algunos detalles técnicos que nos reveló, nos habló del proceso de realización, desde el surgimiento de la idea, hasta el paso de ‘Pequeñas voces’ de animación tradicional 2D a 3D gracias a que encontró a un colombiano en Canadá que se conmovió con la historia.

‘Pequeñas voces’ es difícil de definir dentro de un género, por lo que durante mucho tiempo se le denominó ‘documental animado’. Está hecha con los testimonios en audio de cuatro niños, en los que nos cuentan sus propias historias de desplazamiento por el conflicto armado, mientras los vemos representados en animación. Está pensada para hacer una reflexión sobre el conflicto colombiano y la situación de los niños, aunque puede ser entendida universalmente.

“En 2000, comencé a hacer mis primeras entrevistas, que fue cuando los desplazados se tomaron la Cruz Roja en Bogotá. Con ese material hice un cortometraje que terminamos en 2003 y fui a Venecia”. En ese momento Jairo descubre que aunque el cortometraje tiene mucha acogida, solo lo pueden ver grupos pequeños, por lo que plantea hacer un largometraje: “Quería llegar a más personas, por lo que de 2003 a 2005 hice entrevistas y decidí aplicar a convocatorias para obtener fondos. Ya en noviembre de 2005 gané el Fondo para el desarrollo cinematográfico del Ministerio de Cultura, por 120 mil dólares”, y con ese dinero comenzó ‘Pequeñas voces’.

Escoger animación para contar la historia de estos pequeños desplazados no es gratuito: “Yo sentía que la mejor manera de hacer la película era con los dibujos de los niños, ellos se expresan mejor de manera pictórica”, nos comenta Jorge, lo que nos lleva a que muchos de los personajes que aparecen en la película, como los guerrilleros y los policías, son dibujos hechos por los pequeños protagonistas que contaron su experiencia.

“La idea inicial es mostrar cómo los niños ven el conflicto armado. Las voces de los niños son tan importantes que no hay ninguna voz de los adultos en la película, porque queríamos solo fueran las voces de ellos. Un ejemplo es cuando la guerrilla les empieza a hablar sobre el marxismo, se escucha un ‘bla, bla, bla’ y los niños no entienden nada de eso”.

Pero, ¿cómo resultaron los dibujos de los niños en 3D? Eso no estaba planeado desde un comienzo cuando se hizo el primer cortometraje, sino fue una idea que surgió con el paso del tiempo y que avivó el día que Jairo vio ‘Avatar’, de James Cameron, y apareció el logo de una compañía llamada Real 3D. Aunque sabía que el proceso podía ser costoso, se animó a escribir a Los Ángeles, y de esta empresa lo remitieron a otra, Brash 3D, donde recibió una respuesta positiva.

“Real 3D tiene una alianza con una empresa colombocanadiense llamada Brash 3D, así que de allí enviaron unas pruebas. A Jaime López (presidente de Brash 3D, colombiano) le mandaron el proyecto, y él me dijo que le encantaba y que iba a hacer unas pruebas para con ello poder conseguir financiación”. Cuando Jairo vio la prueba en una sala de cine, no lo podía creer y tomó la decisión. En ese momento apareció RCN Cine y decidió apoyar la película.

Como ‘Pequeñas voces’ fue primero realizada en dibujos normales 2D, se debió hacer un proceso para el cambio a 3D, en el que deben volver a abrir el archivo de video y hacer algunos cambios, como colocar capas con objetos más cerca, en especial para para crear la profundidad que se percibe, y también volver a acomodar las ‘cámaras’ –que en realidad son los puntos de vista– en el espacio virtual.

Todo fue hecho con un equipo que se fue formando paulatinamente: “Yo hice el corto e hice una maestría en imagen digital en el Metropolitan University de Londres, pero no tenía la experiencia para hacer un largometraje. Entonces hablé con Óscar Andrade y contratamos a Jaguar Taller Digital, su empresa, para empezar a hacer la película, y él contrató a Adela Manotas y a Karolina Villaraga”, quienes hicieron dirección de arte y diseño de personajes.

El proceso de trabajo fue bastante largo, casi una década: la primera investigación con la realización del corto duró cuatro años; después, armar la historia, los personajes y el ‘animático’ –o ‘animatic’ en inglés, un punto de partida hecho con dibujos quietos y voces en off– duró aproximadamente un año; la realización, tres años, y la conversión a 3D, cuatro meses. s

El proceso de realización del ‘animático’ fue muy importante. Es la forma en como Jorge pudo guiar a su equipo a la película que él quería hacer: “Uno no se imagina todo lo que se ahorra, es en lo que está nuestra visión. Después tomamos escena por escena para desarrollar la película. Yo iba una vez por semana a supervisar el trabajo. No es una dirección de estar ahí, pero la de Óscar que es una dirección de animación, él si tenía que estar todo el tiempo en el proceso. Cuando yo iba, lo que hacía era revisar los planos y después ver con el ‘animático’ y comparar, para resolver los problemas”.

Como comentó el editorial de El Tiempo.com, con ‘Pequeñas Voces’, Jairo Carrillo y Óscar Andrade han podido ir al Festival internacional de Cine de Venecia y al Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam, solo por nombrar algunos de los  32 festivales en que la película ha participado. La prensa internacional, como BBC Mundo y Variety, han estado pendientes de ‘Pequeñas voces’, pero lo que todos en la producción están esperando es la reacción del propio público colombiano.

“La expectativa es que se estrene en 3D y que se pueda usar después, que se muestre en pueblos, en colegios”, nos comenta Jairo. “La vamos a estrenar en el Festival Ojo al Sanchocho el mismo día del estreno en Colombia”. Y ese día llegó: es hoy, 16 de septiembre. Este festival se celebra en Ciudad Bolívar, uno de los sectores más poblados y pobres de Bogotá. “Queremos que todos la puedan ver y que después, se pueda repartir con las cartillas que hemos creado para la película, y que llegue a más gente”, concluye, con ilusión, Jairo Carrillo.

Con todo el contexto, el público puede esperar ir a la sala de cine y además de encontrarse con una buena realización en 3D, vibrar con una historia conmovedora y un final esperanzador en el que los niños nos dan una gran lección: la vida continúa.

Notas relacionadas:

• Revelamos el mejor secreto en 3D del Diablo [After Effects].
• La tecnología que hizo al Diablo [After Effects].
• La tecnología salvó al Diablo [After Effects].
• Las bandas dicen: nuevo disco, nueva experiencia [After Effects].
• Un colombiano en la cultura de los efectos visuales [After Effects].

En After Effects quisimos saber todo sobre cómo se logró esta escena y nos encontramos con José Luis Orozco, quien fue el director del efecto visual, y nos contó, además de cómo la realizaron y qué equipos y programas usaron, lo importante que es el conocimiento y el talento de los artistas, y una buena historia.

Juan Felipe Orozco, el director, siempre tuvo una cosa en la mente para esta escena: no hacerla con varios planos, solo mostrar la caída de manera directa. Todo un reto, porque no se puede arriesgar la vida de dos actores ni de dobles para hacer esto. La conclusión fue llamar a Autobotika para que se hiciera cargo.

Autobotika está conformada por tres personas: Lola Barreto, diseñadora gráfica quien ha sido directora gráfica para varias empresas y ha ganado algunos premios; Nicolás Coronado, ingeniero multimedios y fue director de posproducción de la antigua FX conocida ahora como Cinecolor y José Luis Orozco, diseñador industrial que lleva 10 años trabajando en realización de 3D.

