Y no sólo son importantes en nuestra vida. Las madres de las películas muestran que pueden ser personajes más fuertes de lo que pensamos, y que no sólo están en la casa haciendo aseo y cocinando mientras volvemos de la escuela. Por eso les dejamos este conteo de películas para la colección Blu-Ray que muestran las mamás más impactantes del cine:

Simpathy for Lady Vengeance (2005)

Una madre haría lo que fuera por proteger a sus hijos, incluso si esto hiciera que fuera encarcelada lejos de ellos. Pero Geum-ja no dejará las cosas así, y encontrará la forma de hacer que ese desgraciado que le arrebató a su hija pague por sus atrocidades. Y 13 años en prisión es un buen tiempo para planear una gran venganza.

Todo sobre mi madre (1999)

Ser una madre soltera debe ser complicado. Pero Manuela supo guiar la vida de su hijo para que creciera y fortaleciera su sueño de ser un escritor. Lastimosamente la muerte es impredecible, y ahora ella debe hacer una regresión a su pasado para encontrar y contarle al padre de Esteban que su hijo ha fallecido.

Terminator 2: Judgment Day (1991)

Cuando se sabe que el fin del mundo está cerca y que la labor de su hijo es liderar la revolución contra las máquinas, la labor de una madre es proteger a su hijo, enseñarle a ser fuerte y valerse con los recursos disponibles. Por eso Sarah Connor debe pasar el hecho de que su peor pesadilla ha vuelto del futuro, y ayudar a su hijo llenando una tumba con muchas armas de fuego para la secuela de la película.

Serial Mom (1994)

Beverly es la ama de casa perfecta: dulce, considerada, puntual y siempre en busca de que su familia sea ejemplar. Por eso, si intentan meterse con ella, sus principios y su familia, no dudará en hacer que ustedes sean los próximos en la lista de obituarios del periódico local.

Psycho (1960)

Una madre puede ser muy posesiva. Por eso puede llegar a hacer atrocidades si siente que una mujer quiere arrebatar a su hijo, o si un mezquino detective puede encontrar la forma de llevarse al pequeño Norman Bates. Así que tenga cuidado al quedarse en el motel del taxidermista, ella siempre está mirando desde su ventana.

¿Para ustedes cuales son las madres más impactantes del cine? Si están interesados en comprar estas películas desde el exterior les presentamos nuestra guía para hacer compras desde el exterior.

Algunas personas tienen cierta predisposición cuando se enfrentan al cine oriental. Varias de las que conozco decían que los asiáticos sólo hacen cine de kung-fu u otra arte marcial. Este es un estereotipo del cine oriental que llegó a occidente entre los setentas y los ochentas, cuando China comenzó a exportar muchas de sus producciones a EE. UU., lo que popularizó la figura del oriental como el artista marcial (y las películas mal dobladas).

Pero la llegada del genero de artes marciales tuvo cosas buenas. Gracias a ese genero surgieron figuras icónicas como Bruce Lee, Chuck Norris y Jackie Chan. También inspiró a directores como Quentin Tarantino a transformar ese genero y adaptarlo más a un estilo de Hollywood. Y hay grandes películas del genero, como ‘Hero’ de Zhang Yimou y ‘Kung-Fu Soccer’ de Stephen Chow. Pero opacaron mucho el cine oriental, que por primera vez pudo salir de Asia gracias a ‘Rashomon’ de Akira Kurosawa, estrenada en 1950.

Por este motivo les presentamos este listado de cinco películas del cine oriental de los últimos 20 años que lo harán ver la otra cara de los directores asiáticos. Realizadores que trabajan enfocados en la estética visual, los pocos diálogos y la creación de historias y personajes que atraen a cualquier tipo de espectador.

Como siempre, recuerden que si tienen más sugerencias de este tipo de películas no duden en comentar cuáles son.

Aquiles y la tortuga (2008)

Takeshi Kitano es un director japonés muy conocido en la industria por ser uno de los mayores expositores del cine Yakuza (mafia japonesa). Pero cuando sus películas dejan de lado las peleas entre pandillas y el mundo oscuro de la mafia, el director libera su imaginación con historias conmovedoras. Este es el caso de ‘Akiresu to Kame’ o ‘Aquiles y la tortuga’.

