Ser la ganadora de los premios Óscar es un sello de excelencia bajo los estándares de la Academia y la industria cinematográfica estadounidense. Son películas que logran atrapar a los espectadores con historias cautivantes y a los críticos con una técnica y producción excepcional. Por eso es difícil elegir cuáles son las mejores películas entre todas las que han obtenido este honor.

Muchos cinéfilos dirán que por qué faltan películas como ‘Casablanca’, ‘Gone With the Wind’ o ‘My Fair Lady’. Otros criticarán que desprecio cosas comerciales como ‘Titanic’, ‘Argo’, ‘Gladiator’ y ‘Shakespeare in Love’. Incluso se podrán preguntar por qué (a pesar de estar en mi colección personal) no tengo excelentes producciones como ‘The Godfather’, ‘The Departed’ y ‘Forrest Gump’ en mi top para este conteo.

Este listado muestra mis películas favoritas que han ganado el Óscar en el orden de la que más me emocionó a la que me emocionó un poco menos. Son películas que me llaman la atención desde la técnica y la historia, pero en especial porque cada una de ellas tiene una escena que quedó marcada en mi mente por siempre. Aquí están:

‘No Country for Old Men’

En esta escena vemos a Chigurh buscar a Moss en un motel remoto. Lo que más me impresiona de esta escena es que los hermanos Coen aprovechan un juego de montaje paralelo para generar tensión y llevarnos al momento de la ventilación.

En el montaje paralelo, dos o más acciones que ocurren al tiempo o en distintos momentos se unen para generar una relación entre secuencias. En este caso, los Coen llegan a este momento haciéndonos pensar que todo está ocurriendo al tiempo. Y mientras Joss Brolin está planeando cómo escapar, Javier Bardem se prepara para ejecutar. En el momento que se abre la puerta y el asesino ejecuta a los hombres nos da cuenta que Bardem llegó tarde a donde estaba Brolin, pero luego, al ir a la otra habitación, llegamos a otra aclaración de la situación. Después de mostrar las monedas características del personaje de Chigurh, vemos que hay líneas de movimiento en el ducto de ventilación, mostrando cómo Bardem le está pisando los talones a Brolin.

Una escena que no importa cuantas veces repitan la película, siempre los tendrá boquiabiertos.

‘American Beauty’

La primera vez que vi esta película pasé totalmente desapercibido de toda esta situación. Luego, en una clase de la universidad, nuestro profesor nos mostró cómo está construida la presentación de personajes a través de un código de color y elementos para cerrar de la misma forma.

‘American Beauty’ maneja tres colores principales: blanco, azul y rojo (¿‘murica?’). Al principio de la película se muestran estos tres colores y se usan como una referencia para enmarcar ‘la familia estadounidense’. Pero hay un elemento muy importante: Las rosas de Carolyn.

Lo fascinante de esta escena es que hay un dialogo que relaciona directamente a Carolyn con sus rosas. Luego, estas rosas aparecen varias veces en la película y, donde están, está ella. Pero es un código que pasa desapercibido. Por eso, al llegar a la última escena quedan muchas dudas de quién dispara la pistola. Pero antes de que se revele a Carolyn caminando en la lluvia, Lester está viendo un cuadro de su familia al lado de las rosas de Carolyn.

Luego de eso, aprendí a fijarme en esos elementos pequeños. Y claro está, se volvió una de mis favoritas de todo el tiempo.

‘Schindler’s List’

Hablando de presentar personajes, esta película tiene una de las formas narrativas más espectaculares de presentar a su protagonista: Presentarlo.

Spielberg comienza con mostrar al personaje, sin darle una línea importante. Luego tenemos el diálogo de “¿Alguien sabe quién es ese tipo?”. Nos hace creer en un plano que es un mujeriego, pero con el contraplano y un movimiento de cámara no da a entender que en realidad mira a los oficiales de la SS. Importantes, porque están siendo fotografiados. Pero hay una mesa reservada que está vacía.

La persona más importante llega. El protagonista les manda unos tragos a los personajes que fueron a la mesa reservada, pero no revela su nombre. Atrae a su primera presa. Lo captura. Atrae al gran jefe y lo saluda como igual. Y justo después de esa fotografía, donde aún el personaje está sin nombre, todos conocen a Oskar Schindler como si fuera un amigo de la infancia.