“Los hermanos Orozco tenían la película hace rato y siempre hablábamos con Felipe respecto a algunos efectos. En un principio yo hice una supervisión de efectos y estuve ocho días en el rodaje con ellos en el proceso de las escenas de acción: la persecución, el edificio y la balacera final la bodega”, nos comenta José Luis. Por un retraso que existió en la producción, Autobotika se encontraba trabajando para Fox con ‘Kdabra‘ y decidió solo realizar esta escena, la más importante en cuanto a efectos visuales de la película.

La realización de un efecto como este tiene un proceso de trabajo. Lo primero consiste en ir al sitio de grabación y ver exactamente lo que se quiere hacer; llegaron a la conclusión que debían hacer dobles digitales, lo cual ya es común en Estados Unidos para escenas de riesgo, pero esta es la primera vez que se hace en Colombia: “Al principio tuvimos susto, porque sabíamos que nadie lo había hecho y el nivel de exigencia de una película es alto, y para mí también lo fue, porque hay que hacerlo perfecto”.

Partieron por filmar el plano sin los elementos, a lo que llaman un plano ‘limpio’. José Luis estuvo en el rodaje recopilando información: lo primero es tener todos los datos de cámara, medir el espacio y la luz para poder reconstruirlo después digitalmente. Para ello tomó fotos de la escena con una ‘Chrome Sphere’, que es una técnica que consiste en tomar fotos en una esfera metálica especial para capturar la luz y el ambiente. “Esta técnica se usa para poder capturar los reflejos del ambiente real y poderlos pasar al 3D para que cuando tengas que recrear un vidrio o un elemento se integre mucho mejor”, nos explica José Luis.

También, en el ambiente de la escena, tomó fotos de los actores en la escena, Salvador del Solar y Édgar Ramírez, desde varios ángulos, aprovechando las condiciones, para poder tener todas las lecturas posibles. Esto se hizo con una cámara fotográfica Canon EOS 7D, que es profesional, pero asequible; lo importante es tener una foto con la mayor cantidad de megapíxeles, eso es la mayor cantidad de información.

“Al terminar el rodaje de la película empezamos el proceso de modelado de las personas. A partir de las fotos se construyó la malla de la manera más exacta para el efecto, porque sabíamos que iba a ser un plano rápido. Lo que hicimos fue un proceso de mapeado similar al de los videojuegos”, nos explica José Luis. De todas maneras buscaron que tuvieran texturas pero que se movieran rápido, con lo que terminaron con pequeños muñecos o ‘dummies’ 3D de Ángel y Moris.

Los hermanos Orozco le pasaron al equipo de Autobotika el corte exacto del plano. Esto es de suma importancia pues si cambia después, puede perderse todo el trabajo. Con todo el material, comienza la realización del ‘layout’, que es el proceso de reconstrucción del lugar y la escena por capas. Comenzaron por modelar el edificio y la ventana en 3D para poder tener sombras e integrar los ‘dummies’ en ese ambiente.

“También hicimos el carro de policía en el que iba a suceder el impacto, que está detrás de un carro real. Si ven, hay personas cruzando al frente de la cámara, por lo que debimos hacer rotoscopia –que es un proceso en el cual se toma una acción real y se dibuja cuadro a cuadro– para poder colocar el carro atrás”. Todo este proceso para una escena que a simple vista es corta: Autobotika entregó 87 cuadros que son aproximadamente 3 segundos de la película.

Este trabajo fue realizado con varios programas, lo cual es importante para José Luis y su equipo. El modelado en 3D se realizó con Maya, el cual hizo un artista parte del equipo al que él supervisó. El ‘layout’ se realizó en LightWave, un programa que conoce a la perfección, y para las partículas como el polvo y los vidrios se trabajó con 3ds Max. La composición la realizaron con Nuke, que es el más usado dentro de la industria profesional norteamericana.

Para Autobotika estar en la vanguardia tecnológica es muy importante, por eso decidió hacer una gran inversión en equipos: tiene 64 núcleos, distribuidos en 4 equipos, uno de 24 núcleos, 2 de 16 núcleos y otro de 8 núcleos. “Tratamos siempre de tener lo mejor en cuanto a máquinas, porque hace unos años decíamos: ‘no tenemos el mismo programa, no tenemos las mismas máquinas que la gente que trabaja afuera’, entonces era una excusa para pensar que no podíamos hacer este mismo tipo de efectos porque no teníamos el recurso. Hoy tenemos la misma máquina, el mismo programa, entonces ahora depende de ti”.

José Luis y su equipo trabajan bastante, ellos fueron los encargados de armar el primer equipo de efectos digitales para una serie, que fue con ‘Mental‘ de Fox y también hicieron trabajos para ‘Satanás’ y ‘La milagrosa’. Pero para José Luís lo importante es el talento: “Si tú hablas con algunas empresas, solo te nombran el programa y el misterio del software, qué programa usar. Pero al final es el artista el que lo hace, no importa el programa que sea, lo importante es la experiencia y si lo llevas manejando unos años, lo logras en cualquier programa”.

Esto se está demostrando con eventos como The VFX Tour: “Ahora hay un empuje muy grande hacia los efectos, ya hay un interés y un conocimiento para hacerlo. Toda la nueva generación de 3D está madurando y está demostrando que quiere hacer cosas nuevas, que ya no quiere seguir haciendo solo comerciales”.

Al finalizar, hablamos sobre un punto importante: “Una buena historia no necesita muchas otras cosas, si tienes una buena historia con o sin efectos, con bajo o alto presupuesto, la puedes contar. Con una buena historia, buenos efectos y algo de presupuesto vas a sacar una superpelícula”. José Luis y su equipo ya están trabajando en otras cosas, la cuales nos compartieron y de las que hablaremos en otra edición de After Effects, como la realización de proyecciones en tiempo real.

Con todo lo que ahora sabemos sobre la realización de ‘Saluda al diablo de mi parte’, se puede ver que en el cine colombianoy latinoamericano la tecnología va a estar cada vez más presente. José Luis lo supo resumir muy bien hablando desde su experiencia: “Con el paso de los años he visto algo: hay que usar lo mejor de cada programa”. Y ahora se nota que todos los realizadores desean hacerlo.

Notas relacionadas:

• La tecnología que hizo al Diablo [After Effects].
• La tecnología salvó al Diablo [After Effects].
• Las bandas dicen: nuevo disco, nueva experiencia [After Effects].
• Un colombiano en la cultura de los efectos visuales [After Effects].
• Cuatro tendencias en Comic Con 2011 [After Effects].

La industria musical viene cambiando de estrategia en el momento de lanzar sus producciones. Atrás quedaron las primicias por radio y hasta los estrenos de videos por MTV –que ya no es sombra de lo que fue–: ahora las bandas empiezan a preferir YouTube y las pantallas de cine, y con ello unen la música con el audiovisual y la tecnología. Hoy, en After Effects, presentamos tres experiencias recientes en las que los artistas presentan sus creaciones de una manera más cercana y novedosa.

Duran Duran presenta ‘All You Need Is Now’ de la mano de YouTube, Vevo y David Lynch.

American Express creó, en asocio con YouTube, el servicio de videos musicales Vevo, la plataforma de distribución musical de AOL y el grupo interactivo musical de CBS, la serie llamada ‘Unstaged’, que busca reunir los mejores representantes de la industria musical con reconocidos directores de cine para que los conciertos resultantes sea una obra única. Además,  estos conciertos se llevan a las redes sociales, para que el público interactúe seleccionando canciones, enviando fotografías que se podrían usar en el escenario, entre otras cosas.