La historia nos cuenta la vida de Machisu, un niño adinerado que parecía tener el futuro asegurado. Su afición era pintar y dibujar, y todos a su alrededor creían que llegaría a ser un gran pintor famoso. Sin embargo la muerte de su padre lleva a la familia a la bancarrota, y el joven artista parecía perder su futuro en el arte. Mientras crece sigue soñando con ser un artista famoso, pero siempre que está cerca de su meta se da cuenta de que no puede alcanzarla todavía.

Esta película es un colorido mundo alrededor de la vida de Machiso. La dirección de arte se enfoca en resaltar los espacios y los elementos en los que los personajes se mueven, y maneja un contraste de colores que mantienen llevando la mirada de lado a lado de la pantalla. La fotografía es limpia y logra moverse en cada secuencia rápidamente entre detalles y planos generales que nos muestran las sensaciones y las emociones de los personajes.

Aquiles y la tortuga’ es un ensayo sobre las dificultades de crecer como artista, y la eterna búsqueda por encontrar nuestro sello personal.

Hierro 3 (2004)

Kim Ki-duk es un director surcoreano que se caracteriza por sus romances prohibidos y el amor que triunfa de forma dudosa. Sus películas son muy aclamadas por la elección actoral: el diálogo es casi nulo en sus cintas, y lo que cobra mayor valor es la forma en que sus personajes nos cuentan miles de frases sin mover los labios. Una de sus películas más reconocidas en occidente es ‘Samaritan Girl’, pero la película que tiene toda la firma del director es ‘Bin-Jip’ o ‘Hierro 3’.

Tae-suk no tiene pasado, pareciera que tampoco espera un futuro. Él es un transeúnte en la vida. Aprovecha sus habilidades de cerrajería para utilizar la casa de los extraños cuando no se encuentran en ellas. A cambio, hace el aseo de la casa y limpia la ropa. Luego sigue su rumbo. En una de esas ‘invasiones’ conoce a Sun-hwa, una mujer que vive en una lujuria falsa y un matrimonio sin amor.

Tae-suk invita a Sun-hwa a acompañarlo en su presente.

Esta obra maestra de Kim ganó 12 premios internacionales y cuatro nominaciones. Su valor se encuentra en el romance que muestra la historia y en el desarrollo de un personaje que no se quiebra ante ninguna dificultad.

En esta cinta estamos inmersos en el cuerpo de Tae-suk, y nos acostumbramos a oír y ver como él. Es una película cuyo tiempo se congela para que podamos sentirla sin darnos cuenta de que no hemos parpadeado en 88 minutos.

Tiene una estética de colores tenues, y maneja por lo general un ambiente muy cálido. Las actuaciones son impecables y la historia seguro los cautivará.

Fallen Angels (1995)

China es representada por las extrañas formas en las que ve Wong Kar-wai en sus films. Se caracteriza mucho por el uso de planos vertiginosos con ojos de pez, por los encuadres enmarcados en espejos y vidrios; por las historias del amor que siempre falla y la noche como el espacio ideal para que el mundo suceda. Dentro de sus éxitos se encuentran ‘My Blueberry Nights’ y la saga de ‘Con animo de amar’ y ‘2046’. Sin embargo, ‘Fallen Angels’ puede considerarse como el punto clave en el que el director saca a relucir su estética ante el mundo.

La historia se cuenta entre tres espacios paralelos, cada uno con un personaje que lo representa y lo vincula con el siguiente. Primero está Wong Chi-ming, un asesino que no tiene iniciativa propia, pero quiere terminar con esa vida de una buena vez. Luego está su asistente quien está enamorada del matón, pero nunca pueden encontrarse. Quiere vivir una vida tranquila al lado de un hombre que la acompañe. Y finalmente está He Zhiwu, un sordomudo que siempre está buscando una nueva forma de mostrarse ante el mundo.

Wong utiliza la luz como fuente principal de sensaciones. Ambientada en un Hong Kong nocturno, encontramos mucho neón y nos movemos entre iluminaciones de colores vibrantes que tienden a fríos verdosos o a cálidos bien rojizos. Esto se acompaña por el constante uso de lentes granangulares que se acercan mucho a los personajes y distorsionan sus facciones junto al espacio que los rodea.  Los movimientos de cámara son rápidos, la mayoría son hechos con la mano, y las secuencias son de cortes rápidos. La calma llega con la música y las pausas prolongadas que dejan respirar al personaje y al espectador.

Esta cinta ha ganado varios premios y nominaciones. Pero su mayor valor es la forma en que abre las historias de cada uno de sus personajes, y logra cerrarlas de manera sutil y concisa. El ‘plus’ es su estética visual y las grandes actuaciones de los personajes.