‘Annie Hall’

Muchos fanáticos del cine que tocan el tema de ‘Annie Hall’ corren directo a cómo Allen rompe el uso de la cuarta pared, que es cool, pero no tan emocionante como esta escena. Alvy y Annie se están conociendo, ambos quieren lucirse frente al otro, pero en esa conversación pseudointelectual que están teniendo hay unos subtitulos: el subtexto de la verdadera intención de los personajes.

Me fascina esta escena porque es graciosa. Porque es humana y cualquier espectador se puede relacionar con que hablan un montón de basura para quedar bien frente a esa persona que les gusta. Como cuando hablan de la cuarta pared de ‘Annie Hall’, cuando es un elemento muy ‘meh’ dentro de todo lo bueno que tiene esa película.

‘The Silence of the Lambs’

Esta es un poco obvia para todos los cinéfilos y ya ha sido discutida por muchos más elementos que ocurren dentro de la escena. Sin embargo lo que me atrae de esta escena es el desbalance de poder de ambos personajes. Un poder que se encuentra en la composición del plano.

La cámara es levemente contrapicada desde el punto de vista de Clarice y picada desde el punto de vista de Hannibal. Esto lo hace ver a él más grande y por encima de ella. Además, al comienzo de la escena Lecter siempre ocupa el cuadrante izquierdo de la imagen, mientras que Clarice está a la derecha.

Después del discurso de Lecter, la balanza del plano se rompe y se invierte el cuadrante de los personajes, con lo que se muestra que ella fue capaz de igualarlo (no superarlo) en poder. Por eso gana la confianza para volverlo a visitar luego en la película.

Y aunque eso ocurre en muchas cintas, mucho mejores, fue en la primera que entendí el uso de cuadrantes y poder. Por lo que la llevo ahí en el corazón.

Imágenes: Screenshots ‘American Beauty’ y ‘Annie Hall’

Los premios Óscar son el reconocimiento más importante en el séptimo arte. Aunque hay injusticias en los premios, hay que reconocer que los jueces casi siempre dan en el blanco. En conmemoración con los premios de este año -que serán el 2 de marzo- queremos recordar algunas de las mejores películas que se llevaron la estatuilla en el pasado. Y una más. Hay varios ‘spoilers’, entonces prosiga con precaución.

“He’s looking at you, kid.” – Rick Blaine

Una de las frases más emblemáticas del cine corresponde a Humphrey Bogart, el protagonista de ‘Casablanca’. La película cuenta la historia de Rick Blaine, dueño de un bar americano, y Ilsa Lund, la compañera sentimental de un líder de la resistencia checa. Entre los tres se arma un triángulo amoroso que decidirá el futuro de los personajes.

En medio de la Segunda Guerra Mundial, ‘Casablanca’ muestra el punto de vista de los refugiados y su afán por salir de Europa. La película dirigida por Michael Curtiz fue estrenada el 23 de enero de 1943, en medio de la guerra. Después de un lanzamiento tenue, los críticos del cine reconocieron los méritos de la historia, la ambientación y la actuación para poner a ‘Casablanca’ como una de las mejores películas de la gran pantalla.

“Frankly, my dear, I don’t give a damn.” – Rhett Butler

Otra de las clásicas que cualquier amante del cine tiene que ver es ‘Gone with the Wind’. Fue de las primeras películas realmente épicas, con un presupuesto de 3,85 millones de dólares. Cabe recordar que fue realizada en 1939 y tuvo una producción problemática por la búsqueda de la protagonista y los diferentes negocios que se hicieron para conseguir la financiación y los actores.

Después de todo, David Selznick, el productor del largometraje, consiguió a Clark Gable y a Vivian Leigh para interpretar los papeles de Rhett Butler y Scarlett O’Hara. La película cuenta la historia de O’Hara y su amor prohibido por Ashley Wilkes, el esposo de su prima Melanie Hamilton. Para complicar este enredo, Scarlett es la esposa de Butler. Entre los cuatro personajes se va desarrollando una historia en medio del racismo y la esclavitud del sur de Estados Unidos. Este elemento le da más vida a la historia y pone a rojo vivo esa lamentable llaga que tiene el país del norte en su historia.

Los méritos de ‘Gone with the Wind’ la tienen entre las mejores películas de la historia. En su momento fue la más taquillera de la historia y, haciendo el correspondiente ajuste de inflación, sigue siendo la más exitosa de todos los tiempos. Además del recaudo, el significado histórico del épico filme se puede resaltar con el premio que recibió Hattie McDaniel, la primera actriz afroamericana en ser reconocida por la Academia.