El año pasado ‘Unstaged’ se dio a conocer con el concierto transmitido en vivo de la banda canadiense Arcade Fire, dirigido por el reconocido cineasta Terry Gilliam. Este 23 de marzo se celebró el segundo ‘Unstaged’ con el concierto desde Los Ángeles de Duran Duran, y esta vez el turno en la dirección fue para David Lynch.

Lynch, que es conocido por un estilo poco realista, comentó antes del evento: “La idea es tratar de crear sobre la marcha las imágenes que combinen con Duran Duran en el escenario. Un mundo de experimentación en el que espero algunos accidentes felices”. Esto  se puede percibir en la escogencia del blanco y negro durante toda la presentación, y la composición de extraños cuadros que realzan lo que la banda está haciendo.

Duran Duran es una banda a la que le gusta participar activamente en redes: aparte de la cuenta oficial en Twitter, los británicos Simon LeBon y John Taylor tienen cuentas personales desde las que hablan con sus fans y antes de presentarse en ‘Unstaged’ concedieron una rueda de prensa a partir de preguntas realizadas por Twitter, y David Lynch hizo el papel de un extraño entrevistador vía YouTube. Si se perdieron el concierto, aún lo pueden disfrutar porque quedó archivado en el canal de YouTube de la banda.

Jane’s Addiction hace el primer concierto 3D en vivo con la ayuda de LG.

1.500 fans de la banda norteamericana Jane’s Addiction participaron en el primer concierto en 3D de la historia. Reunidos en Terminal 5 en Nueva York, pudieron grabar el concierto con el celular LG Optimus 3D, para después subirlo el 4 de agosto al canal de 3D de YouTube y hacerlo público para fanáticos y espectadores.

Además del concierto, fueron los propios fans quienes con sus dispositivos crearon un documental de una hora llamado ‘Primer concierto mundial 3D generado por usuarios’ (‘World’s First 3D User Generted Concert’). Stephen Perkins, baterista de Jane’s Addiction, comentó para Artisian News Service que sabe que están haciendo historia: “Es un concierto generado por los fans, transmitido en vivo por YouTube. Es gente libre, creado por y para ellos, y nosotros traemos algunas cosas especiales creadas para todos”.

Lo primero sorprendente fue la utilización de un escenario de 360 grados para que todos pudieran ver a la banda y así grabar en tres dimensiones desde diferentes ángulos. Además, y el concierto ofreció sonido envolvente 3D, pantallas de los televisores LG Cinema 3D y un show de laser especiales que recordarán las buenas épocas de Pink Floyd. LG brindó toda la tecnología que tiene, y el resultado fue sobresaliente.

Aunque los videos están publicados en el canal de LG, Come Alive, no están disponibles para América Latina, pero si se hace una búsqueda adecuada en YouTube, encontrará videos en algunos canales personales y con un par de gafas 3D podrá ver lo que fue esta experiencia. (Si quiere acceder a todos los videos, puede acudir a los invaluables proxies, para eludir las restricciones por país).

Red Hot Chili Peppers estrena ‘I’m With You’ en cines.

Han pasado cinco años sin que Red Hot Chili Peppers sacara un nuevo álbum, hasta ahora. Se conocía el sencillo de lanzamiento, pero pocos habían podido escuchar todas las canciones de ‘I’m With You’, hasta el pasado 30 de agosto, que hicieron el estreno en las salas de cine.

En unión con BY Experience, se transmitió en algunas salas de cine de varias partes del mundo el concierto de presentación filmado en alta definición por Splinter Films, en Colonia, Alemania. Desde el 5 de agosto se vendieron las boletas, y los teatros se llenaron para disfrutar algo muy distinto a una película de cine.

Splinter Films es una compañía de filmación de conciertos en vivo que ha trabajado con bandas como Linkin Park, Foo Fighters y Stereophonics, y cuenta con reconocidos directores como James Russell y Blue Leach. Este último se caracteriza por la experimentación digital para modificar la pantalla en los conciertos en vivo. Entre tanto, BY Experience es la misma empresa que ha traído a The Met Opera de Nueva York a las pantallas de cine, experiencia que también ha llegado a Latinoamérica y hemos vivido en algunas salas de Cine Colombia, y que en octubre está por empezar su segunda temporada.

En cuanto a la idea de traer el concierto de Red Hot Chili Peppers a Latinoamérica, está en camino, pero al menos en Colombia se demorará en llegar. Luisa Fernanda Velosa, asistente de contenidos alternativos de Cine Colombia, le comentó a ENTER.CO: “Estudiamos la posibildad de transmitir el concierto de la banda en nuestras salas, pero no se aprobó el proyecto debido a que la semana siguiente de la transmisión en cine el grupo estará en Bogotá, con el mismo concierto”.

La ejecutiva nos comentó que técnicamente es viable la transmisión de estos eventos en las salas de Cine Colombia, por lo que esperamos que se empiecen a concretar nuevas propuestas musicales para todo público. Por ahora, Cinepolis quiere abrir espacio presentando el concierto de Kylie Minogue ‘Aphrodite Les Folies’, en 3D, los primeros días de septiembre.

Todos estos eventos indican que la industria musical está mirando cada día más hacia otros canales de distribución, en los que el audiovisual tiene un gran potencial.

¿A qué artistas les gustaría ver usando la tecnología para mostrar su música? ¿Qué tipo de eventos les gustaría que se presentaran en nuestro país por este tipo de medios? ¿Creen que 3D, interacción en redes sociales van a volverse populares? ¿Hay espacio para otra clase de tecnologías aún no exploradas en este campo, como la realidad virtual y la realidad aumentada?

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“La idea es crear una gira como la de una banda de rock, pero con artistas digitales”. Esta es la definición que da Fabio Zapata cuando se le pregunta por The VFX Tour. Es pereirano y aún se le nota, es más bien tranquilo y sonriente, al verlo uno se puede imaginar que debe tener toda la paciencia del mundo, en especial cuando se sienta a trabajar frente al computador. Como director técnico de efectos visuales debe tenerla, más cuando se es el líder de este departamento para una compañía como Sony Pictures Imagineworks.

Fabio, quien se fue a estudiar efectos visuales a Estados Unidos en 1995, está ahora en Colombia con un solo objetivo: realizar The VFX Tour, el evento sobre efectos visuales que va por varias ciudades del país hablando sobre lo que mejor saben hacer él y otros reconocidos profesionales en este campo. Esta es una propuesta para varios países que despega con Colombia y va para quienes quieren aprender arte 3D y cómo pueden realizar efectos visuales, partiendo desde el concepto en el papel hasta la finalización de la película. Hoy, en After Effects, presentamos el sueño de Fabio Zapata, que está a punto de convertirse en realidad.

“Es una apuesta que estamos haciendo, que se realiza basada en la amistad, la confianza y el talento mutuo. Es una idea global en la cual todos queremos participar. El que estos personajes vengan a Colombia es darles la oportunidad a muchos de aprender. Los conferencistas quisieron hacer parte de este proyecto, no somos egoístas en el conocimiento, queremos compartirlo para que otras generaciones puedan pasar la bandera”, comenta Fabio cuando habla de quienes vienen a dictar sus clases en este evento: Masa Narita, modelador jefe; Steward Burris, supervisor de animación; Scott Metzger, supervisor de iluminación y Peter Demarest, supervisor de composición.