Audition (1999)

Takashi Miike tiene como principio dos elementos claves: personajes irreales que quedan marcados en nuestra mente (como ‘Zebraman’ e ‘Ichi the Killer’) y la exaltación de las emociones del espectador que se liberan en sus entregas (como en ‘Izo’ y ‘13 Asesinos’). Y uno de sus mayores éxitos se transformó en uno de los íconos del cine del terror por saber mezclar ambos atributos a la perfección. ‘Audition’ es una de las elegidas por los críticos de New York Times entre las grandes películas de terror.

Aoyama es un productor de televisión que lleva varios años viudo, y que parece no salir de la depresión de la muerte de su esposa. Uno de sus compañeros en la compañía organiza una audición con el propósito de conseguir una nueva pareja para el productor. Durante el casting conoce a Asami, una chica tierna cuyo sueño de ser bailarina fue destruido por un accidente, pero que quiere volver a intentar entrar al espectáculo.

Las cosas parecen fluir bien entre los dos hasta que, cuando Aoyama se mete más en la vida de Asami, comienzan a ocurrir cosas extrañas.

Esta película se destaca dentro del genero de terror psicológico. Estéticamente es muy pulida y, contrario a lo común en este tipo de películas, es muy iluminada con colores muy llamativos. El rojo y el amarillo colorean la película constantemente, logrando que el espectador tenga sensaciones de pánico, nausea y emoción.

Aunque sólo tiene tres premios internacionales, la película del director japonés es considerada por muchos como una de las mejores exponentes del genero. El espectador puede pasar de la calma a la sorpresa, y de ahí a la tensión y repulsión.

Old Boy (2003)

Aunque ya había hablado de Park Chan-wook y esta película en uno de los artículos sobre el remake que está realizando Spike Lee; no podía faltar dentro de las películas que representan el poder del cine asiático. Chan-wook se especializa por narrar de maneras únicas cada historia que cuenta. A pesar que involucra el amor en casi todos sus filmes, cada película es muy distinta a la anterior y muestra su versatilidad como cineasta.

Oh Dae-su es un hombre promedio, tiene una hija y una esposa, un amigo que lo salva de meterse en líos con las autoridades y un problema de alcohol. Una noche es secuestrado y encerrado en una habitación clandestina. Queda dentro de ella durante 15 años. Y cuando es liberado es retado a encontrar el porqué de esta acción en cinco días.

El director coreano adapta el manga escrito por Garon Tsuchiya sacando elementos curiosos del comic y transformándolos en una narrativa nueva, fresca y única. Maneja colores neutros para llevar al personaje; luego los acompaña con escenas frías para los momentos de mayor violencia y acción de la historia, pero vuelve a la calidez para la intimidad y la reflexión de los personajes.

Los planos y las secuencias son acompañados en armonía con una banda sonora que ayuda al espectador a sentir la emoción de los momentos. Los diálogos ayudan a comprometerse más con los personajes, y nos hacen distanciar de cualquier posición ética o moral que tengamos sobre ellos. Al final, la cinta nos deja como testigos de una venganza que no podemos clasificar como correcta o incorrecta. Pero no podemos dejar de verla, porque es necesario que se resuelva para recuperar nuestra tranquilidad.

Cualquier persona se compromete dentro de la película tras la impactante primera escena. Queremos oír la historia de Oh Dae-su. Queremos acompañar al protagonista por su búsqueda por la gran representación de personajes que hacen los actores.

‘Old Boy’ es reconocida con 17 premios internacionales. Pero para muchos de nosotros, los amantes del cine, es una obra maestra que marca un punto clave en la historia del séptimo arte.

En la página oficial del remake de Old Boy, que está realizando Spike Lee,  se publicó un nuevo tráiler que está propagándose de manera viral por las redes. El video se mueve bajo la frase ‘Preparing your stay’ o en español ‘Preparando su estadía’, y está acompañado de imágenes promocionales que simulan los beneficios de este ‘Hotel Old Boy’.

Este es un remake basado en la película ‘Old Boy’ del director koreano Chan-wook Park, que a su vez se inspira en el manga ilustrado por Nobuaki Minegishi y escrito por Garon Tsuchiya. Todo este mundo cuenta la historia de un hombre que fue encerrado durante mucho tiempo en soledad, y que de pronto es liberado repentinamente para buscar el por qué de este acto. El tráiler de Lee muestra que el thriller será mucho más frío que el original y buscará enfocarse en planos de detalle para simular el estado de alerta del protagonista.