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“I’m gonna make him an offer he can’t refuse.” – Vito Corleone

Las palabras salen de la boca de Marlon Brando en uno de sus papeles más icónicos. Como jefe el de los Corleone, Vito tiene la responsabilidad de velar por la familia y por la comunidad italiana. ‘The Godfather’ muestra como una sola persona se puede convertir en el centro de un grupo grande de gente. Recibir la invitación a ser el padrino de un nuevo bebé es un reconocimiento que se traduce en poder y respeto en la mafia italiana.

El sorprendente cambio de Michael, interpretado magistralmente por Al Pacino, le da un giro a la historia y a la familia. La conversión de un joven ingenuo en un mafioso despiadado significó una nominación a mejor actor de reparto. Y aunque Brando se llevó la estatuilla al mejor actor, el verdadero principal es Pacino, que se relaciona con el resto de su familia y termina gozando la aprobación de su padre.

Pacino confirma su personaje en ‘The Godfather 2’ cuando macabramente le da el beso de la muerte y manda a matar a un miembro de su familia. Entre Pacino, Brando, Robert Duvall y James Caan, muestran que ‘The Godfather’ es una película de hombres para hombres.

“Yo, Adrian!“ – Rocky Balboa

Viendo los papeles posteriores de Sylvester Stallone, es posible olvidar que Rocky ganó el premio a mejor película en 1977. Stallone fue el guionista y protagonista de la película, ambos roles meritorios de nominaciones a los premios de la Academia. Lo más curioso de Rocky es que termina perdiendo la mítica pelea con Apollo Creed, después de aguantar 15 rounds de castigo.

Creed, interpretado Carl Weather, es el campeón y le da una pequeña oportunidad al desconocido Balboa. Después del clásico entrenamiento por las calles y las escaleras de Filadelfia, el novato es el primer boxeador en derrumbar a Creed y de aguantar toda la pelea.

Tal es la fama de Rocky que hoy en día hay una estatua al final de las escaleras donde Rocky hace su entrenamiento. El guión y la actuación de Stallone le dieron a todos los David la confianza de volver a derrotar a Goliath.

“I do wish we could chat longer, but… I’m having an old friend for dinner. Bye.” – Dr. Hanibal Lecter

Anthony Hopkins se lleva por delante la cámara en ‘The Silence of the Lambs’ . Como el Dr. Hannibal Lecter, logra ser un intermediario entre la policía y asesino en serie. La gran actuación de Hopkins deja al espectador dudando quien es el verdadero psicópata que quiere resaltar la película.

En contraparte al cínico y macabro Dr. Lecter esta Clarice Sterling. Es más, solo escribiendo este texto, puedo oír la voz de Hopkins diciendo “Good evening, Clarice”. Jodie Foster interpreta a la estudiante del FBI que recibe la complicadísima misión de descifrar al caníbal, y entre los dos se crea una relación que le da vida a la película. Con dos villanos, el largometraje tiene giros inesperados que dejan a Clarice buscando respuestas y confiando en un asesino en serie porque simplemente no tiene otra opción.

“This is very cruel, Oskar. You’re giving them hope. You shouldn’t do that. That’s cruel.” – Amon Goeth

Casi todas las películas impactantes tienen como fondo una de las guerras. En ‘Schindler’s List’, el ambiente es la Segunda Guerra Mundial, en el apogeo del poder nazi. Y aunque Oskar Schindler es parte de la maquinaria alemana, identifica una oportunidad de negocio; abre una fabrica en Polonia para dotar al ejercito Nazi, usando a los judíos como mano de obra gratis.

Sin embargo, a pesar de empezar como un negocio, Schindler empieza a sentir algo de cariño y amor por sus empleados y hace todo lo posible para evitar que terminen en los campos de concentración. Liam Neeson quedó nominado por su interpretación de Oskar Schindler y Steven Spielberg sumó otro trofeo a su gran colección de reconocimientos.

En total, la película se quedó con siete estatuillas, y marcó una diferencia por ser en blanco y negro cuando casi todas las películas ya eran a color. Esa particular característica le permitió a Spielberg filmarla como un documental y usar la luz y el contraste para resaltar la violencia. En un escena particular, la sangre negra queda contrastada con la nieve en Kraków, y el espectador queda con un nudo en el estomago. Aunque no es realista, ‘Schindler’s List’ permite entender la catástrofe que fue la persecución judía durante la Segunda Guerra Mundial.

“Mamma always said life is like a box of chocolates, you never know what you’re gonna get.” – Forrest Gump

La banca donde se sienta Tom Hanks sirve de punto de partida –y llegada– para todas las historias de Forrest Gump. Y así como dice esa emblemática frase, en la variedad está el placer. Gump nos lleva por su particular pero interesantísima vida con diferentes historias y problemáticos personajes.