The VFX Tour no es un evento solo para quienes trabajan en edición o posproducción. Fabio desea que los interesados en la industria audiovisual puedan participar y adquirir este conocimiento. “El evento puede ayudar a los productores a saber cuánto dinero necesitan para una película con efectos digitales, qué tipo de artistas, qué tipo de computadores y cómo afrontar estos retos. Esto no es solamente para animadores, puede ser para los actores que tienen que interactuar con pantallas verdes y deseen saber cómo funcionan este tipo de escenas donde solo están ellos”.

Ver el perfil de Fabio en Internet Movie Data Base (IMDB) y los proyectos en los que ha trabajado, impresiona. Pero él recuerda muy bien cómo fueron sus comienzos, cuando decidió irse a Estados Unidos porque no encontró un sitio donde estudiar animación y efectos visuales. “El mayor reto que tenía es que no sabía por dónde empezar y todo me tocó a mí solo. El primer reto fue el inglés, porque todo el material está en ese idioma y no hay traducción para muchos términos. Después apliqué a la universidad y no me recibieron porque no tenía portafolio. ¡Yo ni siquiera sabía que debía tener uno! Y por último, debí enfrentarme a los estudiantes de Estados Unidos que ya conocen los programas. Yo en mi vida jamás había abierto Photoshop, pero me empecé a nivelar hasta poder graduarme de la universidad”.

Por ello, decidió hacer The VFX Tour junto con la Escuela Nacional de Cine, no únicamente para enseñar, sino para empezar a generar industria en Colombia. La idea es se comience a pensar en una profesionalización de quienes ahora hacen efectos digitales en el país, y por eso se realizaron alianzas con universidades y patrocinadores: “Buscamos que la gente aprenda de las grandes producciones en Estados Unidos. Queremos con The VFX Tour crear una base de datos unificada con la Escuela Nacional de Cine, para mostrar que nos interesa la industria y que se genere este tipo de carreras en nuestros países”.

Fabio no llegó a trabajar a Hollywood de una vez: tuvo que recorrer un largo camino en el que resalta que su mayor virtud es que es muy dedicado, le gusta perfeccionar sus métodos de trabajo, ver cómo funcionan las cosas y tratar de ser lo más creativo posible. Aunque ya ha dictado talleres en Estados Unidos para el equipo de DreamWorks, esta es la primera vez que tiene alumnos colombianos. “A los chicos de Colombia les vengo explicando en los talleres cómo se tienen que preparar, cuáles son las herramientas, qué es lo que tienen que estudiar antes de ser directores de efectos. Más adelante sí entramos a enseñar cómo se utiliza la herramienta. Lo primero es analizar es qué necesitas y después si escoges de la herramienta”.

“Los chicos de acá tienen mucha sed de aprender”, resalta Fabio. “Es gente joven que quiere, pero que necesita la dirección correcta para que se motiven más, para entender cuál es el rol dentro de una producción”. Por esto resalta la importancia de The VFX Tour, con lo cual lo que desea es sembrar. Por eso en la gira se desarrolla un concurso llamado ‘Lucky4’, en el que a partir de una historia, los que hagan efectos pueden enviar su propuesta, y la que resulte ganadora podrá asistir totalmente gratis a la ciudad más cercana de la gira, con los gastos pagos.

Para Fabio, aparte de la dedicación, si se quiere ser director de efectos visuales, es importante tener personalidad. “Los artistas que yo contrato tienen personalidad. Cuando vivía en Colombia era muy introvertido, pero llegó un momento en mi carrera en que me tocó transformarme, ponerme este traje de director técnico y volverme extrovertido, aprender a comunicarme, exprimir todos los conocimientos de la gente. Personalidad, conocimientos y actitud positiva. No importa la hora, dónde y cuándo”.

¿Qué tan intimidante será trabajar con un director de la talla de Michael Bay de ‘Transformers 3: El Lado Oscuro de la Luna’? ¿Cómo se pueden manejar este tipo de relaciones? Fabio comenta que lo importante es leer sobre el director, averiguar con personas que hayan trabajado con él qué es lo que le gusta y cómo hablarle para poder vender las ideas propias.

“El mayor placer que tuve trabajando fue con Tim Burton: es una experiencia que no se puede olvidar. Fue algo que se me dio por seis meses y que la estuve buscando durante mucho tiempo. También trabajar para George Lucas y su compañía, algo que lo soñé pero jamás pensé llegar a ese punto. Vale la pena soñar”. Obviamente para él también ha habido retos mayores en su carrera profesional, y el que más recuerda  fue con Will Smith para ‘Soy Leyenda’ (‘I’m Legend’): “No fue malo sino difícil, porque tocaba analizar la forma como él se mueve, y es que lo hace de una forma muy característica. Tenía poco tiempo y debía entregar resultados muy altos, entonces tuve que observar mucho sus películas, mirar cómo son sus movimientos y captar todo para poder animar el personaje”.

Todavía en la industria audiovisual se tiene en la mente que para hacer una película se necesita mucho dinero: “Cada persona tiene su forma de trabajar y de vender su nombre y su talento, esto lo haces tomando decisiones correctas y escogiendo trabajar con las personas correctas. Cuando yo empecé, trabajé gratis por mucho tiempo. Trabajé para NBC, me pasaba de los horarios solo por mejorar las cosas. Ya con el tiempo lo fui recuperando porque adquieres un nivel donde dices ‘esto es lo que quiero’. Cuando piensas en lo monetario todo el tiempo, vas a limitar tu talento”. Esta puede ser una gran lección para todos aquellos que deseen aprender.

La Escuela Nacional de Cine trae The VFX Tour, por una necesidad que se siente en el audiovisual colombiano. “Pensando en lo que le hace falta al cine y la televisión en Colombia, llegamos a la conclusión que lo primero es el aprendizaje y la comprensión de los efectos visuales. Lo importante es que se empiecen a considerar como una alternativa desde el punto de vista del director, del escritor, del director de arte: todos deben volver a mirar a los efectos”, comenta Fernando Parada, director de la escuela.

El evento, que se realizará en Cali del 23 al 24 de septiembre, en Pereira del 27 al 28 de septiembre y en Bogotá del 30 de septiembre al primero de octubre, tendrá a estos cinco expertos en una misma tarima para aprender de ellos. A Fabio le emociona la idea de volver a su tierra, a su ciudad, y espera los mejores resultados: “La idea es conformar industria con directores, productores y artistas, tomando la batuta para impulsar esta cultura de efectos visuales”.

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“¡Vean todos los chismes que les estamos contando!”, dijeron Juan Felipe y Carlos Esteban Orozco en medio de la charla que tuvieron con ENTER.CO sobre su película ‘Saluda al diablo de mi parte’, en la que hablaron de todo: lo fanáticos de la tecnología que son y cómo pasan horas frente al computador; el uso de la cámara Red One aún con muchas opiniones en contra, y cómo por medio de Facebook llegaron al estudio del reconocido Hans Zimmer.

Después de su estreno, durante este primer fin de semana en las carteleras colombianas 35.000 personas ya han visto la historia, la lucha y el sufrimiento de Ángel, el deseo de venganza de Léder, la maldad del oscuro Moris, y escenas de violencia poco comunes, por su calidad técnica y por su cantidad, en una producción latinoamericana. Bien lo dicen: “De hecho no muere tanta gente, pero los pocos que mueren… ¡Los matamos muy bien!”. Pero, ¿cómo se ‘mata’ a alguien en cine? ¿Cómo se hace una película como ‘Saluda al diablo de mi parte’ con alta calidad?

Hoy en After Effects presentamos muchos de los ‘secretos tecnológicos’ de los hermanos Orozco y cómo los efectos digitales sirvieron para hacer de ‘El Diablo’ una película que tiene sorprendidos a los críticos y espectadores por su realización.