De aquí en adelante daré una opinión personal sobre este remake.

Lo primero que pensé cuando me mostraron el primer tráiler de esta adaptación fue “¿Me están jo***do?”. Soy un gran admirador del director koreano, y siempre me fascino con los distintos tratamientos de la imagen y la narrativa que presenta en cada una de sus películas. Me encanta el color y el desarrollo de personajes de ‘I’m a Cyborg, but That’s OK’. Me parece impresionante como pone en dilema conceptos religiosos y sociales mediante sus vampiros en ‘Thirst’, me dejó sin palabras su presentación a la producción occidental en ‘Stoker’ y cada una de sus películas de la ‘Trilogía de la Venganza’ pone en cuestión nuestros pensamientos sobre el bien, el mal y la razón de los personajes.

‘Old Boy’ es la segunda película en esta trilogía, y se convirtió en un emblema del cine por la forma en que Park nos transmite la historia. Además, los más de 17 premios y nominaciones internacionales no alcanzan a demostrar lo que sigue siendo esta película para las personas. Es una producción que impacta al espectador que va a cine a cambiar de plan viendo películas como ‘El Paseo’ así como conmueve al asistente que le gusta sentarse a analizar las películas más densas de Bergman y Tarkovsky o para ir un poco más allá, los extraños cortos de Claudio Caldini.

‘Old Boy’ es presentada por el koreano en una narración suave, rápida, repentina y rítmica, con personajes que nos acogen a pesar de ser tan complejos en su construcción. La banda sonora nos sumerge en los ambientes y sensaciones de los personajes, ya que cuando su música aparece nos lleva a través de la historia sin apresurarnos. Ahora bien, su adaptación agarra varios elementos del manga, pero da giros a los sucesos dentro de él y busca una nueva forma de contar la impresionante historia de Oh Dae-su (el protagonista). Aquí está el trailer:

En la otra cara de la moneda me encuentro con el tráiler del director estadounidense. Acepto que tengo predisposición ante el resultado porque me parece que Lee es un director repetitivo y obvio. Sin embargo y por otro lado veo las imágenes del tráiler y siento que mi predisposición al tema es casi acertada.

Por un lado está la occidentalización a medias. Cuando se hacen remakes de películas del extranjero y se quiere cambiar todo el contexto para que quepa dentro del país que va a alojar la historia hay que cambiarlo todo. Funcionó con ‘The Ring’ donde a pesar que la figura de Sadako no es del todo clara, todo el espacio era acorde a la historia y se sentía que todo ocurría en EE.UU. En la adaptación de Lee se nota que las dificultades culturales de ciertos elementos claves en la historia hacen que se obligue a buscar una forma estereotípica de la cultura asiática. Aquí vemos un Samuel L. Jackson en kimono y con palillos chinos en la cabeza (por que asiático que se respete tiene palillos chinos en la cabeza) sólo para justificar por qué el personaje va a comer gyosas chinas todos los días durante 20 años, en vez de digerir un plato más americano como… un steak, o perro caliente o una vara de Klahv Kalash.

Por otra parte siento que la película va a enfatizar en los elementos de la violencia, la sangre desmesurada, el sexo y más acciones viscerales que tienden a lo gore. Estas acciones son justificadas dentro del contexto de los personajes, pero sin una buena narrativa distorsionan su sentido y transforman su impacto en una bolsa de morbo más de las que se producen en Hollywood año tras año. En una entrevista hecha por Collider a Josh Brolin el actor menciona que hablando con Park, la única condición que el director koreano les pedía era que no hicieran “la misma película”. En esa misma entrevista tenemos la respuesta vaga del actor de “Estructuralmente, como andamios, es la misma película, pero lo que hacemos es diferente. La película se ve diferente”.

Y ahí está ese otro miedo. Las palabras de Park creo se referían a una película que fuera otra visión sobre la vida de Oh Dae-su, manteniendo el espíritu de la búsqueda y la venganza. No se refieren a “verse” distinto por mostrar más sangre o más sexo, ni a darle el toque de efectos que se permite hoy en día. Y por las imágenes de los tráileres, veremos demasiadas composiciones casi fotocopiadas de la narrativa del director koreano.

Eso sí, esta es es una historia interesante y que seguro impactará (y parecerá innovadora) a muchos quienes no conocen la versión de Chan-wook Park. Pero quiero hacer la invitación a los lectores a que antes de ver la película de Spike Lee (que probablemente llegará aquí en diciembre) busquen y vean la versión que dirigió el director koreano.