Aunque Forrest tiene un IQ de 75 –por debajo de lo normal–, se da cuenta que es una promesa atlética, lo que le permite recibir una beca para jugar fútbol americano con la Universidad de Alabama. Después se convierte en una máquina de tenis de mesa y abre una compañía de langostinos. A pesar de ser un poco tímido e ingenuo, Forrest tiene un corazón tan grande que logra atraer a muchos extraños en sus ‘misiones’.

Pero esa misma ingenuidad lo pone en confrontaciones con sus seres queridos. La relación con Lt. Dan y con Jenny son ejemplos perfectos de como Forrest siempre quiere hacer lo correcto pero sus seres amados tienen otros planes y temores. Aunque el rol estaba propuesto para John Travolta, Hanks se apuntó una hora después de leer el guión.

La película ganó el premio de la Academia y Hanks se llevó el Óscar a mejor actor principal. ‘Forrest Gump’ es recordada por las icónicas frases y la forma en como el personaje principal cambió –en el filme– la historia de Estados Unidos. Sin embargo, la película fue un logro tecnológico al ‘borrar’ las piernas de Gary Sinice y poner a Gump enfrente de personajes históricos. El trabajo de Industrial Light & Magic valió para el premio a mejores efectos visuales y marcó el momento en que la tecnología se convirtió en una herramienta más para contar historias.

“Remember those posters that said, ‘Today is the first day of the rest of your life’? Well, that’s true of every day but one – the day you die.” – Lester Burnham

‘American Beauty’ representa la crisis de los cuarenta. Kevin Spacey interpreta a Lester Burnham, un padre de familia casado con una fría y despedidora Carolyn Burnham. La película es una sátira del mítico sueño americano y como se puede derrumbar a medida que va pasando la vida. Spacey se llevó el Óscar al mejor actor principal por su cambio radical cuando se enamora de la ‘mejor’ amiga de su hija.

La película tiene escenas memorables. Spacey ‘echandose unas pajas’ mientras su esposa dormía a su lado y Angela (Mena Suvari) cubierta por pétalos de rosas.

Es una obligación ver esta película por ver cómo Lester va enfrentando su crisis y su obsesión por una mujer mucho menor que él. Empieza a fumar marihuana y a burlarse abiertamente del personaje con el cual su esposa está siendo infiel. Spacey es el eje de la película, desprendiendo su talento para que el resto del reparto se vaya colgando de él.

“Are you going to shoot me? That depends. Do you see me?” – Anton Chigurh

Javier Bardem, Josh Brolin y Tommy Lee Jones protagonizan ‘No Country for Old Men’, un western moderno, en el cual un botín es el objetivo de los primeros dos. Jones, como el alguacil, tiene la misión de mantener la calma y el orden en su jurisdicción en medio de las repetidas muertes que va dejando la búsqueda.

Bardem sobresale en su papel de Anton Chigurh, un personaje frio y calculador que tiene la mejor arma -en mi opinión– de la historia del cine. Con pistón a presión de aire, el asesino va dejando un rastro de muerte al sentenciar a sus victimas con un golpe en la cabeza. Es simplemente aterrador ver la agigantada presencia de Bardem con un tubo de aire a presión y una manguera alojando el pistón.

El western moderno tiene los elementos típicos de los clásicos, pero con un giro totalmente moderno en los villanos. Los hermanos Coen ganaron la tripleta: mejor película, mejor dirección y mejor guión.

+1: “Rosebud.” – Charles Foster Kane

La injusticia más grande del cine fue el desplante de la Academia a ‘Citizen Kane’, la película escrita, dirigida y protagonizada por Orson Wells. Para muchos críticos, esta obra maestra es el mejor largometraje de la historia del cine. Además marcó la transición entre el cine clásico y moderno.

Cuando fue lanzada, ‘Citizen Kane’ fue tuenuemente recibida por los críticos y la audiencia. En su momento no logró recuperar la inversión, pero a medida que fue revivida y aclamada, sobrepasó el punto de equilibrio.

Charles Foster Kane es el dueño de un importante periódico que ya pasa su vejez en una mansión en Florida. Cuando se muere, el mayordomo asegura que sus últimas palabras fueron “Rosebud“. Y de ahí un reportero empieza a recrear la vida del magnate, buscando las historias más importantes de su vida. Les dejamos la pregunta: ¿Qué es Rosebud?