“¿Eso lo hicieron en Hollywood?”.

En esta película llena de acción no todo lo que se ve se hizo en el set: este fue uno de los retos más grandes. Los hermanos Orozco tienen una empresa llamada Cienaga VFX, en la que llevan un tiempo haciendo efectos especiales como colorización, ‘motion’ y créditos. Esta vez, esos conocimientos estuvieron al servicio de ‘El Diablo’, pues decidieron hacer muchas cosas por sí mismos en lugar de encargarlas a empresas para las que su película era ‘una más’ –o, peor aún, era lo menos prioritario para los proveedores, que cobran mucho más por los comerciales de televisión–.

“Muchos al ver la película nos preguntan si la hicimos en Hollywood, y nosotros respondemos que no, que la hicimos en mi apartamento”, nos comenta Juan Felipe. “La gente piensa que en esto uno se tiene que gastar 500 millones de pesos, y no, nosotros éramos cuatro amigos. Mi asistente de dirección, que es diseñador gráfico, hizo las pantallas del computador de la película, el ‘tracking’, los disparos, la sangre y todo en la casa con un portátil”.

Algunos de los efectos no fueron planeados, sino que se dieron por inconvenientes en el momento de la grabación, y fue la tecnología la que vino al rescate. Un ejemplo es el letrero de ‘asesino’ que aparece en la primera escena: “Ese letrero estaba planeado desde el comienzo. Cuando empezamos a pintarlo con sangre artificial, empezó a hacerse burbujitas. Comenzamos a hacer pruebas con otros materiales y como era una fuente de vidrio no lo lográbamos. Entonces dijimos: ‘Mejor lo hacemos en posproducción’”. Por ello, los hermanos Orozco destacan que muchas veces los mejores efectos especiales son los que el espectador ‘no ve’.

Existen muchas ventajas al hacer efectos por sí mismos, tales como poder escoger el momento en el que desean trabajar, sin restricciones de horario, y las personas involucradas en todo el proceso. “Teníamos la idea de que a toda la gente que se involucrara en estos procesos creativos le gustara el cine de veras. Nos dimos cuenta de que por eso era mejor aprender a usar las herramientas que aún no domináramos y comprar los equipos, por lo que los costos serían menores y terminaríamos con esos equipos para nosotros”. El dinero que no utilizaron en el proceso de posproducción es el que invirtieron para realizar una excelente preproducción, que se ve reflejada en todos los aspectos del producto, aunque saben que no todo el mundo tiene el tiempo para hacerlo como ellos.

“Tú puedes lograr lo que quieres con lo que tienes”.

El rodaje de la película duró solo 23 días, lo cual es un tiempo corto, pero funcionó porque tenían las cosas muy claras. El proceso de posproducción fue más largo y duró algo más de seis meses, teniendo en cuenta que la finalización del sonido se realizó en Estados Unidos. En cuanto a las personas que participaron en la posproducción de ‘Saluda al diablo de mi parte’, los hermanos comentan entre risas: “El departamento de edición estaba formado por dos personas: nosotros. El de colorización era una persona, y era yo”, comenta Juan Felipe. “En el de animación en 2D, que fue con lo que hicimos los disparos, la sangre, los monitores y el diseño gráfico, éramos cuatro personas, mientas que el departamento de 3D, que hizo algunas escenas, eran cinco”.  En realidad un equipo reducido.

Y ese pequeño equipo trabajó con todo lo que tenía a la mano, Esteban con un MacBook Pro, Juan Felipe con un iMac, un par de discos externos conectados por FireWire 800, uno de 2 TB y otro de 4 TB, editaron con Final Cut Pro 7, de Apple (la penúltima versión, y a propósito, se unen a las protestas de los usuarios avanzados por los cambios en Final Cut Pro X),  y la colorización la trabajaron en Color, un programa que es parte de FCP y que aunque no es profesional, les permitió llegar a resultados que los dejaron satisfechos.

“Hicimos unos cortos de prueba y lo colorizamos en Color. Cuando nos sentamos con la gente de Los Ángeles, nos preguntaron en qué lo habíamos colorizado y respondimos que en ese programa. Nos dijeron: ‘No puede ser, ¿utilizan Color?’ Ellos veían esta herramienta como algo para aficionados. Aun así, lo hicieron, realizaron el transfer y quedó perfecto”.  Dos años después volvieron al estudio en Los Ángeles y encontraron que algunos equipos estaban colorizando series de televisión con Color.

Con todo, aceptan que cuando se utilizan ‘herramientas caseras’ o no profesionales, hay ventajas pero también limitantes: “Hay que crear un montón de renders, y estas herramientas no son tan rápidas, no son tan orgánicas. Es más artesanal el trabajo, pero se puede lograr el resultado deseado”.

La edición de la película inicialmente se realizó con material en baja resolución, para tener un buen ritmo de trabajo y poder trasladar de manera más rápida los archivos, pero Color solo funciona con el material en alta resolución, lo que los llevó a comprar un poderoso Mac Pro. Auque se trata de un equipo de gama alta, el presupuesto no alcanzaba para un equipo nuevo, así que decidieron comprarlo remanufacturado (refurbished). El Mac Pro respondió muy bien ante las exigencias de la edición y la posproducción.

Los hermanos Orozco pasaron algunos momentos angustiantes con su película, porque ‘Saluda al diablo de mi parte’ es un proyecto que comenzó en 2008 y para la época tenían muchas dudas sobre cómo y con qué realizarían la posproducción. El tiempo que la producción se tuvo que detener, alrededor de año y medio, fue, paradójicamente, una gran ganancia: “A veces nos contaban que ya había una tarjeta de video que corría HD (alta definición), corríamos a ver foros en línea y pensábamos si realmente la comprábamos y si corríamos el riesgo de que fallara… Leíamos mucho para ver qué  funcionaba antes de comprarlo”, recuerdan.

“Dropbox fue indispensable”.

Hablando de herramientas tecnológicas utilizadas para la producción, nos llevamos otra sorpresa al oír la mención de Dropbox, pues esperábamos que se centraran solo software relacionado con el video y el audio. ¡Sí, DropBox! Este servicio de almacenamiento y sincronización de archivos en la nube fue clave para que el trabajo entre estos dos hermanos y otros miembros del equipo fluyera.

La explicación sobre Dropbox está relacionada con la edición de la película realizada en sus casas, desde donde cada uno compartía los cambios hechos en sus Macs por medio de este servicio. Con esto, el laboratorio se convierte solo en el paso final; pero el uso de herramientas en la nube no implica que sea necesario ser ordenados con el material, algo no comparable con el cine tradicional de cinta: “¿Cómo haces para que se te pierda una película en celuloide? Las latas son muy pesadas. Pero con archivos digitales, aunque hay forma de recuperarlos si se borran, se debe tener un manejo muy cuidadoso y ordenado de ellos para evitar errores en su manipulación o el borrado accidental”.

A Dropbox llegaron tras utilizar el clásico protocolo de transferencia de archivos FTP, que no es tan rápido, tan confiable y tan fácil de usar como Dropbox. Sin embargo, todavía tienen que usarlo cuando deben transferir los archivos a quienes no conocen este servicio; por ejemplo, para el estreno de la película en el Festival de Cannes, tuvieron que seguir de largo toda una noche para poder enviar la película a la organización.

