Ser la ganadora de los premios Óscar es un sello de excelencia bajo los estándares de la Academia y la industria cinematográfica estadounidense. Son películas que logran atrapar a los espectadores con historias cautivantes y a los críticos con una técnica y producción excepcional. Por eso es difícil elegir cuáles son las mejores películas entre todas las que han obtenido este honor.

Muchos cinéfilos dirán que por qué faltan películas como ‘Casablanca’, ‘Gone With the Wind’ o ‘My Fair Lady’. Otros criticarán que desprecio cosas comerciales como ‘Titanic’, ‘Argo’, ‘Gladiator’ y ‘Shakespeare in Love’. Incluso se podrán preguntar por qué (a pesar de estar en mi colección personal) no tengo excelentes producciones como ‘The Godfather’, ‘The Departed’ y ‘Forrest Gump’ en mi top para este conteo.

Este listado muestra mis películas favoritas que han ganado el Óscar en el orden de la que más me emocionó a la que me emocionó un poco menos. Son películas que me llaman la atención desde la técnica y la historia, pero en especial porque cada una de ellas tiene una escena que quedó marcada en mi mente por siempre. Aquí están:

‘No Country for Old Men’

En esta escena vemos a Chigurh buscar a Moss en un motel remoto. Lo que más me impresiona de esta escena es que los hermanos Coen aprovechan un juego de montaje paralelo para generar tensión y llevarnos al momento de la ventilación.

En el montaje paralelo, dos o más acciones que ocurren al tiempo o en distintos momentos se unen para generar una relación entre secuencias. En este caso, los Coen llegan a este momento haciéndonos pensar que todo está ocurriendo al tiempo. Y mientras Joss Brolin está planeando cómo escapar, Javier Bardem se prepara para ejecutar. En el momento que se abre la puerta y el asesino ejecuta a los hombres nos da cuenta que Bardem llegó tarde a donde estaba Brolin, pero luego, al ir a la otra habitación, llegamos a otra aclaración de la situación. Después de mostrar las monedas características del personaje de Chigurh, vemos que hay líneas de movimiento en el ducto de ventilación, mostrando cómo Bardem le está pisando los talones a Brolin.

Una escena que no importa cuantas veces repitan la película, siempre los tendrá boquiabiertos.

‘American Beauty’

La primera vez que vi esta película pasé totalmente desapercibido de toda esta situación. Luego, en una clase de la universidad, nuestro profesor nos mostró cómo está construida la presentación de personajes a través de un código de color y elementos para cerrar de la misma forma.

‘American Beauty’ maneja tres colores principales: blanco, azul y rojo (¿‘murica?’). Al principio de la película se muestran estos tres colores y se usan como una referencia para enmarcar ‘la familia estadounidense’. Pero hay un elemento muy importante: Las rosas de Carolyn.

Lo fascinante de esta escena es que hay un dialogo que relaciona directamente a Carolyn con sus rosas. Luego, estas rosas aparecen varias veces en la película y, donde están, está ella. Pero es un código que pasa desapercibido. Por eso, al llegar a la última escena quedan muchas dudas de quién dispara la pistola. Pero antes de que se revele a Carolyn caminando en la lluvia, Lester está viendo un cuadro de su familia al lado de las rosas de Carolyn.

Luego de eso, aprendí a fijarme en esos elementos pequeños. Y claro está, se volvió una de mis favoritas de todo el tiempo.

‘Schindler’s List’

Hablando de presentar personajes, esta película tiene una de las formas narrativas más espectaculares de presentar a su protagonista: Presentarlo.

Spielberg comienza con mostrar al personaje, sin darle una línea importante. Luego tenemos el diálogo de “¿Alguien sabe quién es ese tipo?”. Nos hace creer en un plano que es un mujeriego, pero con el contraplano y un movimiento de cámara no da a entender que en realidad mira a los oficiales de la SS. Importantes, porque están siendo fotografiados. Pero hay una mesa reservada que está vacía.

La persona más importante llega. El protagonista les manda unos tragos a los personajes que fueron a la mesa reservada, pero no revela su nombre. Atrae a su primera presa. Lo captura. Atrae al gran jefe y lo saluda como igual. Y justo después de esa fotografía, donde aún el personaje está sin nombre, todos conocen a Oskar Schindler como si fuera un amigo de la infancia.

‘Annie Hall’

Muchos fanáticos del cine que tocan el tema de ‘Annie Hall’ corren directo a cómo Allen rompe el uso de la cuarta pared, que es cool, pero no tan emocionante como esta escena. Alvy y Annie se están conociendo, ambos quieren lucirse frente al otro, pero en esa conversación pseudointelectual que están teniendo hay unos subtitulos: el subtexto de la verdadera intención de los personajes.

Me fascina esta escena porque es graciosa. Porque es humana y cualquier espectador se puede relacionar con que hablan un montón de basura para quedar bien frente a esa persona que les gusta. Como cuando hablan de la cuarta pared de ‘Annie Hall’, cuando es un elemento muy ‘meh’ dentro de todo lo bueno que tiene esa película.

‘The Silence of the Lambs’

Esta es un poco obvia para todos los cinéfilos y ya ha sido discutida por muchos más elementos que ocurren dentro de la escena. Sin embargo lo que me atrae de esta escena es el desbalance de poder de ambos personajes. Un poder que se encuentra en la composición del plano.

La cámara es levemente contrapicada desde el punto de vista de Clarice y picada desde el punto de vista de Hannibal. Esto lo hace ver a él más grande y por encima de ella. Además, al comienzo de la escena Lecter siempre ocupa el cuadrante izquierdo de la imagen, mientras que Clarice está a la derecha.

Después del discurso de Lecter, la balanza del plano se rompe y se invierte el cuadrante de los personajes, con lo que se muestra que ella fue capaz de igualarlo (no superarlo) en poder. Por eso gana la confianza para volverlo a visitar luego en la película.

Y aunque eso ocurre en muchas cintas, mucho mejores, fue en la primera que entendí el uso de cuadrantes y poder. Por lo que la llevo ahí en el corazón.

Imágenes: Screenshots ‘American Beauty’ y ‘Annie Hall’