Además de Dropbox, otros servicios en línea fueron muy importantes para la producción. Uno de ellos, ya mencionado en nuestra charla anterior, fue Facebook, que fue el medio por el que lograron hacer contacto con los encargados de la musicalización, importantes figuras de Hollywood. Y el otro fue Skype, que les sirvió a los miembros del equipo para comunicarse entre sí, y también para hacer videoconferencias con quienes colaboraban desde el exterior. Juan Felipe recuerda una anécdota: “El trabajo con Jermaine Stegall fue en Estados Unidos y todo lo veíamos y oíamos por Skype, porque a mi me negaron la visa por culpa de un homónimo. Entonces podíamos conocer los avances vía Skype, al menos. No se veía ni oía del todo bien, pero podíamos estar al tanto de cómo iban quedando las cosas. Nos habría encantado tener los sistemas que tiene Peter Jackson para poder oír la música con todas las de la ley”.

Ahora, afirman que les ha ido tan bien con el uso y la experimentación de toda clase de herramientas de software y servicios de Internet, que ya tienen planes para acoger nuevas ideas: “Pensamos que en la próxima película hay que tener iPad con plan de rodaje y toda la planimetría –el desglose de la posición de la cámara y las luces–, porque un director puede revisar todo para tenerlo claro y sincronizar su plan de trabajo”. Frente a la tecnología, piensan que muchos cineastas, aunque talentosos, están ‘quedados’ en su adopción, y ponerse al día es solo cuestión de interés y actitud.

“En los efectos, lo importante es que nadie se dé cuenta”.

Hacer cine es una gran ficción, siempre hay trucos dentro de la realización: “Hubo algo muy sencillo que hicimos en una escena donde están escondidos detrás de un carro de policía y se rompe una ventana: ese vidrio nunca se reventó en esa grabación”.

Cuidando a Édgar Ramírez, quien es bastante arriesgado y no utilizó ningún doble, decidieron no hacer la escena con el actor, sino que la hicieron en Medellín con estudiantes del Sena. “Conseguimos una puerta, la pintamos del color del carro, pusimos un vidrio y comenzamos a tirar piedras buscando la mejor forma de romperlo, hasta que encontramos uno que funcionó muy bien y lo pusimos”. El truco convence al espectador de que la ventana se rompió al lado de Ángel, sin que nadie sospeche que hay algún efecto especial. Para los hermanos Orozco todo se trata de entender qué es posible y qué no lo es, lo cual es siempre una forma de aprender.

Y ahora, vamos a revelar uno de los efectos más complicados de la película, que para ellos es un orgullo que pase desapercibido para los espectadores. “Parece un chiste, pero es cierto: en una de las escenas finales, teníamos poca luz y decidimos filmarla rápidamente antes de que llegara la noche. En edición, descubrimos que en una vidriera detrás se veía reflejado todo el equipo de producción viendo la escena, y además a Ricardo Vélez, Léder en la película, se le cae la cápsula del inalámbrico y se le ve en toda la escena”. ¿Qué hacer en un caso así y con una escena tan larga? Pues los hermanos Orozco y el grupo de animadores pasaron noches enteras y varios meses borrando todas las personas y el micrófono inalámbrico. “Eso nadie lo va a ver jamás, y en realidad eso es un efecto especial”.

“Queremos romper con el mito de que los cineastas guardan su secreto”.

Si se busca ‘Saluda al diablo de mi parte’ en YouTube, además de los cortos se encuentra un diario de rodaje que tiene cinco capítulos, el cual es muy llamativo porque no es el típico ‘detrás de cámaras’ en el cual los actores hablan, sino todo lo divertido que puede existir en medio de un rodaje. “Nosotros trabajamos mucho, pero la idea también es disfrutar. Lo que queremos es que la gente entienda cómo es un rodaje y no se imaginen que solo se está encerrado trabajando, sino que es de gente normal”.

¿Cómo fue el rodaje de ‘Saluda al diablo de mi parte’? Les presentamos el primer episodio del diario de rodaje.

Para estos realizadores, aunque el que la gente vea la película es importante, también lo es el poder compartir las experiencias vividas. Por eso ya están preparando un ‘detrás de cámaras’ que consta de entrevistas con todo el equipo de producción en el que cada quien cuenta cuál fue su labor, pues quieren dejar alguna enseñanza a todos los que deseen hacer cine: “Nosotros siempre estamos abiertos, también somos docentes y nos encanta que la gente aprenda las cosas y compartir. Eso es lo más importante, porque también,  ¿para qué se queda uno con todo eso? Estamos en la era de compartir conocimiento”, concluyen.

Aún hay mucho que revelar de ‘Saluda al diablo de mi parte’. En una próxima edición de After Efects les mostraremos paso a paso el trabajo de efectos especiales que se realizó para la escena de la caída de Ángel y el capitán de la policía Moris, desde un piso alto de la estación. ¿Qué tanto fue hecho en el set y que tanto con efectos digitales, en una de las escenas más impactantes de la película? Con todos los medios posibles al alcance, la tecnología no es únicamente la herramienta para realizar un buen producto audiovisual, sino también es la que le permite a los realizadores ir más allá para transmitir lo que desean: transmitir emociones, crear imágenes creíbles, contar una buena historia.

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“Somos nerds al fin y al cabo”. Tremenda sorpresa la que nos llevamos en ENTER.CO cuando al hablar con los directores de ‘Saluda al diablo de mi parte’, Carlos Esteban y Juan Felipe Orozco nos dicen tranquilamente esta frase y nos cuentan que esperaban esta entrevista, pues iban a contarnos cosas que jamás les preguntarían en medios como los de cine, cultura y entretenimiento.

Estos paisas, tranquilos, que saben contar historias, tanto en el cine como en persona, nos relataron todo lo escondido detrás de ‘El diablo’, como llaman su segunda película, en la que la tecnología jugó un papel muy importante, tanto, que ella fue la que les abrió las puertas para terminarla.

‘Saluda al diablo de mi parte’, protagonizada por Édgar Ramírez –el venezolano reconocido por su nominación a los premios Golden Globe por la miniserie ‘Carlos’–, su compatriota Albi De Abreu, el peruano Salvador del Solar y los colombianos Carolina Gómez y Ricardo Vélez.

Es una historia que surge de una inquietud personal como amantes del cine: “¿Qué clase de cine es el que quisiéramos ver? Hagamos una película sobre la venganza… ¡En la que todos sean malos!”.

Al igual que ‘Al Final del espectro’, la película anterior de los hermanos Orozco, ha causado mucha expectativa no únicamente por lo que desean decir sino por lo que se conoce de su realización, y que ahora revelamos.

“Nosotros tenemos una ventaja y creemos que es una ventaja muy poderosa: somos unos fanáticos de la tecnología”.

Pero lo que pocos saben de ‘El diablo’ es que Esteban y Juan Felipe, guionista y director, no habrían podido hacer nada sin la tecnología, y no solamente con el fin de solo hacer una película que se viera muy bien: “Manejamos desde hace mucho tiempo programas de cómputo que nos podían servir, entonces teníamos la idea de usar la tecnología desde hace mucho tiempo, pero teniendo en cuenta los recursos desde el comienzo hasta el final”. De hecho, Carlos Esteban es ingeniero de sistemas, así que su ‘fiebre’ por la tecnología lo llevó a pasar varios años estudiándola formalmente.

Lo más importante para los hermanos Orozco, sin embargo, es la historia. Esta película tiene planteamientos claros sobre el país: “Nosotros no queremos representar la realidad colombiana, que es lo que a muchos les interesa y tienen todo el derecho de retratar. Nosotros lo que estamos buscando es una Colombia que nos imaginamos en el cine”.

Después de la experiencia de ‘Al final del espectro’, en la que trabajaron con grandes casas de posproducción del país, quisieron que los resultados finales se acercaran más a lo soñado y decidieron volverse más ‘ñoños’ –en palabras de ellos mismos– y, con los conocimientos que tenían, hacer muchas cosas por su cuenta: compraron los computadores y discos duros necesarios, y el software de colorización y efectos para hacer lo que quisieran.

El asunto es que ser ‘ñoño’ les significó sacrificar algo más: “Ahí ya es el tiempo de nosotros, no el que se contrata a una empresa. Pero no crean que no es complicado. Mi mujer a las 3 de la mañana, me dice: ‘Juan, vámonos vamos a dormir, y yo ahí haciendo el ‘render’ todavía… Y cuando digo a las 3 de la mañana es así, y mi mujer a esa hora también está apagando su computador para dormir”.

Todos unos geeks que en la producción de ‘El diablo’ a veces tenían jornadas más parecidas a las de un desarrollador de software que las de un cineasta: “Somos así, nosotros y nuestros asistentes éramos felices comiendo pizza, trasnochando y haciendo renders…”.

Y es que quienes han podido ver algo de ‘Saluda al diablo de mi parte’ dicen que es una gran producción, de muy buena factura técnica, y que seguramente sus realizadores tenían un alto presupuesto. Pero ellos saben que todo fue diferente: “¿Producción? Éramos esclavos y siempre nos daba la madrugada… La gente se imagina que nosotros teníamos más dinero que en nuestra película anterior, y lo que hicimos fue que le dedicamos 3 años de nuestra vida a ‘El diablo'”.

El salto en la calidad técnica no es fruto de un presupuesto mucho mayor, sino del uso correcto de herramientas tecnológicas, y de la dedicación personal de estos dos hermanos a muchas labores que habitualmente se le encargan a alguien que solo cumple un trabajo. “Pero nos gusta compartir esto porque nos da mucha tristeza que haya tantos editores y productores nuevos, jóvenes, que también son ‘noños’ como nosotros, que tienen su cámara, sus computadores, su software, pero a los que les da miedo hacer cosas nuevas”, dicen.

Al comienzo, a Carlos Esteban y a Juan Felipe la industria les decía cómo hacer las cosas y, sobre todo, les creaba desconfianza sobre las nuevas tecnologías. Por ejemplo, gente de la industria con más experiencia que ellos les decía que no debían usar una cámara de CineAlta, porque se recalentaba y podía frenar las grabaciones.

Al principio hicieron caso, pero después, gracias a su terquedad y a las circunstancias, se dieron el gusto de usar la cámara digital que querían. Todo esto lo ven como una primera experiencia, no hacer tanto caso a las voces que dicen que usar un recurso es muy costoso, que lograr algo es imposible.

Para ‘El diablo’ decidieron ir a casa y hacerlo ellos mismos, y creen que si ellos lo lograron, seguramente hay muchos realizadores que también podrían conseguirlo. “Hay directores y productores más jóvenes que nosotros, que ya manejan animación en 3D, que manejan otras plataformas y dominan más programas, y que podrían obtener películas con mayor calidad técnica que la nuestra, pero que no siempre se arriesgan a hacerlas”.

“Si George Lucas la está usando, ¿por qué nosotros no?”.

Una de las diferencias de ‘Saluda al diablo de mi parte’ fue la utilización de la cámara Red One. Para el momento en que comenzó a filmarse el proyecto en 2008, esta cámara era prácticamente desconocida en el país.

Los Orozco, con la experiencia de ‘Al final del espectro’, que fue la primera película completamente hecha en digital en Colombia, querían utilizar lo que en el momento era la innovación. “Nosotros somos en cierto sentido muy arriesgados. Cuando empezamos a rodar ‘El Diablo’, queríamos usar una cámara digital revolucionaria que es la Red One, y la gente nos decía: ‘No, tiene muchos problemas, se recalienta’. Nosotros pensamos en que los grandes cineastas estaban usando esa tecnología, pero les hicimos caso, nos dejamos llevar porque nos asustaron un poco,  y entonces empezamos a rodar con la misma cámara con la que hicimos ‘El espectro’”.

Los hermanos Orozco comparan las Red One con computadores, porque constantemente surgen actualizaciones de su sistema operativo, su software y firmware, y pueden resolver así problemas como el del calor. “Cuando nosotros filmamos con la cámara digital con la que hicimos ‘Al final del espectro’, utilizamos casetes, con los que tienes que hacer transfer –el paso de la cinta al digital–, y solo hay dos empresas en Colombia que lo hacen. La Red One utiliza tarjetas, por lo que solo teníamos que llevarlas al computador y ya contábamos con el material listo para la posproducción”.

La producción tuvo una pausa de casi un año y medio, debido a dificultades de diversa índole, lo que les llegó a hacer pensar que este proyecto moriría. Sin embargo, durante este tiempo hubo varios avances tecnológicos que fueron los que permitieron que se retomara y ‘Saluda al diablo de mi parte’ fuera una realidad: “En ese tiempo, empezamos a ver que más gente estaba usando la cámara Red One, y dijimos: ‘Vamos a filmar con la cámara que queremos’. Fue maravilloso”. De hecho, las ideas que tenían para la película no habrían sido fáciles de concretar en los primeros años del proyecto, pero con esos avances las cosas serían distintas. Aunque se arrepienten de no haber realizado toda la película con la Red One, el desafío era crear una fotografía impactante, ideal para una película de acción y un thriller sicológico, y lo consiguieron a cabalidad.

Pero no todo es fruto de las ayudas digitales. El equipo de realización de ‘El Diablo’ estuvo conformado por personas apasionadas por el cine, y por eso también existió mucho trabajo de preproducción y en el set. No todo se resuelve con retoque digital. “Para ‘El Diablo’ pensamos que la fotografía tenía que ser increíble, las luces debían ser impresionantes, la paleta de color tenía que estar muy clara… que tú pongas ahí la cámara y se vea hermoso”. Para los hermanos Orozco los computadores son para los retoques, para resolver emergencias y para hacer cosas que no se podrían hacer de otra manera o que saldrían muy costosas, pero es la imagen creada en el set la que tiene que ayudar contar la historia.

“¿Dónde vamos a grabar la música? ¡Pues en el estudio de Hans Zimmer!”.

Hans Zimmer es el realizador de bandas sonoras de películas como ‘Batman inicia’ y ‘El caballero de la noche’ (‘Batman Begins’ y ‘The Dark Knight’), y hasta sus estudios llegó ‘Saluda al diablo de mi parte’. Esta fue una de las primeras preguntas que deseábamos hacerles a los hermanos Orozco: ¿Es posible para un realizador llegar hasta allá?

Y la respuesta, ya menos sorpresiva para nosotros que ya los conocimos en su faceta de ‘afiebrados’ por la tecnología, llegó por los lados de Internet, en concreto de Facebook. Cuenta Juan Felipe: “Un día me llegó un mensaje de alguien de Facebook  diciendo que era músico y que quería trabajar con nosotros. Su nombre era Jermaine Stegall, y nos daba un enlace a su sitio web. ¡La música era espectacular!”. Esta práctica es muy común en Estados Unidos, donde los músicos especializados en producción y creación para cine se promocionan por medio de esta red social e Internet Movie Data Base (IMDB), el principal sitio especializado de referencia en cine y producciones audiovisuales.

Carlos Esteban y Juan Felipe, sorprendidos y encantados con el trabajo de Stegall, le dan respuesta, pero les preocupa el presupuesto: “Al principio no sabíamos que hacer. Nos demoramos dos días en decirle cuánto podíamos pagarle, porque estábamos que nos caíamos de la pena (por lo poco que era) y después, dudábamos de cómo hacerle la propuesta, sin muchas esperanzas. Al final le dijimos lo que teníamos… ¡y él aceptó! ¡No lo podíamos creer!”. Hicieron un tráiler de prueba, con la música de ‘El Caballero de la Noche’, y poco a poco llegaron a lo que es la banda sonora de ‘Saluda al diablo de mi parte’, que ha recibido una generosa crítica (y que en mi concepto, es la mejor banda sonora que se ha hecho de una película colombiana).

La propuesta de ir al estudio de Hans Zimmer surge del propio Stegall, quien contacta a Martin Tilman, violoncelista de ‘El Origen’ (Inception) y viejo amigo, quien trabaja en el estudio de Zimmer, para que toque el instrumento en la película. Stegall le muestra los cortos de ‘El diablo’, y la sorpresa vino después: “Jermaine nos escribe y nos cuenta que Tilman dijo que sí. Nuestra primera reacción, además de la alegría de ver la buena recepción de nuestro proyecto, es preocuparnos por lo que nos va a costar. Pero Stegall nos responde que esa es su música y que eso corre por cuenta suya, porque nosotros ya le estamos pagando a él. ¡Simplemente increíble!”.

La expectativa que genera ‘Saluda al diablo de mi parte’, que se estrena en Colombia este viernes 12 de agosto, está totalmente justificada. Estos geeks nos compartieron muchas más historias, en especial sobre cómo fue el proceso de posproducción con efectos 2D y 3D, pero en ENTER.CO queremos que ustedes vean la película y confirmen que no exageramos al hablar de su alta calidad técnica –además de las otras virtudes en cuanto a narrativa, argumento y actuaciones–.

En una próxima entrega de After Effects, nuestro espacio de mirada tecnológica para el audiovisual, vamos a compartirles una historia sobre el efecto más difícil que tuvieron que hacer, que parecía el más sencillo de todos, y detalles de cómo aprovecharon la tecnología al máximo en muchos de los procesos de la película, desde los computadores de Apple y el uso de programas como Final Cut Pro y Color, hasta la compra de un televisor HD que llegó dos meses antes de que se consiguiera en Colombia y el servicio de almacenamiento y sincronización en la nube Dropbox para compartir los archivos de video.

El mensaje tras la charla con los hermanos Orozco es contundente: la tecnología no da el talento, ni los efectos hacen una buena película. Pero hoy, un cineasta talentoso no necesita un mecenas ni presupuesto millonario para lograr una película con factura internacional: con una buena historia, un buen equipo de dirección y producción, actores convincentes  y el aprovechamiento máximo de la tecnología, todo es posible.

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Del 21 al 24 de julio se celebró la edición 2011 de Comic Con San Diego, que es considerada la fiesta más grande sobre tiras cómicas, películas, videojuegos y televisión de Estados Unidos. Lo importante sobre Comic Con son las muestras y primicias que se dan sobre diferentes áreas que permiten darse una idea sobre las tendencias y lo que puede esperar el público en el área de entretenimiento.

Hoy en [After Effects] presentamos algunas de las tendencias presentes en Comic Con y que crecerán durante los próximos meses, en especial en las salas de cine, y que incluyen el mundo audiovisual y la mirada tecnológica que deseamos traerles.

1. 3D en películas ya no es una opción.

Riddley Scott fue a San Diego a hablar sobre su película ‘Prometheus‘, que explicará la historia anterior a ‘Alien, el Octavo Pasajero’. En su presentación hizo una declaración que puede parecer extremista: “No volveré a trabajar sin 3D, incluso en las escenas cortas de diálogos”. El director de obras maestras de la ciencia ficción como ‘Blade Runner’ demuestra que 3D no es una tecnología de paso, sino que cada día se avanzará en esta tendencia. Además, se sabe que cada vez más películas de animación, como ‘Las Aventuras de Tintin‘, de Steven Spielberg, saldrán en 3D. Los espectadores cada vez más deberán llevar sus gafas especiales a las salas de cine.

2. Más mujeres geeks.

Charlize Theron estuvo junto con Scott para hablar de ‘Prometheus’ y esta es la muestra de esta tendencia: un evento como Comic Con atrae diferente tipo de público, pero ahora están más presentes que nunca las mujeres. Olivia Wilde estuvo para promocionar ‘Vaqueros y extraterrestres’ (‘Cowboys & Aliens‘) junto con la mexicana Ana de la Reguera. Jessica Biel y Kate Beckinsele fueron a hablar de la película de ‘Vampiros y hombres lobo’ (‘Underworld: Awakening‘). De parte de la televisión estuvieron Yvonne Strahovski, de la comedia de espías ‘Chuck‘; Maggie Q, de ‘Nikita‘, y Anna Torv, de la serie sobre eventos sobrenaturales ‘Fringe‘; pero quien causó más sensación fue Kaley Cuoco, de ‘The Big Bang Theory‘, al reconocer que sentía atracción hacia los nerds.

3. Directores en el escenario.

Ridley Scott no fue el único que dejó sus cámaras y se unió para hablar con los fanáticos. Steven Spielberg, además de hablar junto con Peter Jackson de ‘Las Aventuras de Tintin’ y la tecnología 3D Imax para esta película, dio un adelanto de lo que será ‘Parque Jurásico 4‘. Marc Webb presentó el esperado ‘remake’ de ‘El Hombre Araña: The Amazing Spider-Man‘, y Robert Rodríguez confirmó que existirán varias secuelas de la popular película clase B ‘Machete‘. Jon Favreau, por su parte, presentó ‘Vaqueros y extraterrestres’, y  después, junto con Guillermo del Toro, sostuvo una discusión sobre el presente y el futuro del cine.

Al finalizar, Del Toro comparó su experiencia en Comic Con como “comer leche y galletas con 6.000 de mis mejores amigos”.

Puede que no muchos directores de cine hayan dado el paso hacia las redes sociales para interactuar con la gente, pero sin duda la tendencia es que cada vez estén más en contacto con su público.

4. Tiras cómicas llegan al cine y se modernizan con tecnología.

Mucho de lo llamativo que se verá en las carteleras del próximo año tiene que ver con la adaptación de las tiras cómicas a la pantalla grande. Ya comentamos la presentación de ‘Las Aventuras de Tintin’ y ‘The Amazing Spider-Man’, pero también se habló de la segunda parte de ‘El Motorista Fantasma’ (‘Ghost Rider‘) y el plato fuerte fue la revelación del arte –animación y parte gráfica- de ‘Los Vengadores’ (‘The Avengers‘), que permite hacerse una idea sobre lo que se verá el próximo año, incluyendo el esperado ‘Hombre Increíble’, interpretado por Mark Ruffalo, que es la novedad.

También los dioses griegos están presentes con ‘Inmortales’ (‘Immortals‘), que es la historia de Teseo y la lucha para impresionar a los titanes. Ahora lo que todos esperan es si con todas las posibilidades que da la tecnología, los fanáticos se sentirán contentos.

Con Comic Con de este año queda demostrado que con los avances en cuanto a cámaras, efectos digitales y animación, en la pantalla grande todo es posible. ¿Cuál de las tendencias es la que más esperan nuestros usuarios? ¿Qué otros comentarios pueden hacer sobre Comic Con? ¿Cuál película no se quieren perder?

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